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Cultura
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Fri, 20 Sep 2019 08:03:13 +0200

Pulsar para mostrar/ocultar texto. Miguel Ángel Perera, el torero en activo con más Puertas Grandes en Las Ventas
[Toros]   Fri, 20 Sep 2019 00:46:57 +0200 {(abc)}
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Miguel Ángel Perera es el torero en activo que más veces ha conseguido abrir la Puerta Grande de Las Ventas: un total de seis. El torero de Puebla del Prior, uno de los triunfadores de la pasada feria de San Isidro, se medirá en un apasionante mano a mano con Paco Ureña el 29 de septiembre. Frente a ellos, toros de distintas ganaderías: Victoriano del Río / Toros de Cortés, Núñez del Cuvillo y Juan Pedro Domecq / Parladé. Perera, cuya imagen nutre la colección de fotografías que componen la campaña desarrollada por Plaza 1 para el ciclo otoñal, se sincera antes de Otoño con el departamento de comunicción de Plaza 1.. -Regresa a Madrid tras una nueva Puerta Grande en pleno San Isidro. Y lo hará para torear mano a mano con Paco Ureña. -Me apetecía venir a la feria de Otoño. Antes de que se fraguara el mano a mano con Ureña, o incluso de que existiera el ofrecimiento por parte de la empresa, rondó en mi cabeza el hablar de esta posibilidad con mi apoderado. El destino y las casualidades quisieron que la empresa tuviera esta misma inquietud y nos ofrecieron este mano a mano. que me hace muchísima ilusión. Es un reto muy grande. Madrid ya de por sí lo es, en cualquier fecha, pero volver después de toda la temporada pesa más. Hacerlo junto con Paco Ureña, un torero que disfruta del mejor momento de su carrera, es un reto que también me motiva. -Es el torero en activo con más Puertas Grandes en Madrid. -Ante todo, es un privilegio. He sido siempre muy querido y respetado en Madrid, aunque también ha habido tardes realmente difíciles porque esta plaza es muy exigente. La plaza de toros de Las Ventas ha sido la que ha posibilitado que mi carrera haya alcanzado momentos importantes y que le hayan dado siempre ese crédito y esa categoría en todo lo que he hecho. Madrid ha sido la que siempre ha marcado mi carrera en este sentido. -Los dos toreros llegan en un momento muy importante. ¿Existirá esa rivalidad el próximo 29 de septiembre? -En un mano a mano siempre se espera que haya rivalidad y uno intenta, o espera, que los toros –en este caso de tres ganaderías que dan confianza y que han triunfado en Madrid– den opción a esa competencia, a hacer los quites que nos correspondan… Eso es lo que se espera de un mano a mano. Esa es la ilusión y la mentalidad con las que afronto el compromiso. Ojalá que todas las expectativas que se han levantado en torno a esta cita se puedan cumplir en el ruedo. -Hablamos ahora de la campaña, en la que intenta jugar con un regreso al pasado. Un disparo con el que quedan retratados todos los defectos y virtudes de una instantánea. -Este tipo de fotografías suponen un arte, exactamente igual que una faena. Es algo irrepetible. No puedes rebobinar, no puedes editar. Las faenas, de igual modo, son obras imperfectas que tienen también una belleza única que solo puedes admirar en su esplendor si estás en la plaza. La campaña recoge perfectamente lo que es la obra de arte del toreo: lo que es un muletazo o un fogonazo en la plaza. La verdad es que es asombroso disfrutar del proceso de creación de este tipo de fotografía ahora que la tecnología ha adquirido un papel protagonista en nuestro día a día. Volver a lo antiguo, a lo tradicional; volver al ingenio del hombre para crear una pieza única es muy bonito....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Portugal Alive: el termómetro de la escena «indie» del país luso
[Música]   Fri, 20 Sep 2019 00:43:02 +0200 {(abc)}
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Vuelve el festival que se ha convertido en un termómetro de la escena «indie» del país vecino, y con una triple propuesta gratuita en Barcelona y Madrid. La cita presenta en las dos ciudades el mismo cartel: Conan Osíris, Reis da República y Whales actuarán este viernes en la plaza Juan Corominas de la capital catalana, dentro del BAM (Barcelona Acción Musical), y el sábado, en la madrileña sala Shôko, en la zona de La Latina. Llega con aureola estelar el excéntrico cantante de estilo multicultural, pues Osíris ya se mostró a contracorriente como representante portugués en las semifinales de Eurovisión. Pero no pasó el corte y, por tanto, no se clasificó para la gran final. Su trayectoria, sin embargo, ya había dado de qué hablar al otro lado de la frontera desde al menos dos años antes, gracias a su amalgama sonora que mezcla el pop con las bases programadas y…, hasta los ecos de Bollywood. Por algo Conan, de aspecto desaliñado, llamó la atención hace dos temporadas con su irreverente álbum «Adoro bolos» («Me encantan los pasteles»), en la onda del rey del «manele» rumano, Nicolae Guta. En cuanto a Reis da República, se trata de una banda dedicada abiertamente a revitalizar el rock progresivo, en una línea «setentera» clara y con piezas que tienden a una duración larga. Hacia la electrónica «mid-tempo» se inclinan Whales, capaces de remitir a Efterklang, Trentemoller o Lulu Rouge, así como al mismísimo Aphex Twin. Tal es su conglomerado de marca, siempre deudor de los sonidos con clase. Naturalmente, sobresalen también otras bandas en Portugal, donde el grupo independiente más conocido es The Gift , liderado por Nuno Gonçalves y que últimamente ha trabajado incluso con Brian Eno. Otra formación interesante es Ermo, desde Braga, con una fórmula próxima a los postulados de Joy Division. Y todo mientras desaparece el emblemático templo «indie» de Lisboa por excelencia, el histórico club Sabotage. Fechas Barcelona. BAM. 21.00. Viernes 20 Madrid. Sala Shoko. 21.00. Sábado 21...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. «El gran mercado del mundo»: un auto sacramental que es mucho más que un sermón
[Teatros]   Fri, 20 Sep 2019 00:42:43 +0200 {(abc)}
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En su obra «El dulce nombra de Jesús», Lope de Vega definía así los autos sacramentales: «Y ¿qué son autos?- Comedias / a honor y gloria del pan / que tan devota celebra / esta coronada Villa / por su alabanza sea / confusión de la herejía / y gloria de la fe nuestra / todas historias divinas». Calderón de la Barca fue más allá cuando se refirió a este género como «Sermones / puestos en verso, en idea / representable cuestiones / de la sacra Teología, / que no alcanzan mis razones / a explicar ni comprender / y el regocijo dispone / en aplauso de este día». Y precisamente con un auto sacramental del propio Calderón de la Barca, «El gran mercado del mundo», ha abierto su temporada -la última programada por Helena Pimenta- la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Se trata de una coproducción con el Teatre Nacional de Catalunya, cuyo responsable, Xavier Albertí, es el propio director del montaje. El reparto lo componen Cristina Arias, Alejandro Bordanove, Antoni Comas, Elvira Cuadrupani, Jordi Doménech, Rubén de Eguía, Roberto G. Alonso, Oriol Genís, Lara Grube, Silvia Marsó, Jorge Merino, Mont Plans, Aina Sánchez y David Soto Giganto. No son los autos sacramentales un género demasiado frecuentado hoy en día. Xavier Albertí reconoce que «no se hace y cuando se ha hecho se ha puesto el énfasis en intentar recuperar la majestuosidad escenográfica más que en los contenidos ideológicos». El director reconoce que los autos sacramentales de Calderón -«un autor al que adoro», confiesa- han supuesto para él una sorpresa. «Creo que no están bien asentados en la tradición de la recepción contemporánea del teatro de Calderón; les pesa mucho aún el estigma de ser sermones de palabras». Para Albertí, sin embargo, «los autos sacramentales son una de las puertas de entrada del teatro popular del siglo XVII, y especialmente su contaminación con el teatro italiano de la época». Los autos, explica, se representaban en una única función el dia del Corpus Christi, y eran junto al teatro de corral y el teatro palatino, una de las tres patas del hecho teatral en la España del siglo XVII». Se dirigían, añade, a un público muy heterogéneo, y contienen -«que es uno de los hechos que me fascinó»- «una cantidad de homenajes a la Commedia dell’arte italiana y a sus personajes; y al mismo tiempo un interesantísimo debate teológico mucho más libre y antidogmático de lo que esperaba». Su puesta en escena ha buscado «una sintaxis contemporánea para hacer consciente al espectador de hoy, al tiempo que celebrar ese patrimonio cultural, un poco liberado de los pesos de la excesiva tensión teológica, lo que abre una puerta a la recuperación de una de las grandes teatralidades del siglo XVII». No ha sido demasiado difícil , asegura, traerla a nuestra época. «Calderón posibilita un viaje a través de esa figura híbrida del buen genio y del mal genio que es la encarnación del ser humano en su tiempo, en el que le invita a dar sentido a su peripecia en este mundo. El espectador que venga a vernos a la Comedia se encontrará no con un sermón, sino con un viaje profundo donde la palabra teología puede ser perfectamente sustituida por la palabra filosofía». Y es que Calderón, concluye, le parece «milagroso. Alguien que conoce el alma humana, los mecanismos del poder político, del poder religioso -ambos de una manera extraordinaria- y al mismo tiempo le entrega a sus conciudadanos herramientas de lectura profunda y no confortable para cuestionarse todo ello». Un profundo amigo La casualidad ha querido que el primer montaje de la «era Lluís Homar» en la Compañía Nacional de Teatro Clásico haya sido este Calderón dirigido por Xavier Albertí, que estaba programado desde hace un tiempo y que forma parte del acuerdo de colaboración que suscribieron hace tiempo la CNTC y el Teatre Nacional de Catalunya. Albertí, que habla de Homar como «un admirado actor y un profundo amigo», se incorporará además a partir de la temporada 21/22 al equipo de Homar en la CNTC....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. León Benavente, la piña indestructible que arrasa en los escenarios
[Música]   Fri, 20 Sep 2019 00:40:22 +0200 {(abc)}
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La democracia rousseauniana es posible. O al menos lo es en el seno de León Benavente, una banda formada por cuatro miembros equivalentes, en la mejor aplicación humana del adjetivo. Los cuatro tienen el mismo peso en las tomas de deciciones y, al contrario que otros grupos de éxito (que tienen uno o dos líderes o cabezas visibles), los cuatro comparecen en sus entrevistas, formando la misma piña indestructible que arrasa sobre los escenarios. Su tercer largo, «Vamos a volvernos locos», es ya uno de los más firmes candidatos a disco del año en la escena de pop-rock nacional. Y lo saben. «Bueno, siempre estamos contentos con todo lo que publicamos... Pero sí, este disco está muy bien», dice el guitarrista Luis Rodríguez entre las carcajadas de sus socios. «También es que hemos tenido más tiempo para hacerlo», explica el baterista César Verdú. «En total ha sido un año y medio, aprovechando el tiempo libre que nos dejaba Nacho Vegas (forman parte de su banda). Sumando días, hemos pasado casi seis meses viviendo en casa de Edu, donde hemos grabado las canciones». El Cariño es el nombre del estudio que Eduardo Baos (bajo y sintetizador) tiene en su residencia de Mozota, un municipio de la provincia de Zaragoza. «Allí hemos podido concentrarnos mejor que nunca, ha sido una delicia poder probar cosas cuando te daba la gana», dice Verdú. Abraham Boba (voz y farfisa) es quien compone las letras y las melodías de las canciones y, por tanto, «también el que va dirigiendo el cotarro en el estudio», asegura Baos. «Es nuestra forma de trabajar desde el principio, que tiene mucho que ver con la idea original que tenemos del resultado final de las canciones», dice el cantante. «Por eso no necesitamos la figura del productor. Luis y César son técnicos de sonido, Edu tiene el estudio... En ese sentido tenemos cubiertas las limitaciones técnicas que suelen tener los grupos cuando graban. Se nos ha pasado por la cabeza tener un productor, pero sabíamos que al final estaríamos más a gusto haciéndolo nosotros». Psicoanálisis del festivalero En «Vamos a volvernos locos», León Benavente disparan crítica social y lamento generacional; advierten de los peligros de las adicciones tecnológicas; psicoanalizan a los festivaleros, y trazan poderosos cuadros de costumbrismo con su audacia habitual. «El título del disco es una advertencia», dice Boba con tono de misterio. «Aunque también podría ser una llamada a la acción. Nos gusta que pueda haber mil y una interpretaciones». También hay una y mil formas de etiquetar la música de este cuarteto. «Que no se nos pueda encasillar con facilidad es algo maravilloso», exclama Rodríguez. «Lo mejor que se ha dicho de nosotros es que podemos tocar cualquier estilo y hacerlo propio», añade Boba. «La gente tiene en la cabeza que somos un grupo cañero, visceral y rabioso, pero en este disco vuelve a haber canciones que demuestran que también podemos generar emociones muy fuertes con tiempos lentos, incluso baladas. Todavía nos quedan muchos terrenos musicales que ni siquiera sabemos que podemos investigar». León Benavente Granada. Festival Granada Sound. 17.00. Viernes 20 y sábado 21...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Un nuevo hallazgo arqueológico en Israel podría desvelar la verdadera ubicación de un milagro de Cristo
[Arte]   Fri, 20 Sep 2019 00:37:26 +0200 {(abc)}
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Cerca del mar de Galilea (Israel) se ha descubierto un mosaico –de 1.500 años de antigüedad– de peces, pájaros y cestas de frutas, flores y barras de pan; se sospecha que podría ser un «testamento» del lugar donde, según relata el Nuevo Testamento, Jesús obró la multiplicación de los panes y los peces. Así lo recogió «The Times of Israel», a raíz de las declaraciones del arqueólogo responsable de las investigaciones, Michael Eisenberg, de la Universidad de Haifa. El mosaico se encuentra al norte de Israel, en el corazón de la Tierra santa, en una ciudad a la que se le ha bautizado como «Burnt Church» (iglesia quemada), descubierta en 2005; forma parte del sitio arqueológico Hippos, ubicado en una colina con vistas al mar de Galilea. La iglesia fue destruida en el año 700 d. C., pero el suelo con el mosaico sí ha logrado sobrevivir al paso de los siglos gracias a una capa de ceniza. Los «azulejos» descubiertos podrían plasmar uno de los milagros referidos en el Nuevo Testamento en el que Cristo empleó solo cinco barras de pan y dos pescados para alimentar a 5.000 personas. Su arqueólogo responsable confirmó que había diferentes explicaciones a las descripciones gráficas, pero que no se podía ignorar la similitd con la descripción del Nuevo Testamento, como por ejemplo el mismo número de panes y pescados. Este «descubrimiento» choca con la existencia de l a Iglesia de la Multiplicación de los Panes y los Peces , en Tabgha, en la orilla noroeste del Mar de Galilea. Es a este lugar al que oficialmente se le ha atríbuido tal milagro. A diferencia del nuevo mosaico, la iglesia de Tabgha cuenta con otro, pero dos peces y una cesta con solo 4 barras de pan. Mosaic near Sea of Galilee may mark new site for Jesus loaves and fishes miracle https://t.co/qRQe14PLkE via @timesofisrael pic.twitter.com/5Ql5Q9xNBi— Klaas Meijer (@klaasm67) September 5, 2019...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Novelas y ensayos para sacar del olvido a la expedición de Elcano
[Libros]   Fri, 20 Sep 2019 00:36:00 +0200 {(abc)}
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–«La ruta infinita». José Calvo Poyato. Harper Collins, 2019. 400 páginas. 22,90 euros. Con la tinta gastada en las novedades editoriales sobre la expedición de Magallanes-Elcano se podría dibujar una línea, casi, de Sanlúcar a Mactán. La ocasión lo merece. José Calvo Poyato, uno de los grandes del género, firma una novela histórica de dimensiones épicas, como la propia gesta, que podría parecer ficción si no fuera porque ocurrió de verdad. «La ruta infinita» conjuga a la perfección rigor histórico con pulsión literaria. –«La primera vuelta al mundo». Antonio Pigafetta. Alianza editorial, edición bolsillo. 300 páginas. 11,50 euros. La hazaña que demostró la esfericidad al mundo contó con la pluma de alguien tan talentoso como Antonio Pigafetta. De él bebieron durante siglos los textos que tantas imaginaciones han inflamado. De forma oportuna, Alianza Editorial reedita ahora la crónica con un texto de introducción a cargo de la filóloga Isabel de Riquer, que contextualiza el viaje y lo que significaban este tipo de cartas de relación. –«Poniente». Álber Vázquez. La Esfera de los Libros, 2019. 743 páginas. 24,90 euros. Pigafetta dejó claro que Sebastián Elcano no era de su cuerda cuando no lo mencionó ni una vez en su relación. Álber Vázquez, autor de novelas como «Mediohombre» o «El adelantado Juan de Oñate», se propone con una novela de aventuras al más puro estilo británico que el vizcaíno ocupe al fin el lugar que se merece en la Historia. «Poniente» da voz al puñado de audaces que decidieron hacer el camino de vuelta en la dirección más incierta. –«El orbe a sus pies». Pedro Insua. Ariel, 2019. 232 páginas. 19,90 euros. Tras el éxito de «1492: España contra sus fantasmas», el filósofo vigués aborda en su nueva obra lo que significó para el mundo otro de esos episodios fundamentales, y desdeñados, de nuestra historia. Desde los postulados legados por Gustavo Bueno, Insua reivindica la importancia que tuvieron Magallanes y Elcano para que Europa diera el salto definitivo a la Edad Moderna y comprendiera la redondez del mundo. Aquella conquista científica prendió la primera globalización. –«La primera vuelta al mundo». Agustín R. Rodríguez González. EDAF, 2018. 350 páginas. 28 euros. Uno de los mayores expertos en historia naval de la actualidad -con más de una veintena de títulos publicados- no podía faltar a una efeméride de este tamaño. Además de una visión técnica y sin prejuicios de los pormenores de la expedición, el ensayo de Rodríguez González aporta una perspectiva conjunta de las distintas aventuras que otras naciones acometieron a raíz del logro hispánico. Su foco se centra en lo incuestionable de la españolidad de la gesta. –«El océano pacífico». Carlos Prieto. Alianza editorial, 2019. 264 páginas. 11,50 euros. Al igual que la llegada de Colón a América, la expedición de Magallanes-ElCano solo fue el principio, la mecha de algo más grande. En la reedición de una obra ya clásica, el historiador Carlos Prieto narra las dramáticas travesías que siguieron a 1522, entre ellas aquella en la que murió Elcano buscando una ruta de vuelta entre Filipinas y América. Con prólogo de Martínez Shaw, la obra recuerda que la mayoría de archipiélagos, e incluso Australia, fueron descubiertos por españoles....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. La gesta española de la primera vuelta al mundo, a toda vela en el Museo Naval de Madrid
[Cultura]   Fri, 20 Sep 2019 00:35:02 +0200 {(abc)}
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Quinientos veranos han pasado ya desde que Fernando de Magallanes y Juan Sebastián Elcano levaron anclas e iniciaron, el 10 de agosto de 1519, un viaje cuyo objetivo era descubrir una nueva ruta para arribar hasta las islas Molucas. El resultado es bien conocido: tras un tortuoso trayecto de más de mil días, la expedición consiguió circunnavegar el mundo por primera vez, descubrió el Estrecho de Magallanes y puso un pie en el Pacífico. Es por ello que España se encuentra este año de celebración y por lo que, este jueves, El Rey Felipe VI ha inaugurado la exposición temporal «Fuimos los primeros. Magallanes, Elcano y la vuelta al mundo». Una muestra que alberga el Museo Naval y que promete convertirse en una de las más detalladas, documentadas y memorables de nuestro país al contar con un sin fin de piezas de época traídas a Madrid desde medio mundo. De izquierda a derecha: el pintor Augusto Ferrer-Dalmau; el Rey Felipe VI; la vicepresidenta del gobierno en funciones, Carmen Calvo; la ministra de Defensa en funciones, Margarita Robles; uno de los comisarios de la exposición, Enrique Martínez y el almirante general, Jefe de Estado Mayor de la Armada Española, Teodoro López Calderón, junto al cuadro del artistaEl monarca ha sido uno de los primeros en disfrutar de una exposición que, tal y como ha confirmado durante su presentación el almirante Juan Rodríguez Garat (director del Museo Naval de la Armada), busca «dar voz» a todos los personajes que hicieron posible el viaje y evitar que este se convierta en una de las «hazañas que bostezan en los libros». Ni más, ni menos. «Con el título no pretendemos reivindicar la españolidad de la expedición, algo que está suficiente y convincentemente hecho por otros organismos como la Real Academia de la Historia», ha explicado. Entre las figuras a las que se refiere se hallan desde sus organizadores, quienes partieron bajo la tutela de la Monarquía Hispánica, hasta el propio Carlos I o la Casa de Contratación de Sevilla. Aunque, como es normal, la muestra (que estará abierta hasta el 19 de enero de 2020) guarda un lugar especial para Elcano. «Fue el que tomó la difícil decisión de navegar hacia el oeste para regresar. Esta convirtió una travesía comercial de dudosos resultados en la gesta histórica que hoy conmemoramos», ha añadido. Tesoros de época En palabras de Garat, la premisa de los organizadores ha sido «que la exposición esté a la altura de la gesta». Y vaya si lo han conseguido. Así lo atestiguan las 89 piezas cedidas por 23 instituciones diferentes (nacionales e internacionales) que han sido ubicadas en un espacio aproximado de 1.100 metros cuadrados. Todas ellas, organizadas de «forma cronológica», como bien han señalado los comisarios Enrique Martínez Ruiz, Susana García Ramírez y José María Moreno Martín. Los responsables han tenido en cuenta hasta el más mínimo detalle para lograr que el espectador recorra, sin salir del centro de Madrid, las 14.000 leguas que navegaron aquellos marineros de nueve nacionalidades diferentes. Un ejemplo es el color de las salas. La exposición comienza con una cúpula geodésica en la que un vídeo resume la expedición. A continuación empieza el viaje. Y no lo hace el 10 de agosto de 1519, sino varias décadas antes. «La primera sala muestra, entre otras cosas, los instrumentos de navegación que se usaban en la época», ha señalado Martínez. Un rápido vistazo a sus vitrinas permite vislumbrar lo difícil que fue para aquellos marinos orientarse. Las salas contiguas guardan, entre otros tesoros, un busto llegado desde Gante de un joven Carlos I. «Cuando recibió al marino portugués solo tenía veinte años», añade el comisario. También destaca el «Kunstmann IV», una reproducción del siglo XIX del mismo mapa que Magallanes enseñó al monarca para demostrarle que las Molucas se hallaban en sus aguas, y no en las portuguesas. «Está copiado del original, que se quemó en la Segunda Guerra Mundial, es un vestigio único», añade. A partir de ese momento se suceden una serie de galerías en las que es posible encontrar auténticas joyas cartográficas como el Planisferio Salviati (el segundo mapa de la historia que representó el mundo tal y como lo conocemos hoy en día) o el plano de las Molucas de Nuño García de Toreno. «Se elaboró en 1522 y tiene el honor de ser la primera carta que se levantó con la información procedente de la expedición», completa Moreno. Aunque al comisario le resulta difícil seleccionar una pieza en concreto, no ha querido olvidarse de tres misivas que «recogen la correspondencia establecida entre Carlos I y Elcano entre septiembre y noviembre de 1522». Unos documentos en los que ordena al vasco que viaje a Valladolid para narrar lo que había ocurrido en el trayecto. Tenía mucho de lo que informar, pues, el 6 de septiembre de 1522, apenas regresaron 18 hombres y una nave de los casi 240 tripulantes y cinco bajeles que partieron. Y joyas actuales Pero no todos los objetos de «Fuimos los primeros» tienen siglos de antigüedad. El broche de oro lo ponen dos obras que, en palabras de Moreno, no estaban terminadas cuando comenzó la organización de la exposición. La primera es un modelo a escala de la nao Victoria elaborado tras una ardua labor de documentación histórica. La segunda es «Primus Circumdedisti Me», el lienzo que Augusto Ferrer-Dalmau pintó para conmemorar el V centenario de la primera vuelta al mundo. «El cuadro demuestra que, cinco siglos después, la gesta sigue siendo causa de inspiración para artistas y estudiosos», ha confirmado....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Plácido Domingo y la pasión por la zarzuela
[Abc Cultural]   Fri, 20 Sep 2019 00:34:07 +0200 {(abc)}
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Además de su amplísima y brillantísima carrera como cantante de ópera y director, Plácido Domingo ha defendido siempre nuestro género lírico. No sólo ha triunfado con Verdi o Wagner; también, con Penella, Moreno Torroba y Sorozábal. Su especial cariño por la zarzuela tiene una raíz biográfica. Es hijo del barítono Plácido Domingo Ferrer, de Tordera (Barcelona) y la soprano Pepita Embil, de Guetaria. (La zarzuela fue popularísima no sólo en Madrid sino en toda España, incluidas Cataluña y Vascongadas). Se casaron en 1940 y cantaron juntos en la compañía Ases Líricos, de Antonio Medio; en la de Moreno Torroba, y en la suya propia, que actuaba en Hispanoamérica. En 1946, se establecieron en México. El hijo comenzó en la compañía de sus padres y acompañando, al piano, los recitales de zarzuela de su madre. Plácido ha apoyado siempre el género lírico español, llámase ópera o zarzuela grande. Promovió la recuperación de El gato montés, de Penella: hace sesenta años, ya la cantó, en la compañía de sus padres. El pasado mayo, ha vuelto a hacerlo, en la Ópera de Los Ángeles. En 1980, protagonizó el estreno, en Madrid, de El poeta, de Moreno Torroba, sobre la figura del poeta Espronceda. En 2003, en la Scala de Milán, interpretó Luisa Fernanda, de Moreno Torroba: un «fruto tardío» de la zarzuela, estrenada en 1932, en el Madrid republicano, con la nostalgia del Madrid isabelino. Evidentemente, a Plácido le movía la emoción sentimental de cantar una obra que sus padres habían llevado por Hispanoamérica. A la vez, eso suponía un duro examen para la zarzuela, como género: ¿la aceptarían los muy expertos y exigentes aficionados de la Scala? Tuve la fortuna de asistir al acontecimiento: un éxito rotundo. Gracias, entre otras razones, a Plácido Domingo. Un motivo más para valorarlo y estarle agradecidos....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Nuestras lenguas: un gran patrimonio cultural
[Abc Cultural]   Fri, 20 Sep 2019 00:33:43 +0200 {(abc)}
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Al finalizar de leer este libro, uno no puede más que sentirse inmensamente orgulloso de nuestro país. ¿Qué otro lugar del mundo puede aportar cuatro lenguas y cuatro literaturas tan poderosas como las nuestras? Aquí se encuentra la demostración de que, a pesar de las muchas dificultades que nos trajo nuestra convulsa historia a lo largo de los siglos, hoy podemos presumir ante el mundo de que este patrimonio es ingente y lo hemos salvaguardado e incrementado entre todos. Este libro nos viene a demostrar con hechos y acontecimientos que la democracia, durante estos cuarenta años, benefició, apoyó, respaldó y normalizó a las otras tres lenguas del Estado y a sus respectivas literaturas. Y lo hizo, en primer lugar, nombrándolas cooficiales junto a la lengua común que hablamos casi unos setecientos millones de personas en todo el mundo: el castellano o español. Hoy podemos decir que la convivencia es magnífica a pesar de que algunos se empeñen en utilizar estos instrumentos de expresión del saber y del conocimiento como máquinas bélicas. Nada peor y tan ignominioso. Este libro debería servir como ejemplo de lo que deberían ser en España nuestros manuales de enseñanza primaria y universitaria. Habría no sólo que enseñar nuestra historia y cultura común, sino también -en toda la península e islas- la historia de cada uno de nuestros territorios, pero en el mismo volumen, no en volúmenes distintos como si perteneciéramos a países diferentes. La unidad, también a las lenguas y literaturas periféricas, nos favorece siempre. La fuerza del español sirve de vehículo para todas las demás. Normalización Agradecerle a Pozuelo Yvancos y a Mariángeles Rodríguez Alonso, encargados del estudio del pensamiento y la crítica literaria en español; así como a Pere Ballart y Jordi Julià, en catalán; a María José Olaziregi y Lourdes Otaegi, en euskera; y a María do Cebreiro Rábade Villar, en gallego; el haber aprovechado todo el espacio, siempre escaso, para mostrarnos las riquezas de cada creación lingüística, evitando -no omitiendo- el sinfín de quejas sociopolíticas. ¿Qué podría aportarnos la literatura catalana más allá de la frontera, en Francia? ¿Qué podría aportarnos la literatura en euskera más allá de la frontera, en Francia, igualmente? ¿Cuál es la consideración de ambas lenguas por parte de la República francesa? Tengamos esto siempre muy presente. Siendo yo director del Instituto Cervantes, los actuales Reyes pusieron los nombres de Alvaro Cunqueiro, Salvador Espriu y Gabriel Aresti a las bibliotecas de los Institutos en Damasco, Palermo y Lyon. Esta buena voluntad y normalización no siempre ha sido correspondida por la otra parte. Todos, unos y otros, debemos de saber que vivimos en un país plurilingüe y que todos nuestros escritores y artistas, escriban en la lengua que les sea menester, nos pertenecen por igual y nos representan en el mundo. Pozuelo Yvancos, como coordinador de este trabajo, se merece todo nuestro agradecimiento. Pozuelo es uno de los más grandes comparatistas, un catedrático que está a la altura de Steiner o Bloom, pero como es de casa... «Pensamiento y crítica literaria». J. M. Pozuelo Yvancos y otros Cátedra, 2019. 776 págs. 24 euros...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. «Máquinas como yo»: Ian McEwan, robótico y reprogramado
[Abc Cultural]   Fri, 20 Sep 2019 00:33:20 +0200 {(abc)}
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La idea viene desde muchísimo antes, desde buena parte de los textos sagrados, desde Frankenstein: las creaciones suelen ser mucho más interesantes que sus creadores. Pero fueron Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke quienes dieron la puntada definitiva y corto circuito perfecto en 1968, en «2001»: porque, sí, la perturbada HAL 9000 resultaba tanto más sensible que esos gélidos astronautas. Y la idea sigue llegando y le llegó a Ian McEwan (Reino Unido, 1948) para esta -su inesperada novela número dieciséis- aunque de este escritor ya pueda esperarse cualquier cosa: amor, Segunda Guerra Mundial o Guerra Fría, dramas legales, denuncias ecológicas, espías, crisis existenciales privadas ligadas a cataclismos públicos nacionales. No hay tema ajeno para aquel que comenzó como el jovencito «freak»-perverso del llamado «Dream Team» de su generación para -contra todo pronóstico- acabar convertido en adorado por la crítica y el gran público como pulcro y comprometido Gran Escritor Nacional. Lado oscuro Lo que a esta altura (siempre correcto y eficaz pero en más de un momento pareciendo prisionero del Síndrome del Mejor Alumno y con ganas de contentar a todos; este efecto se hace aún más notorio en las adaptaciones cinematográficas de sus títulos, donde su prosa elegante no está ahí para disimular la matemática mecánica de sus astutas intenciones) jamás se imaginó que McEwan de algún modo se «reprogramara» volviendo a sus perturbadoras fuentes infernales pero potenciándolas con todo lo aprendido en el Paraíso. Así, en 2016, McEwan avisó que estaba de regreso en su lado oscuro con esa hamletiana farsa fetal que fue «Cáscara de nuez». Y ahora reconfirma el rumbo con esta «Máquinas como yo»: fantasía de retro-anticipación fundiendo sus metales con la carne de un triángulo amoroso. Y si bien Ishiguro y Amis y Barnes y Rushdie en más de una ocasión habían flirteado o hecho el amor a lo fantástico maquinal, McEwan (provocando las iras de los fundamentalistas del género ante los turistas al manifestar un más que contundente desconocimiento de lo «sci-fi» más allá de J. G. Ballard) se mete de lleno entre las sábanas manchadas por fluidos corporales y aceite lubricante. Años 80 alternativos Entonces, aquí, algo así como una versión de «Jules y Jim» donde Jim es un androide y el factor un tanto disfuncional no es Catherine sino Jules. Porque, de acuerdo, estamos en unos años 80 alternativos en los que un Alan Turing no se suicidó y es reverenciado como el héroe que fue, Inglaterra ha perdido la Guerra del Atlántico Sur contra los argentinos, internet y los teléfonos móviles ya están haciendo de las suyas, JFK sigue vivo y The Beatles se han reunido. Pero lo que importa y vale y atrae es la relación entre la constantemente variable e imprecisa inteligencia humana y la calculada y programada inteligencia artificial. Y el que un londinense treintañero y cómodamente fracasado de nombre Charlie Friend decida gastarse la herencia de su madre en Adam, uno de los flamantes y muy de moda robots domésticos a 86.000 libras la unidad. Y que Charlie le proponga a Miranda -su más o menos novia en trámite del piso de arriba- que juntos decidan e instalen los parámetros de la personalidad de Adam. Y el que -cortesía de un dispositivo ubicado en su nalga derecha y funcionando a presión de agua destilada-Adam pueda tener erecciones. Pronto Adam está citando a Philip Larkin y aconsejando al muy opaco Charlie (a quien en alguna ocasión confunden con el robot) en que tenga mucho cuidado con su vecina porque esconde algo en su pasado y Miranda teniendo fantasías de irse a la cama con Adam porque, después de todo, no sería muy diferente que masturbarse con un vibrador, ¿no? Adam -quien aquí da cuenta de todo y hace cálculos- no parece muy convencido de semejante argumento y pronto se convierte en «el primer ser humano al que le ponen los cuernos con un artefacto». Criatura superior Muy pronto, otra vez, lo del principio: la criatura es muy superior (y tanto más atractiva que aquellos que la crían). Y las complicaciones del triángulo se agudizan aún más al entrar en escena el maltratado Mark: un tan adoptable chico de carne y hueso. Entre tanta pasión desatada y enchufada, McEwan encuentra incluso sitio para teorizar acerca de la, para su narrador, inevitable muerte de la novela cuando se acabe comprendiendo la sintética virtud de «los haikus lapidarios». Algo de redacción parecida a aquello con lo que -en otro 2019- se despide el ya mencionado replicante modelo Nexus 6 Roy Batty al final de «Blade Runner». Aquello de «he visto cosas que ustedes, personas, no creerían», aquello de «y todo eso se perderá en el tiempo como lágrimas en la lluvia». Adam -a diferencia de Roy- viaja poco pero también ve cosas que no puede creer; porque pocas más, más increíbles que el nada científico y tan inexacto funcionamiento y comportamiento de esas disfuncionales e imprevisibles máquinas conocidas, a falta de mejor nombre, como «personas». «Máquinas como yo». Ian McEwan Trad: Jesús Zulaika. Anagrama, 2019. 360 páginas. 20,90 euros...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Blossfeldt y la vida secreta de las plantas
[Abc Cultural]   Fri, 20 Sep 2019 00:32:47 +0200 {(abc)}
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A veces hay exposiciones que, por su pequeño formato, casi de gabinete, parecen menores, pero que, al mismo tiempo, también son grandes en aliento y en potencia. No creo equivocarme si les digo que Karl Blossfeldt: Urformen der Kunst pertenece a ese selecto linaje. Organizada por el Museo Thyssen y Loewe Perfumes, presenta un cuidado conjunto de 40 fotos de este artista. Karl Blossfeldt (Alemania, 1865-1932) es una de las figuras de referencia dentro del ámbito de la fotografía de vanguardia. Formado inicialmente como escultor en la Escuela de Artes Aplicadas de Berlín, comenzó a interesarse pronto por el mundo de las plantas, recogiendo un gran número de diferentes especies en sus paseos y excursiones por el campo, material que después clasificaba, disecaba y fotografiaba, y que inicialmente le servía como fuente de inspiración formal para sus dibujos y su tarea docente. Poco a poco este primer interés iría derivando hasta convertirse en el sentido y contenido de una fascinante experiencia fotográfica. Un referente de primer nivel En 1928, Blossfeldt publica su libro Urformen der Kunst (Formas originarias del arte), una selección de ese personal herbarium fotográfico, que construyó durante más de tres décadas y que resulta difícil no vincularlo como referencia, entre otros, al primer proyecto del mismo nombre de Fontcuberta. La publicación, uno de los fotolibros más reverenciados y reeditados del siglo XX, sería un enorme éxito de público y, lo que es más importante, hizo que su obra traspasara la mera dimensión de lo documental para situarlo activamente dentro de la esfera artística como uno de los máximos representantes de la llamada Nueva Objetividad. Podemos asimismo considerarle, casi con toda certeza, el primer fotógrafo que logró reflejar la belleza del entorno natural y su interconexión con la práctica artística, siguiendo procesos propiamente científicos. Sus imágenes, aumentadas hasta treinta veces (lo que las convierte en auténticos macros) nos muestran un mundo vegetal en estado puro, despojado de sus rasgos esenciales de color, olor o tacto. Quedan así reducidas a puras formas geométricas y estructuras, únicamente sostenidas por una rica y sutil gama de grises, que nos permiten contemplar diversas características gráficas y plásticas que hasta entonces no habían sido percibidas, y que a la vez consiguen despertar, pese a su aparente frialdad, un amplio registro de emociones en el espectador. En esta voluntad formal rigurosa y volumétrica, desnuda de matices cromáticos, existe una clara influencia de su inicial formación escultórica; de hecho, sus fotografías se llegarían a relacionar con la estatuaria primitiva africana, sirviendo incluso de modelo a diseñadores industriales y miembros de la Bauhaus. La sabiduría de sus composiciones y encuadres y la adecuada iluminación utilizada por Blossfeldt refuerzan, por otro lado, el valor gráfico y plástico de estas admirables piezas. Junto a esa selección de huecograbados de época, que potencia los valores plásticos de las imágenes, la muestra presenta igualmente un ejemplar de ese seminal fotolibro, así como un par de perfumes de Loewe (de cuya colección forman parte la gran mayoría de las obras), que emplean en su diseño de packaging fotografías de Blossfeldt. Y un último, sutil y acertado detalle: la sala expositiva ha sido aromatizada con uno de esos perfumes, lo que añade a los valores visuales y formales una sugerente dimensión olfativa y sensual, que sin duda enriquece este proyecto. Karl Blossfeldt Urformen der Kunst. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Madrid. Paseo del Prado, 8. Comisario: Juan Naranjo. Hasta el 5 de octubre....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Javier Gomá: «Tenemos fundamentos para estar orgullosos de nuestra época»
[Libros]   Thu, 19 Sep 2019 22:49:25 +0200 {(abc)}
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La dignidad, desde todos los ángulos, tanto la que asiste a los inmigrantes que navegan en patera como la que manchan los presidentes de Gobierno que plagian una tesis, merecía un debate sereno. La palabra «dignidad» está en nuestras vidas, la leemos en el periódico, resuena en los telediarios y en los debates de los medios y las redes. La muerte «digna», los movimientos indignados, nos trasladan un concepto tan omnipresente como mal definido. La aparición del libro «Dignidad» (Galaxia Gutenberg), del filósofo Javier Gomá, viene a corregir esta falta. Con tal motivo, el autor mantuvo un diálogo formidable ayer con el director de ABC, Bieito Rubido, en el Teatro Real. Rubido subrayó en su presentación la sustantiva aportación de Javier Gomá a la España de nuestro tiempo, con obras como la Tetralogía de la Ejemplaridad, que puso en el centro del debate público un concepto insuficientemente analizado en una sociedad tan falta de modelos y que acabó convirtiéndose en un concepto transversal a la política y la ética públicas. Y lo mismo auguró a este «Dignidad»: «El tiempo dirá el valor del aporte de Javier Gomá a nuestra sociedad», afirmó. Sin defensores El filósofo explicó que ha escrito este libro porque la dignidad está en su diccionario personal y porque investigando ha comprobado que «si el mundo es una batalla entre miseria y dignidad, yo quería militar del lado de la dignidad». Para el autor, existe una suerte de enamoramiento de las palabras que han movido grandes cambios o revoluciones en la humanidad. Ese enamoramiento lleva a que se las defienda, como ocurrió con la libertad, «pero la dignidad no tuvo quien la defendiera a pesar de que vivimos inmersos en una revolución que la invoca». Gomá define la dignidad como «una cualidad que posee todo hombre y mujer por el hecho de serlo y que ha sido adquirida sin mérito y convierte al resto de la humanidad en deudora y al portador en acreedor a un respeto. Un respeto a esa dignidad». Es un concepto realmente muy resistente: «no cede frente al interés general. La dignidad individual resiste incluso ante la tiranía de la mayoría», aclaró. Por eso -le indicó Bieito Rubido- dice en su libro que para algunos «la dignidad estorba». Gomá explicó que «hay seres que estorban para el progreso de la comunidad, que no aportan ya o no producen, que lentifican al conjunto, pero entonces alguien defiende que merece la pena preservarlos porque nos dignifican moralmente». Por eso, concluyó, «entiendo el progreso moral como la sustitución de la ley de la naturaleza, la del más fuerte, por la de la cultura y la civilización, la ley del más débil». La conversación continuó por otros conceptos asociados a la dignidad como el hecho de que es cosmopolita, puesto que si todos los hombres tienen la misma dignidad por el hecho de serlo, eso «significa que solo hay una raza, la humanidad, y solo hay un principio, la dignidad. Eso es por naturaleza cosmopolita y rompe fronteras. El Estado no podrá ignorar que cualquier hombre o mujer está dotado de dignidad y el resto del mundo le debe respeto», aseveró Gomá. La ironía estuvo presente en la velada cuando estaba Gomá argumentando con un pie en las obras de otros autores y entonces se disculpó por usar tanta cita. Y Bieito Rubido dijo: -Mejor que plagiar es citar... -Qué cruz… -exclamó Gomá tras una pausa entre las carcajadas del público que cogió al vuelo la referencia a Manuel Cruz, presidente del Senado cuyo manual de filosofía contaba con numerosos plagios, según publicó ABC. El tema también mereció después una pregunta directa de Rubido: -¿Es indigno un presidente que plagia su tesis? -Soy autor de un artículo del que he hecho bandera: «Escurrir el bulto» -respondió Gomá entre más risas del público-. Pero diré que la dignidad puede ser traicionada. Ahora bien, aunque la violes mil veces no la menoscabas. Aun cuando tu comportamiento sea indigno, tu dignidad no se desgasta, nunca. Si Hitler es poseedor de dignidad humana a pesar de sus tropelías, Sanchez también. Otra cosa es que haya tenido un comportamiento indigno, pero eso lo debéis decir los periodistas... Recordó Gomá que la indignación creciente procede, paradójicamente, del progreso moral. «Tenemos fundamento para estar orgullosos de nuestra época, así que, ¿por qué si hemos progresado en lo material y lo moral -se preguntó- cunden la tristeza y el hastío?». El filósofo dijo que «con el alto concepto de dignidad que tenemos sentimos más cosas que la atropellan». Otro de los ejemplos que demuestran esa mejora es la diferencia que puede establecerse entre «la violación a una esclava en una casa de la antigua Roma y una violación de hoy. Ya no puedes cometer un acto así sin envilecerte, más allá del reproche penal. Produce asco a tu alrededor y a ti mismo. El asco ha sido un factor de civilización», afirmó. El filósofo propugna un arte de vivir que puede verse como un cóctel: «Una insumisión absoluta, rebelarse ante el fin que la naturaleza nos da, el mismo que a los mosquitos y apoyarnos en la cultura, donde desarrollamos la ternura, la ciencia, la benevolencia, la justicia, el arte. La insumisión permanente haría de nosotros seres invivibles. Si combinamos esa rebeldía con el juego, el humor y la deportividad (porque la vida es un deporte de riesgo, a quien vive le pasan cosas), tenemos un cóctel que ayuda a vivir. Las proporciones las pone uno según su experiencia», concluyó....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Coti y Diego Torres se pelean por «Color esperanza»
[Música]   Thu, 19 Sep 2019 19:03:58 +0200 {(abc)}
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Siempre está feo pelearse, mucho más por una canción, y especialmente si se trata de «Color esperanza», uno de los temas que más se han utilizado con motivos benéficos y solidarios en los últimos años. Hace unos días, el argentino Diego Torres dijo en una entrevista con la Vanguardia que «haber hecho esa canción jamás fue una presión, sino una bendición», algo que sorprendió a su compatriota Coti Sorokin, que siempre ha sido considerado el autor de la canción. Al leer la declaración, Sorokin respondió a través de las redes sociales: «Say no more, @diegotorresmusica. Si vos contás la verdad se acaba esta polémica idiota, que me da mucha pereza y tengo cosas mucho más interesantes que hacer», escribió en Instagram junto a una foto de la entrevista. Al ver la reacción de Coti, Torres también ha respondido defendiendo que añadió unos versos a la composición: «Ante el revuelo generado en el artículo aparecido en el medio español La Vanguardia, quiero dejar en claro que nunca me apropié de forma exclusiva de la autoría de la canción "Color Esperanza". Mi aporte a la letra fue reconocido por ambos autores y así compartimos entre los tres, Cachorro López, Coti y yo, la autoría de la canción». Una consulta a la web de la Sociedad Argentina de Autores y Editores (SADAIC) puede resolver el conflicto: según sus datos los tres comparten autoría, aunque el cobro de derechos es desigual. «Los tres cobramos derechos en proporciones diferentes», explicó Coti, quien tiene el mayor porcentaje y aclaró que es él quien tiene «la potestad de la decisión de si puede formar parte de cualquier campaña, sea del tipo que sea». Por eso, cuando Diego Torres la cantó en el Venezuela Aid Live, promovido por el multimillonario británico Richard Branson para recaudar fondos para ese país, Coti también se molestó, recordándole a Torres a través de las redes que cedió los derechos «para que fuera utilizada en varias ocasiones por distintas ONG, pero que nunca para fines políticos». El tercero en discordia, el productor Cachorro López, ha declarado que «es una lástima que se esté ahora en este tipo de cosas», no sin señalar quién cree que tiene razón. «La verdad te la voy a decir escuetamente. La música la hicimos Coti y yo, y la letra la hizo Coti en un 95 por ciento. En un momento el tema tenía una estrofa menos y cuando agregamos una estrofa Diego metió unas líneas de la letra. Me inclino por decir que Coti tiene razón en lo que dice, pero de ninguna manera el tema hubiera sido lo que fue sino hubiera sido por Diego en la manera en que lo cantó y todo lo que le agregó». En cualquier caso, López asegura que lo mejor sería zanjar la polémica generada alrededor de este hit, que Diego Torres llegó a cantar frente al Papa Juan Pablo II: «Es algo que tendríamos que estar festejando no discutiendo»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Los conflictos de «Don Carlo»
[Música]   Thu, 19 Sep 2019 18:22:55 +0200 {(abc)}
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Valoración Crítica3 «Don Carlo» Teatro Real, Madrid Traspasada la medianoche, y tras cuatro horas de representación, concluía la sesión inaugural de la temporada 19-20 del Teatro Real. Los intérpretes todavía saludaban desde el escenario mientras los Reyes Don Felipe y Doña Letizia permanecían en el palco. A pesar de ello, los espectadores ya abandonaban la sala en tromba, incluyendo a los invitados institucionales y otros rostros conocidos de los que ayer hablaba en su crónica Almudena Martínez-Fornés. El carácter ritual de la sesión inaugural se formalizaba en la parafernalia y no tanto en el protocolo; asunto comprensible en tanto la ópera, entendida desde una perspectiva social, ha perdido ceremonia al tiempo que se dedica a buscar nuevas señas de identidad que la permitan sobrevivir conquistando a otros públicos. Sería sofisticado creer que la carrera de los espectadores era un acto deliberado, por ejemplo, en repuesta a la representación de una obra tan «injuriosa» para el orgullo patrio como el «Don Carlo» de Verdi. Ni por asomo. El debate sobre la ópera, entendida como género, se centra cada vez más en el cacareo y muy poco en las razones ideológicas que puedan contenerse en una obra, aunque su carga crítica sea pólvora entre la imperofilia y la imperofobia. Cuando en el Real se programaba bajo el convencimiento de que el teatro tiene capacidad de intervención docente, una obra que deja aflorar el fanatismo, la crueldad y el despotismo de Felipe II, amén de otros detalles que desmejoran mucho nuestra imagen histórica, habría sido una herejía capaz promover una discusión interesante. Como ahora lo que se defiende es la pasión y el sentir, es decir, la capacidad de conmover, «Don Carlo» pasa por ser una simple ficción ideada por Méry y Du Locle a partir de la famosa obra de Schiller. Y la huida del público solo pueden entenderse como exceso de sueño ante lo avanzado de la noche o desapego ante una propuesta teatral sostenida sobre la acrítica producción escénica, un punto ceremonial y cansina, que David McVicar diseñó para la Ópera de Francfort hará doce años. «Don Carlo» ha llegado al Teatro Real en la versión de Módena, en cinco actos y en italiano, más coherente en el argumento que las demás. Significa que en ella el tiempo va apelmazándose hacia lo oscuro. Poco a poco. Desde el acto de Fontainebleau en el que Elisabetta y Don Carlo revientan de amor hasta que finalmente Carlos V arrastra a su nieto al sepulcro. McVicar lo cuenta sin apenas intervenir en la cuestión, más allá de la sensación que deja la visión de un escenario único cuya amplia, monumental y fría escalera coloca la obra en un lugar de evidente congestión. Es una solución aseada ante una obra cuya multiplicidad de conflictos (padre e hijo, compromisos políticos, encuentro iglesia y estado) requiere mucho valor si es que se está dispuesto a intervenir. Reducida la cuestión a una visión puramente ambiental, McVicar, o en este caso Axel Weidauer como responsable de la reposición madrileña, mueve a los intérpretes sin especiales alegrías, con independencia de que alguno de ellos se manifieste particularmente torpe. Que el famoso auto de fe resulte suntuoso responde a la petrificación de la escena, a la inmovilidad de la gran mayoría de los participantes, a una gran cruz que arde peligrosamente y a la soberana presencia del vestuario de Brigitte Reiffenstuel. El Teatro Real ha organizado catorce representaciones de «Don Carlo», incluyendo tres repartos distintos y cuatro protagonistas, obligado, en este caso, por la ausencia justificada de Francesco Meli por enfermedad. Él mismo y algunos otros participaron en la producción de «Il trovatore» que cerró la temporada anterior, antes de que todavía se escuchará en concierto la también verdiana «Giovanna d'arco». Las circunstancias de este «Don Carlo» obligan, sin embargo, señalar algunos otros matices. Fundamentalmente, porque al frente de la dirección está Nicola Luisotti, cuyo prestigio verdiano se consolida desde una interpretación que fue demasiado obvia, de sonoridad evidente, convencional, inmediata, falta de encanto y de mordacidad, siempre fluctuante en una gama dinámica alta y cuya mejor contraprestación se obtuvo en los momentos de efusión orquestal. Debería considerarse la diferencia entre lo que se escuchó y lo que podría sonar en los próximos días cuando se penetre en un mayor sicologismo, en tanto la función de estreno fue un acto en el que afloraron muchos nervios y varios desajustes que alcanzaron al coro titular. Resistió la presión con mayor autoridad Dmitry Belosselskiy apoyado en una presencia muy notable. Escaso todavía en la escena «Ella giammai m'amo», el encuentro entre Felipe II y el Gran Inquisidor dejó un regusto de cortedad, también porque en Mika Kares vence la altura física a la penetración del carácter. Si alguien sufrió especialmente la presión del día fue el protagonista, Marcelo Puente. Su muy personal color vocal, sostenido en un saludable vibrato, se hizo más patente a partir del duetto del segundo acto, «Io vengo a domandar grazia». Luego apareció la solvencia y la adecuación, hasta llegar en buena posición al encuentro final con Rodrigo. Aquí, Luca Salsi se resintió del esfuerzo y su aria «O Carlo, ascolta» puso de manifiesto inestabilidad vocal, una voz grande y con coraje, pero de línea poco depurada hasta el punto de que «Io morrò» penetró en un «parlato» fingido en exceso. Con coraje, acerada y algo hueca en el grave, Maria Agresta hacía su presentación en el papel de Elisabetta. La escena «Tu che la vanità conosce» fue el punto culminante de su actuación. Cantó luego con mayor incisión en el inmediato duetto con Carlo «Ma lassù ci vedremo», emitiendo sustanciosas medias voces. Aún Ekaterina Semenchuk, acostumbrada al papel de la princesa de Éboli defendido en grandes escenarios, elevó su interpretación desde lo rústico en la «canzone del velo», pasando a la fogosidad en el terceto con Carlos y Rodrigo, y concluyendo con apuntes introspectivos en su aria «O don fatale». Porque desde el grueso acabado del primer acto al brillante arrebato del último, «Don Carlo» ofreció muchas caras. Quizá más desde una perspectiva fisionómica que consolidando una geografía suficientemente tortuosa capaz de convertir la falsedad del relato en una certeza creíble. O de elevar la filosofía del asunto hasta justificar el siempre reconfortante y saludable intercambio de ideas. Música: Giuseppe Verdi. Libreto: J. Méry y C. du Locle, basado en Friedrich Schiller. Dirección musical:Nicola Luisotti. Dirección de escena:David McVicar. Escenógrafo asociado:Robert Jones. Figurinista:Brigitte Reiffenstuel. Iluminador:Joachim Klein. Coreógrafo: Andrew George. Intérpretes:Dmitry Belosselskiy, Marcelo Puente, Luca Salsi, Mika Kares, Fernando Radó, Maria Agresta, Ekaterina Semenchuk, Natalia Labourdette, Moisés Marín, Leonor Bonilla. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. Madrid, Teatro Real, 18-IX...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Diego Urdiales abre este sábado los carteles de la Feria de Logroño
[Toros]   Thu, 19 Sep 2019 17:25:32 +0200 {(abc)}
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Este sábado comienza la Feria de San Mateo de Logroño, que incluye cuatro corridas de toros y una de rejones. Cuenta con actractivas combinaciones, pero se echa en falta una novillada... Estos son los carteles de toros y toreros: Sábado, 21 de septiembre. Toros de Garcigrande y Domingo Hernández para Urdiales, Cayetano y Ginés Marín. Domingo 22. Toros de Hros. de Sánchez y Sánchez para Pablo Hermoso de Mendoza, Lea Vicens y Guillermo Hermoso de Mendoza. Lunes 23. Toros de Núñez del Cuvillo para Antonio Ferrera, José María Manzanares y Paco Ureña, sustituto de Roca Rey. Martes 24. Toros de Victoriano del Río para El Juli, Urdiales y Pablo Aguado. Miércoles 25. Toros de El Parralejo para El Cid (que se despide de esta plaza), Juan Leal y Luis David....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. El ganadero de Murteira Grave sufre una fuerte cornada en el campo
[Toros]   Thu, 19 Sep 2019 17:00:34 +0200 {(abc)}
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El ganadero Joaquín Grave, propietario de la mítica ganadería portuguesa de Murteira Grave, ha sufrido esta mañana una fuerte cornada mientras realizaba labores de campo en su finca de Galeana. Según han informado en los perfiles de las redes sociales de este hierro, la cornada es «fuerte» pero no afecta a vasos importantes. Joaquín Murteira fue trasladado en un helicóptero del Instituto Nacional de Emergencia Médica hasta un hospital luso, donde ha sido intervenido de una herida por asta de toro en el muslo derecho, con orificio de entrada y salida. Según su equipo de comunicación, se encuentra estable y agradece a toda la afición las muestras de ánimo. El pasado domingo, en la corrida concurso de Las Ventas, Murteira lidió un toro, «Violín» de nombre, un ejemplar con mucho trapío al que tuvo que dar muerte Fernando Robleño....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Un cura de Malta, acusado de robar obras de arte sacro por valor de 100.000 euros
[Arte]   Thu, 19 Sep 2019 16:08:14 +0200 {(abc)}
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Deo Debono, un párroco de Malta, ha sido acusado de participar en el robo de obras de arte sacro por valor de alrededor de 100.000 euros, según ha informado el diario local «Times of Malta». Debono ha admitido haberse visto involucrado en el robo registrado en su propia parroquia, en la Iglesia de San Agustín, en La Valeta, la capital del país. Tras este escándalo, se han cancelado las actividades de exterior de la celebración de San Agustín este fin de semana, aunque sí se mantendrá la actividad litúrgica. Al propio Debono le ha sido revocada su posición como párroco hasta que finalicen las investigaciones. La televisión pública de Melilla TVM ha señalado que el robo se produjo a principios de este año y que, entre las piezas sustraídas, se encuentran obras de arte eclesiásticas, como gravados y pinturas. Según «Times of Malta», la policía ha podido recuperar muchas de las pinturas. El archivero Alex Cauchi fue el que se percató de que las pinturas colgadas en la Iglesia eran falsas y no coincidían con el inventario. Además, la policía conectó al cura con el caso cuando aparecieron en una tienda de antigüedades varios de los objetos robados como un quemador de incienso....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. El Louvre formará a refugiados sirios e iraquíes como guías con fondos de una fundación saudí
[Arte]   Thu, 19 Sep 2019 14:14:51 +0200 {(abc)}
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El Museo del Louvre (París) formará a refugiados sirios e iraquíes como guías para aquellos visitantes soliciten un «tour» en árabe, según adelantó el portal de información especializada «The Art Newspaper». Cabe recordar que ya es gratuito para los refugiados y los solicitantes de asilo entrar en el Louvre. De esta manera, el museo nacional de Francia replicará la misma estrategia que varios museos de Berlín (Alemania) implantaron en 2015 bajo el nombre de «Multaka» y que, a su vez, inspiraron a varios museos en Oxford (Reino Unido). Por el momento, el área de arte islámico del Louvre –bajo la dirección de Yannick Lintz– está en conversaciones con la fundación saudí Alwaleed Philanthropies para que le asesore como adaptar el programa «Multaka» a las prioridades del museo y al contexto de Francia. Esta misma asociación (fundada por Al-Waleed bin Talal y la Princesa Ameerah) donó en 2018 al Museo de Arte Islámico de Berlín nueve millones de euros para poner en marcha «Multaka» y apoyar otro tipo de iniciativas. La asociación también ha donado una desconocida cantidad de dinero al Louvre para diferentes objetivos como rediseñar sus galerías dedicadas al arte islámico. Sí se conoce la cantidad que la misma fundación donó al museo nacional en 2005 para la creación de su área de arte islámico: 17 millones de euros. Según declaraciones de Yannick Lintz a «The Art Newspaper», la última colaboración entre ambas instituciones se remonta a principios del 2017 cuando la capital francesa estaba todavía recuperándose de los ataques terroristas de 2015, reivindicados por el Estado Islámico....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. ¿Qué fue de Leonardo Dantés?
[Música]   Thu, 19 Sep 2019 13:26:33 +0200 {(abc)}
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Hace unos veinte años, la noche madrileña más auténtica pasaba por el bar del Beni, un pequeñísimo antro de la calle de la Bola donde se mezclaban travestis, rockeros, borrachos de manual y otros especímenes de la nocturnidad capitalina, en un freak-show castizo que hubiera dado para un peliculón. Por aquel lugar (se llamaba Bar Gran Vía, pero todos lo conocíamos por el nombre de su inefable dueño) pasaban mucho también Paco Porras y Leonardo Dantés, por entonces estrellas televisivas gracias a sus esperpénticas apariciones en «Crónicas Marcianas». Solían echarse unas risas con el resto de parroquianos (algunos tenían un poco de mala baba con ellos), pero siempre había un momento en el que Dantés se ponía serio y empezaba a contar historias increíbles acerca de sus logros en el mundo de la música. Que, contra todo pronóstico, resultaban ser ciertos y realmente espectaculares. Nacido en San Vicente de Alcántara (Badajoz) en abril de 1953, Leonardo Antonio Ramírez Rodríguez escribió algunos de los temas más conocidos de Los Chunguitos, como «Carmen», «Por la calle abajo» o «Vagando por ahí», y también compuso para Manolo Escobar, Rosa Morena, Los Chavis, Los Marismeños, María Jiménez, Lola Flores, Sara Montiel, Raffaella Carrà, y artistas como El Arrebato. han hecho versiones de sus temas. En 1979 también hizo historia al publicar una de las primeras canciones pop de temática abiertamente gay, «Enamorado de Javier», y hasta el día de hoy acumula más de 130 temas grabados, incluyendo el tributo al nudismo con el que reapareció a principios de este año, un tema acompañado de un videoclip en el que salía completamente desnudo, y que se sumó a su historial de freak-hits, junto a «El baile del pañuelo» y «Tiene nombres mil». Su lado más excéntrico (incluso escribió la música del filme pornográfico «Poli: El potro se desboca», protagonizada por Poli Díaz y Nacho Vidal) llegó después de convertirse en un fenómeno televisivo, pero antes había sido un todo un referente de la canción española. Por eso, el Teatro López de Ayala de Badajoz celebra este jueves 19 un concierto con motivo del cincuenta aniversario de la carrera musical (1969/2019) de este inimitable compositor y cantante extremeño. El concierto, organizado por la Asociación Cultural Badajoz Contigo, contará con integrantes de la escuela de baile Rosa María Reguera, y los grupos Amigos del Flamenco, Los Soles de Mikeo, Raíces Flamencas y Voces al Alba. «Desde muy niño, Leonardo se sintió atraído por el mundo del arte, soñó con ser Leonardo Dantés: compositor, cantautor, showman, actor, poeta, rapsoda...», dice la presentación del Teatro López de Ayala. «Ahora, bohemio y soñador, ignora si es Leonardo Dantés, el que soñó con ser de nuevo aquel chico tímido, sencillo, romántico, compasivo, generoso, solidario, soñador de sueños, que un día soñaba en un cine de verano con ser el pescador de coplas»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Paloma Velarde, pintora del cartel del Pilar: «No hay arte con más verdad que el toreo»
[Toros]   Thu, 19 Sep 2019 11:57:09 +0200 {(abc)}
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La belleza y el clasicismo se enseñorean en Zaragoza en un cartel de toros de manos de una mujer, Paloma Velarde . La historiadora que cambió las aulas por los pinceles ha debutado en la Feria del Pilar con una pintura del gusto de la afición. Un brindis de torería y fe, aunque su obra va más allá de los ruedos. -Su pintura de la Feria del Pilar ha caído muy bien entre la afición. ¿Qué significa para usted ilustrar el cartel de la última gran feria de la temporada? -Significa, sin duda, ver cumplido uno de mis sueños, el «universalizar», por decirlo de algún modo, mi pintura. Unos pocos me ven pintar en casa; algunos más, en una exposición; pero estar en el cartel de los festejos mayores de un puerto de primera como es la Feria del Pilar ya es otra historia. El mundo taurino e incluso el no taurino puede ver mi obra. Para mí es un honor y un privilegio. -¿En qué se ha inspirado? -Bueno, yo quería reunir los indiscutibles símbolos de Zaragoza, como son la Basílica y la Virgen del Pilar, con el toreo mismo. Creo son con los que cualquier zaragozano se identifica plenamente. Pero, al final, es un cartel de toros, y de ahí el poner en primer término, destacado por la luz, a un torero, un torero cualquiera, brindando a la afición de Zaragoza. -En su obra van de la mano el toreo y la fe. Van Gogh decía que cuando sentía necesidad de religión, salía de noche para pintar las estrellas. ¿A qué hora se le aparecen a usted las musas? ¿El toreo es una religión? -Empezando por la última pregunta, para mí el toreo es una inagotable fuente de inspiración. La religión nos acerca a lo divino; el toreo me acerca a la creación. Sí es cierto que, en ocasiones, pintando me siento como en el cielo. Respecto de las musas, como las mías son toreras, igual las encuentro cualquier tarde de toros, en el tendido; ojeando un libro de una buena fotografía taurina, o viendo al toro en el campo. Ahora, para que cunda el tiempo, no hay nada como pintar por la noche. Esas son, sin duda, las horas de mayor rendimiento. -¿Qué le llevó a dejar las aulas para dedicarse a los pinceles? -No es sólo una causa, sino muchas; pero lo cierto es que no soy persona de bandazos, y esta decisión la he tomado en firme, con todas sus consecuencias. Ahora disfruto plenamente con lo que hago, y espero conseguir hacer disfrutar a los demás con mi obra. «"El Aquelarre" de Goya es la alegoría más perfecta al dramático momento presente de España» -Como historiadora, ¿qué le atrae del mundo del toro? -La realidad es que fui historiadora porque amaba la Historia de España, y quería adentrarme en una de sus épocas más espléndidas, como fue la Edad Moderna, para descubrir de primera mano, por los magníficos archivos que tanto atesoran, que su grandeza era aún mayor. Me encontré con personajes prácticamente desconocidos, que darían para hacer varias películas, pues sus vidas fueron auténticas epopeyas. Por eso mismo me fascina el mundo del toro. Los toreros no son gente corriente. En este mundo hedonista y de vida regalada, es un auténtico milagro que surjan chavales dispuestos a morir, por crear arte. Y es que el toreo es un milagro en estos tiempos. -¿Su escuela en la pintura? -Pues ninguna. No estudié Bellas Artes, y cogí un pincel por primera vez en otoño de 2017. Esa es la verdad. El dibujo lo había practicado siempre, toda mi vida; tuve un tío abuelo materno, Ángel Pita de la Vega, que estudió Bellas Artes y dibujaba maravillosamente, y al que no pude conocer porque lo mataron en 1937, muy joven, en la cárcel de Porlier, en Madrid. Tal vez la vena me venga de él. Pero el óleo ha sido todo un descubrimiento para mí, y ese es mi pequeño homenaje a mi tío artista. «El toreo tiene tal fuerza que son muchos más los que están de su parte que los enemigos» -Si tuviese que definir con un cuadro la situación política actual, ¿cuál elegiría? -«El Aquelarre» de Goya. Me parece la alegoría más perfecta al dramático momento presente de España. La transmutación de los personajes del cuadro a estos tiempos la dejo a libre interpretación. Yo la tengo muy clara. -En tiempos de animalismo feroz y en los que el toreo está mal visto por muchos, ¿le compensa adentrarse en este planeta? -No se trata de si compensa o no. Es una cuestión de principios. La Fiesta ha de defenderse, sin complejos, por todos los que la amamos, aportando cada cual lo que pueda. Unos lo hacen en el ruedo; otros, criando al animal más hermoso del mundo; otros, llenando las plazas; otros, gestionando ferias; y otros, escribiendo sobre lo que ven; y así cada cual. Yo lo hago pintando. El toreo tiene tal fuerza que son muchos más los que están de su parte que los enemigos. Lo que no podemos es callarnos ni encogernos. ¿Que se me cierran por ello unas puertas? Pues sí, ya se me han cerrado varias; pero otras se me han abierto. Yo no voy a cambiar mi rumbo. «El que no sienta un escalofrío al asomarse por un vomitorio de Las Ventas no tiene sangre en las venas» -¿Existe algún museo con más arte que una plaza de toros en plena faena? -Pues eso depende. Depende del museo y de la faena y la plaza que sean. No sé si con más arte; pero con más verdad, ninguno. Ahora, desde luego, el que no sienta un escalofrío al asomarse por un vomitorio de Las Ventas, en un día de sol, con los tendidos abarrotados, a ese ruedo luminoso, bajo ese cielo azul, aún sin haber faena alguna en él, es que no tiene sangre en las venas. Eso sólo es una maravilla visual. Si luego vemos el Toreo, con mayúscula, entonces ya es la misma Gloria. -Según su visión, ¿todo lo que se ve en el ruedo es arte? -No, a veces ni siquiera es agradable. A veces es duro, a veces es feo. Hay arte cuando lo que se le hace al toro, se hace bien, con amor por lo bien hecho. Puede haber arte en un puyazo, en un quite, en un par de banderillas, en un brindis, en un paseíllo, en una vuelta al ruedo, y por supuesto, en una faena de muleta o una estocada. Pero hacer arte no es tan fácil. -Tal y como se observa en su página web, usted es una gran retratista. ¿Hay mejor biografía que un buen retrato? -Más que biografía, yo diría que un buen retrato desnuda el alma del retratado. Y los toreros viven momentos tan intensos, que eso se refleja en su rostro, en su mirada, en sus rictus. Plasmar eso es como un reto para mí. «¿Un cartel soñado? Joselito el Gallo, Enrique Ponce y Emilio de Justo, con toros de Samuel Flores, Victorino y Fuente Ymbro» -¿Por la fisonomía se puede vislumbrar el concepto de un torero? -Pues, en parte, sí. Hay toreros con gesto crispado que realizan el toreo crispado, y toreros de semblante tranquilo que suelen torear despacio, sin descomponerse. Toreros risueños que tienen un toreo alegre y atrevido; y toreros serios, un punto taciturnos, de toreo sin alharacas, más profundo. -¿Se puede pintar la bravura? -Sí, es un concepto abstracto; pero creo que pintar el señorío de un toro en el campo destila bravura; y pintar una embestida humillada y entregada, también. Incluso la mirada de un toro te habla de la casta brava que lleve. -Su cartel o feria soñados para pintar... -No sé si para pintar; pero para verlo, si se pudiera, en este momento, lo tengo muy claro: Joselito el Gallo, Enrique Ponce y Emilio de Justo, con toros de Samuel Flores, Victorino y Fuente Ymbro. Pintaría un quite de Gallito, un doblón de Ponce y una estocada de Emilio de Justo. Soñar es gratis....



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