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Cultura
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Fri, 15 Nov 2019 11:33:45 +0100

Pulsar para mostrar/ocultar texto. Todos los premiados de los Grammy Latino 2019
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 11:27:30 +0100 {(abc)}
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Los ganadores de la 20 edición de los Grammy Latinos, que se celebró este jueves en Las Vegas (EE.UU.), fueron los siguientes: - Álbum del año: Rosalía - «El mal querer». - Grabación del año: Alejandro Sanz y Camilla Cabello - «Mi persona favorita» - Canción del año: Pedro Capó - «Calma». - Mejor nuevo artista: Nella. - Mejor canción urbana: Rosalía y J Balvin - «Con altura». Discos - Mejor álbum de música ranchera/mariachi: Christian Nodal - «Ahora». - Mejor álbum de música urbana: Bad Bunny - «X 100PRE». - Mejor álbum contemporáneo/fusión tropical: Juan Luis Guerra - «Literal». - Mejor álbum cristiano (en español): Juan Delgado - «Todo pasa». - Mejor álbum de música latina para niños: The Lucky Band - «Buenos Diaz». - Mejor álbum de música clásica: Samuel Torres & La Nueva Filarmonía - «Regreso». - Mejor álbum de pop-rock: Andrés Calamaro - «Cargar la suerte». - Mejor álbum de rock: Draco Rosa - «Monte sagrado». - Mejor álbum de música alternativa: Mon Laferte - «Norma». - Mejor álbum de salsa: Tony Succar - «Más de mí». - Mejor álbum de cumbia/vallenato: Puerto Candelaria & Juancho Valencia - »Yo me llamo cumbia». - Mejor álbum tropical tradicional: Andrés Cepeda - «Andrés Cepeda Big Band (En Vivo)». - Mejor álbum vocal pop contemporáneo: Rosalía - «El mal querer». - Mejor álbum vocal pop tradicional: Fonseca - «Agustín». - Mejor álbum cantautor: Kany García - «Contra el viento». - Mejor álbum instrumental: Gustavo Casenave - «Balance». - Mejor álbum folclórico: Luis Enrique + C4 Trío - «Tiempo al tiempo». - Mejor álbum de tango: Quinteto Astor Piazzolla - «Revolucionario». - Mejor álbum de jazz latino/jazz: Chucho Valdés - «Jazz Batá 2». - Mejor álbum de música banda: Banda Los Sebastianes - «A través del vaso». - Mejor álbum de música tejana: Elida Reyna y Avante - «Colores». - Mejor álbum de música norteña: Intocable - «Percepción». - Mejor álbum cristiano (en portugués): Delino Marçal - «Guarda Meu Coração». - Mejor álbum pop contemporáneo en lengua portuguesa: Anavitoria - «O Tempo É Agora». - Mejor álbum de rock o música alternativa en lengua portuguesa: BaianaSystem - «O Futuro Não Demora». - Mejor álbum de samba/pagode: Mart'nália - «Mart'nália Canta Vinicius De Moraes». - Mejor álbum de música popular brasileña: Gilberto Gil - «Ok Ok Ok». - Mejor álbum de música sertaneja - Marilia Mendonça - «Em Todos Os Cantos». - Mejor álbum de música de raíces en lengua portuguesa: Hermeto Pascoal - «Hermeto Pascoal E Sua Visão Original Do Forró». Canciones - Mejor canción de rock: Andrés Calamaro - «Verdades afiladas». - Mejor canción alternativa: Los Amigos Invisibles - «Tócamela». - Mejor canción tropical: Juan Luis Guerra - «Kitipún». - Mejor canción pop: Alejandro Sanz y Camila Cabello - «Mi persona favorita». - Mejor fusión/interpretación urbana: Pedro Capó & Farruko - «Calma» (Remix). - Mejor canción regional mexicana: Christian Nodal - «No te contaron mal». - Mejor canción en lengua portuguesa: Tiaco Iorc - «Desconstrução». - Mejor ingeniería de grabación para un álbum: El Guincho, Brian Hernández, Jaycen Joshua y Chris Athens («El mal querer» - Rosalía). Varios - Productor del año: Tony Succar. - Mejor vídeo musical versión corta: Kany García y Residente - «Banana papaya». - Mejor vídeo musical versión larga: Alejandro Sanz - «Lo que fui es lo que soy». - Mejor arreglo: Rodner Padilla - «Sirena» (Luis Enrique + C4 Trío). - Mejor diseño de empaque: Man Mourentan & Tamara Pérez («El mal querer» de Rosalía)....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Rihanna deja la música «para encontrar el equlibrio»
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 11:21:25 +0100 {(abc)}
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La cantante Rihanna ha sorprendido a propios y extraños con un mensaje en su cuenta de Instagram en el que anuncia que se despide de la música. «A todos mis amigos/familia/equipo a los que tenía que haber contestado en los últimos meses... por favor, perdonadme. Este año ha sido demasiado intenso y ahora estoy trabajando en eso que se conoce como equilibrio. BRB» La artista de Barbados, que además de publicar discos e ir de gira por todo el mundo tiene negocios en cosmética, moda y lencería y acaba de publicar un libro, dijo en una reciente entrevista que necesitaba tiempo para sí misma. «Ha sido en el último par de años cuando me he dado cuenta de se necesita sacar tiempo para uno mismo porque la salud mental depende de ello. No quiero sentir que estoy haciendo algo rutinario. Mi carrera es mi propósito y no me gustaría sentir que es un lugar en el que no soy feliz". Ver esta publicación en Instagram to all my friends/family/coworkers who I have yet to get back to in the past months...please forgive me. this year has been quite an overwhelming one, and I’m working on that ish called Balance. brb. Una publicación compartida de badgalriri (@badgalriri) el 13 Nov, 2019 a las 12:32 PST...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. La izquierda y el nacionalismo copan los premios del ministerio de Cultura
[Cultura]   Fri, 15 Nov 2019 11:17:30 +0100 {(abc)}
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El ministerio de Cultura ha estado este año especialmente sembrado ideológicamente en la selección de sus galardonados, algunos tan controvertidos como bien dotados. Al final, no es problema del ganador en sí sino del jurado que elige el ganador y de las personas que eligen al jurado que, durante esta temporada, han tenido un claro sesgo anti-liberal y anti-conservador. La polémica más sonada vino de la lengua de Cristina Morales, nueva premio Nacional de Narrativa, que tras la obtención del reconocimiento declaró en un alarde de inesperada honestidad incendiaria que: «Es una alegría ver el centro de Barcelona, las vías comerciales tomadas por la explotación turísticas y capitalista, de las que estamos desposeídas quienes vivimos ahí. Es una alegría que haya fuego en vez de tiendas y cafeterías abiertas». El premio Nacional de Poesía, por su parte, ha recaído en Pilar Pallarés, que entiende que es nacionalista gallega y que defiende el uso del callego como «una defensa de clase», tal cual declaró, por ejemplo a «La Razón», dice que no lo es «por identidad, soy nacionalista por clase social, defiendo una conciencia de clase social que traslado a la situación del país y del idioma». Con todo lo que está ocurriendo en Cataluña, el premio Nacional de Ensayo fue para Xosé Manoel Nuñez Seixas, catedrático de Historia Contemporánea de la Universidad de Santiago de Compostela, y que en su libro «Suspiros de España. El nacionalismo español 1808-2018» hace un repaso de las diversas causas del españolismo actual. Como decía Jesús Lillo, «la foto fija de España que sale de los premios Nacionales que concede el Ministerio de Cultura es la de una nación que vive en la gala de los premios Goya de 2003». Sigamos en esta guerra cultural. El 30 de septiembre se llevó el premio Nacional de Teatro 2019 Andrés Lima, fundador de la compañía «Animalario», por lo que se llevó los 30.000 euros de la dotación. El jurado destacó «su compromiso social y activismo cultural que le llevan a promover proyectos de creación colectiva que estimulan el diálogo entre los artistas y la sociedad». Recordemos que la polémica y excluyente gala de los Goya que mencionábamos anteriormente fue obra de... «Animalario». El premio Nacional de Cómic fue para una obra de denuncia sobre el metro de Valencia, de Cristina Durán Costell, Miguel Ángel Giner Bou y Laura Ballester Beneyto. Y de Literatura Dramática, un talentoso líder de la comunidad LGTBI. Y el Nacional de las Letras, para Bernardo Atxaga, popular escritor vasco criticado incluso Fernando Aramburu por su mirar para otro lado en el caso de los tiempos etarras que le tocó vivir. ¿Y el último? Ayer se falló el premio Cervantes, nuestro Nobel de Literatura para las letras españolas e hispanoamericanas, y que recayó en Joan Margarit, poeta de premiada altura pero que no se caracteriza por hablar fenomenal del país que le ha premiado con 125.000 euros. «España me da miedo desde los Reyes Católicos», «No le voy a devolver el español a Franco, que me lo metió a patadas» y su defensa de la independencia de Cataluña: «La necesidad de supervivencia y progreso espiritual hace que se deba renunciar a la unión que hace siglos se estableció entre ambas partes». El caso que más que el progreso espiritual, lo que sí se premia es al progre espiritual. O al progre a secas, en claro detrimento de otras sensibilidades....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. José Luis Perales anuncia su retirada
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 10:55:23 +0100 {(abc)}
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José Luis Perales acaba de anunciar su gira de despedida, junto a la publicación de «Mirándote a los ojos» el próximo viernes 22 de noviembre, un compendio de 3 discos y 35 canciones regrabadas bajo la producción de Pablo Perales. La gira «Baladas para una despedida» arranca en nuestro país el próximo mes de mayo y recorrerá toda la geografía española y América para presentar «Mirándote a los ojos» que consta de tres discos, cada uno con su propia denominación: «Recuerdos» reúne quince de entre sus mayores éxitos; «Retratos» incluye diez temas escritos para otros o versionados por otros artistas y «Melodía perdidas« » suma diez canciones especialmente queridas y especiales para su autor. Se completa la entrega con una película documental, «Algo nuevo que contarte». ¿Qué se puede añadir a estas alturas de la grandeza artística de José Luis Perales, de sus millones de discos vendidos en el mundo durante cinco décadas, con más de cien discos de oro y de platino hasta la fecha? Más allá de los premios, las innumerables versiones habidas y por haber en idiomas diversos: inglés, francés alemán, italiano, ruso, griego, chino, japonés, árabe... Perales sienta cátedra de su pureza, del arte de la sencillez. Quienes lo descubrieron y amaron en su día, lo amarán aún más... Y dichosos vosotros los que vais a conocer por fin la revelación de un autor, un artista universal. PRIMERAS FECHAS CONFIRMADAS 2020 'BALADAS PARA UNA DESPEDIDA' MAYO 02. ROQUETAS DE MAR - Teatro Auditorio Roquetas de Mar 09. BARCELONA - Auditorio Forum 16. SEVILLA - Cartuja Center CITE 20. BILBAO - Palacio Euskalduna 22. ZARAGOZA - Auditorio, Sala Mozart 29. GIJÓN - Teatro de la Laboral JUNIO 06. A CORUÑA - Palacio de la Ópera 12. DONOSTIA - Auditorio Kursaal 14. VALLADOLID - Centro Cultural Miguel Delibes AGOSTO 05. MARBELLA - Starlite Festival 07. JEREZ - Tio Pepe Festival SEPTIEMBRE 11. CÓRDOBA 18. GRANADA - Palacio de Congresos 26. PAMPLONA - Auditorio Baluarte DICIEMBRE 17. MADRID - WiZink Center...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Fin de semana entre «amigos»
[Teatros]   Fri, 15 Nov 2019 10:47:39 +0100 {(abc)}
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Valoración Crítica2 «Me gusta como eres» Teatro Lara, Madrid Un teléfono móvil mal apagado y una conversación registrada por un indiscreto contestador automático desencadenan el conflicto de esta comedia de mejores intenciones que resultados. El asunto promete: Una pareja que ha decidido refugiarse en el campo recibe la visita de otra pareja amiga. En el camino, y sin pretenderlo, esta segunda pareja dice sin censuras lo que piensa de la primera: nada bueno. Aquélla escucha lo que sus «amigos» piensan de ellos en realidad y planean la venganza para el fin de semana campestre. L No cabe duda de que la situación es potencialmente cómica. El público y una de las parejas conoce lo que otra de ellas no sabe y eso produce situaciones divertidas -el público no para de reírse a lo largo de la función-. La hipocresía, la falsedad, la amistad falsa, las apariencias; tópicos como la felicidad del mundo rural o las ventajas e inconvenientes de las nuevas tecnologías laten en un texto que arranca con fuerza pero se va después diluyendo conforme pasan los minutos. Gabriel Olivares hace avanzar la comedia con buen ritmo aunque con cierta rutina y con alguna extraña decisión en su puesta en escena. Lo mejor, sin duda, son los actores; los cuatro -Miren Ibarguren, Pepa Rus, Oscar de la Fuente y Juanan Lumbreras- hacen un trabajo ímprobo y lleno de matices para que sus personajes tengan carne y hueso y no sean, como alguna vez lo parece, cartón piedra. Dramaturgia: Carol Greep. Adaptación: Jordi Galcerán. Dirección: Gabriel Olivares. Escenografía: Anna Tusell. Iluminación: Daniel Navarro. Vídeo: Bruno Praena. Asesor de movimiento: Andrés Acevedo. Intérpretes: Miren Ibarguren, Pepa Rus, Oscar de la Fuente y Juanan Lumbreras. Teatro Lara, Madrid...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Mon Laferte se desnuda en los Grammy Latinos para pedir justicia y reivindicar la lucha de los jóvenes en Chile
[Cultura]   Fri, 15 Nov 2019 08:35:03 +0100 {(abc)}
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Mon Laferte ganó hoy un Latin Grammy en Las Vegas (EE.UU.) y aprovechó su discurso para pedir justicia para Chile y reivindicar la lucha de los jóvenes en este país, que vive multitudinarias manifestaciones las últimas semanas en contra del modelo neoliberal y la desigualdad. «Esto es para Chile», dijo la cantante chilena en la pregala de los Latin Grammy al anotarse el galardón al mejor álbum de música alternativa por «Norma». «Y quiero leer una décima que me pidió una compañera cantora chilena que es La Chinganera a raíz de lo que está pasando en mi país que es Chile», añadió. «Chile, me dueles por dentro, me sangras por cada vena, me pesa cada cadena, que te aprisiona hasta el centro. Chile afuera, Chile adentro. Chile al son de la injusticia, la bota de la milicia, la bala del que no escucha. No detendrán nuestra lucha, hasta que se haga justicia», recitó. Asimismo, su compatriota Cami actuó hoy en directo interpretando su canción «La despedida» y, antes de iniciarla, la dedicó también a Chile. «Creo mucho en mi generación, creo muchísimo en mi bandera, creo mucho en la gente y el pueblo chileno», dijo Cami en una entrevista con Efe el martes acerca de las manifestaciones en Chile. «Cuando las raíces están tan podridas, siguen metiéndole tierra e intentando taparla y decorarlo bonito. Pero la raíz está podrida, huele mal: ya no tiene más de dónde alimentarse. Hay que sacarla y, cuando nos damos cuenta de lo putrefacto que estaba todo, es catastrófico. Crea un impacto social muy denso (...). A partir de lo que estamos viviendo va a salir una oportunidad gigante», aseguró. Mon Laferte obtuvo hoy su distinción en la pregala de los Latin Grammy, una ceremonia no televisada y en donde se entregan cada año la gran mayoría de los galardones de los premios de la Academia Latina de la Grabación. Esta pregala tiene lugar en Las Vegas (EE.UU.) justo antes de la gran ceremonia de los Latin Grammy, en la que se reparten solo unos premios, pero que son los más mediáticos, y que sí es televisada y cuenta además con las actuaciones de grandes estrellas....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Rosalía arrasa en los Grammy Latinos
[Cultura]   Fri, 15 Nov 2019 06:10:06 +0100 {(abc)}
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Tal como se esperaba, Rosalía ha vuelto a triunfar en una entrega de premios. Esta vez ha arrasado en la gala de los Latin Grammy celebrada este jueves, donde ha conseguido nada menos que tres premios, incluido el gran reconocimiento de Álbum del año por «El mal querer», en una noche que certificó, por si había alguna duda, que la española es actualmente una de las estrellas más importantes del panorama no solo latino sino mundial. Rosalía se llevó hoy tres gramófonos dorados con su nombre: Álbum del año y Mejor álbum vocal pop contemporáneo por «El mal querer», y Mejor canción urbana por «Con altura» (junto a J Balvin). Además, «El mal querer» obtuvo otros dos premios no directamente relacionados con Rosalía: Mejor diseño de empaque (Man Mourentan y Tamara Pérez) y Mejor ingeniería de grabación para un álbum (El Guincho, Brian Hernández, Jaycen Joshua y Chris Athens). En total, la obra de Rosalía, una artista que mima cada aspecto de su propuesta desde lo musical a lo audiovisual, se coronó con cinco gramófonos dorados. «Estoy en shock, es lo último que me esperaba, os lo juro por Dios», exclamó una muy emocionada Rosalía. «Muchas gracias a la gente que apoya mi música. Estoy trabajando muy duro para estar a la altura de vuestro apoyo», añadió. La cantante también mostró su felicidad en su perfil de Twitter, donde por cierto no ha dado réplica a la respuesta que le dio VOX por su polémico tuit de «Fuck VOX». 3 !!!!!!!!!!! 😭😭😭😭😭😭 GRACIAS A LA MÚSICA POR TANTAS BENDICIONES❤️❤️❤️❤️ @latingrammys pic.twitter.com/5oG9wvXJKv— R O S A L Í A (@rosaliavt) November 15, 2019 Otros premiados También con tres premios se situó su compatriota Alejandro Sanz, que se anotó los Latin Grammy a Grabación del año y Mejor canción pop por «Mi persona favorita» (con Camila Cabello), y también el de Mejor vídeo musical versión larga por «Lo que fui es lo que soy». «Quiero dedicar este Latin Grammy a todo el público que va a mis conciertos (...). Son ellos los que les dan sentido a esta cosa que es la música», aseguró. El palmarés de estos repartidos Latin Grammy dejó, asimismo, otros vencedores importantes como Juan Luis Guerra, Tony Succar, Pedro Capó, Kany García y Andrés Calamaro, todos ellos con dos Latin Grammy por cabeza. «A nuestros hijos, porque al final del día sabemos todos los colegas que el sacrificio duro lo sufren ellos», afirmó Capó al recibir el premio a Canción del año por la optimista «Calma». Los artistas españoles que estaban nominados en alguna categoría, pero que vuelven de vacío de Las Vegas son Taburete, Leiva, Aitana y C. Tangana (estaba nominado en mejor canción pop junto a Rosalía, por «Pienso en tu mirá») Los Latin Grammy, que festejaban su vigésimo aniversario, llegaron precedidos por la polémica de la exclusión de la categoría de flamenco este año, y por las críticas de artistas urbanos por la escasa presencia del reguetón y el trap entre sus nominados. De ahí que Bad Bunny, que consiguió el premio al Álbum de música urbana por «X 100PRE», aprovechara la ocasión para reivindicar el terremoto mundial que ha provocado este género. «A todos los músicos, a toda la gente que pertenece a la Academia, con respeto: el reguetón es parte de la cultura latina y está representando, al igual que otros muchos géneros musicales, a los latinos», afirmó. Los Latin Grammy comenzaron hoy con un enérgico tributo al legado de la música latina y artistas como Olga Tañón, Anitta, Reik, Calibre 50 o Prince Royce se unieron sobre el escenario para entonar himnos como «La vida es un carnaval» de Celia Cruz o «De música ligera» de Soda Stereo. Alejandro Sanz combinó su veteranía con la juventud de Aitana, Nella y Greeicy, todas ellas nominadas al Latin Grammy al Mejor nuevo artista, para cantar una emotiva «Mi persona favorita». Y Rosalía combinó dos partes muy diferentes: el minimalismo y la dureza de «A palé», y el arrollador sabor urbano de «Con altura». El buen rollo tomó después el escenario del MGM Grand Garden Arena de la ciudad del juego con Pedro Capó, Alicia Keys, Farruko y Miguel cantando la exitosa «Calma». Uno de los momentazos de la velada fue el homenaje a Juanes, que el día anterior había recibido el premio Persona del Año. Hoy interpretó varios de sus temas más conocidos como «A Dios le pido», pero la sorpresa llegó para el colombiano cuando Lars Ulrich, el batería de Metallica, apareció en la gala para entregarle el galardón honorífico. «Una de las razones por las que hago música son ustedes, me cambiaron la vida, gracias», le dijo a Ulrich un conmovido Juanes. Con ganas de mirar tanto a los nuevos talentos como de inclinarse ante las leyendas de la música, los Latin Grammy rindieron homenaje a los fallecidos Camilo Sesto y José José. Pero tal vez el instante más emocionante fue ver el regreso a los escenarios de Vicente Fernández, el mito mexicano que hoy estuvo acompañado por su hijo Alejandro y su nieto Alex. «Saben que en estos eventos tenemos el tiempo bien medido, me quedaron como 50 canciones», bromeó cuando el público le pidió otro tema. Y si las nominaciones quizá no reflejaron fielmente todo el eco que ha logrado el género urbano, la gala de los Latin Grammy no pudo negarlo de ninguna manera: Ricky Martin estrenó junto a Bad Bunny y Residente su tema «Cántalo», y Ozuna y Bad Bunny, por su parte, también ofrecieron dos del las actuaciones más espectaculares de la noche....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Cuentas pendientes
[Teatros]   Fri, 15 Nov 2019 01:43:46 +0100 {(abc)}
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Valoración Crítica3 «Las bárbaras» Teatro Valle Inclán (Sala Francisco Nieva), Madrid Lucía Carballal ha escrito una comedia que quiere ser un homenaje a las mujeres de la Transición. Esas mujeres que se descolgaron de la moral vetusta de sus madres y fueron a respirar los aires liberadores que todavía venían de la playa oculta bajo los adoquines del 68. Carballal intenta hacer de la obra un espejo donde se reflejen unas aventuras biográficas sabiendo que, toda vida, mirada de cerca, esconde un puñado de ángeles y una legión de demonios. Todo ocurre en un hotel, en el bar de un hotel de diseño perfectamente setentero, llamado irónicamente Juventud. Allí, para cada una de las protagonistas, se demuestra que todo lo vivido no ha pasado en balde, que la vejez tiene un precio. No es muy convincente el planteamiento inicial, la reunión de tres amigas para cumplir el deseo de Bárbara, sobrina de una de ellas y muerta prematuramente, que desea someterlas a un examen de conciencia en torno a su posición sobre el papel de la mujer y el feminismo en esos años. Es, sin embargo, en la historia de las rencillas, las cuentas pendientes, las ambiciones o las renuncias que estas tres mujeres arrastran, se reprochan y sufren donde «Las bárbaras» alcanza su más interesante conflicto, su altura dramáticamente más lograda. Visto de esta manera, el deseo de Bárbara es más potente: se trata de crear una catarsis, de descender a los infiernos biográficos para poder lograr un poco de luz, un poco de paz. Esto es lo que sucede con el duelo entre Susi y Carmen, con su historia de reproches e incomprensiones, y lo que sucede con otro de los grandes temas aquí planteados: cómo vivir la vejez, cómo aceptarla y cómo reinventar en ella otra vez un proyecto de vida, aunque este consista en leerle cada noche los cuentos a los nietos, como hace Encarna. Con un sentido del humor que rebaja cualquier asomo de dramatismo o tragedia, con una crítica muy matizada, Carballal nos lanza esta comedia donde la ligereza está por encima de la profundidad, donde se prioriza la búsqueda por agradar al espectador. Mención especial merecen las interpretaciones de Amparo Fernández, Mona Martínez y Ana Wagener, que hacen de Encarna, Carmen y Susi tres personajes verdaderos, incluso salvando algunos estereotipos. Imposible perderse después de escucharla aquí, la voz, la enorme altura musical de María Rodés, un nombre de nuestra canción absolutamente definitivo. Carballal rescata del olvido de nuestra historia reciente a estas mujeres y crea una reflexión sobre la amistad, sobre el paso del tiempo, sobre las decisiones vitales y los callejones de la vejez. Texto: Lucía Carballal. Dirección: Carol López. Escenografía: José Novoa. Iluminación: Pedro Yagüe. Intérpretes: Amparo Fernández, Mona Martínez , Ana Wagener y María Rodés (cantante y música). Sala Francisco Nieva. Teatro Valle- Inclán....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. «El libro de los adioses»: El paisaje de un escritor
[Abc Cultural]   Fri, 15 Nov 2019 01:42:24 +0100 {(abc)}
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El último libro de Ramón Pernas (Viveiro, Lugo. 1952) semeja una suerte de despedida de una pasión, la literaria, por boca de un autor español que ha conseguido los mayores triunfos de su arte y que hace recuento de su vida, como contraposición desengañada al género de «la novela de iniciación de un escritor», cuyo canónico ejemplo en el siglo XX está representado en «Retrato del artista adolescente», de James Joyce. El tono del libro puede resumirse en estas dos citas: «Un par de noches antes de morir, cuando mi pobre padre estaba en coma, apreté sus manos entre las mías y, con voz importada de locutor de Radio Madrid, le recité despaciosamente los nombres de los once jugadores titulares del Atleti y vi como esbozaba una sonrisa» o «Mi austeridad en los afectos se hizo evidente con las mujeres, todas menos una... Mi cariño hacia los demás ha sido siempre una elaboración literaria alejada de compromisos», lo que nos recuerda de nuevo, aunque en clave irónica la ausencia y remordimientos de Stephen Dedalus en la muerte de la madre. Introspección en el alma A partir de aquí Ramón Pernas realiza su particular visión de un escritor particular que es, a la vez, introspección en el alma, generosa y miserable, del artista y, por otro lado, una descripción del ambiente literario de una época de nuestro país, sobre todo de la ciudad de Madrid, en las décadas de los setenta y ochenta hasta llegar a nuestros días. También de las lecturas de obras y nombres de autores que han sido determinantes en la conformación del escritor y que pueblan las páginas de la novela. Decía Harry Levin que la culminación de la tradición realista en la novela derivaba de la autobiografía. Derivar no significa atenerse estrictamente a la letra, por lo que no deberíamos concluir que el protagonista tiene que ver con el autor de la novela, pero lo cierto es que Ramón Pernas siempre, véase «Hotel Paradiso» y «El Libro de Jonás», propende a introducir elementos autobiográficos en sus escritos. ¿Tiene este Leonardo del Río algo de Ramón Pernas? La pregunta, con todo lo que pueda tener de convencional, por no decir algo peor, se puede plantear a la vista de ciertos recursos de la memoria en que incurre del Río, pero si algo de esto hay, y que es un recurso literario como otro, está visto desde una perspectiva donde predomina el humor, cuando no la sátira. Aun y así, en este particular autoanálisis que tiene todo de biografía y que puede confundirse con una autobiografía, lo predominante es el espíritu de una época a través de un personaje, y en este sentido esta novela de Pernas cumple con creces su objetivo. Si alguien quiere indagar en las grandezas y miserias de la vida literaria de la España de los años de la democracia tiene en este libro un buen documento... casi insoslayable. «El libro de los adioses». Ramón Pernas Narrativa. Espasa, 2019. 258 páginas. 19,90 euros...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Edith Wharton inédita y vital
[Abc Cultural]   Fri, 15 Nov 2019 01:42:07 +0100 {(abc)}
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La escritora norteamericana Edith Wharton (1862-1937) ha conseguido un puesto de privilegio entre los lectores y lectoras del siglo XXI, que devoran sus novelas, pioneras de un feminismo inteligente y mordaz y escritas con una calidad de página incontestable. También cultivó el campo de las letras fantásticas, legándonos algunos cuentos de fantasmas que figuran entre los mejores del género. Varias editoriales españolas están rindiendo culto a su escritura, caracterizada por una gran pulcritud estilística y por el uso de una corrosiva ironía contra el grupo social -la clase alta neoyorquina- al que la autora pertenecía. En español tenemos la suerte de contar con una excelente biografía de Wharton firmada por el joven filósofo Jorge Freire y titulada «Edith Wharton, una mujer rebelde en la edad de la inocencia». Un libro óptimo para conocer de cerca a la primera mujer que ganó el premio Pulitzer en 1921, precisamente por «The Age of Innocence», su inmortal novela de 1920 que fue llevada a la gran pantalla en 1993 por el maestro Martin Scorsese. En 1885, Edith se casó con el banquero Edward Wharton, de quien tomó su apellido (se llamaba Edith Newbold Jones de soltera) y con quien fue claramente infeliz, divorciándose de él en 1913, después de casi tres décadas de infierno conyugal. Durante la Gran Guerra viajó en motocicleta por las líneas del frente, trabajando para la Cruz Roja con los refugiados, lo que le reportó ser condecorada con la Legión de Honor por parte del gobierno francés. Francia fue su segunda patria. Hablaba el francés con fluidez y falleció en Francia, concretamente en Saint-Brice-sous-Forêt, en el valle del Oise, no lejos de París. Fue un personaje muy peculiar, como podemos ver, al margen de sus aptitudes como escritora, y mantuvo relaciones de amistad con nombres propios tan fulgurantes como Henry James (con cuya maniera narrativa coincidía bastante), Scott Fitzgerald, Jean Cocteau o Ernest Hemingway. Pero lo que nos convoca a estas líneas es el descubrimiento en el Centro Harry Ransom de la Universidad de Texas, a comienzos del verano de 2017 y por las profesoras Laura Rattray y Mary Chinery, de una pieza teatral -la única que conservamos de la pluma de nuestra autora-, titulada «The Shadow of a Doubt» y fechada en 1901, a los treinta y nueve años de edad, cuando todavía no había dado el salto a la popularidad como narradora y quería triunfar en la escena sin conseguirlo. Esta obra en tres actos permaneció inédita desde entonces, y solo ahora podemos disfrutar del talento dramático de Wharton, que se despliega en un argumento en torno a la eutanasia y a la hipocresía de las clases dominantes, «plot» que prefigura algunos de los temas tratados después en novelas como «The House of Mirth» (1905) o «The Fruit of the Tree» (1907). «La sombra de la duda». Edith Wharton Teatro. Huso, 2019. 176 páginas. 15 euros...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. ¡Este estudio es un Delirio!
[Abc Cultural]   Fri, 15 Nov 2019 01:41:39 +0100 {(abc)}
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Cuando Elena Lavellés (Madrid, 1981), Julio Galeote (Madrid, 1977), Avelino Sala (Gijón, 1972) y Jorge García (Toledo, 1977) se pusieron a darle vueltas a cómo organizarse en el espacio que acababan de alquilar y que se iba a convertir en estudio compartido se dieron cuenta de que la palabra «delirio» salía mucho a colación. «Por eso nos quedamos con ella para ponerle nombre. Hubo consenso inmediato», recuerda el asturiano. Él fue el que, quizás, más la mentara en esas conversaciones: es el único que venía de fuera (tenía ya taller en Barcelona, un espacio que de momento va a conservar) y el único que hasta la fecha no había compartido espacio de trabajo con otros creadores. Sin embargo, Sala sabía que jugaba sobre seguro: «Queremos que este sea un espacio vivo, nuestro espacio natural de trabajo, pero un lugar también en el que queremos que pasen más cosas, que se generen sinergias. Procediendo de esta manera, esperamos que muy pronto surjan contaminaciones interesantes entre nosotros mismos y de nosotros con los demás». En ese sentido, los cuatro integrantes de Delirio Estudio juegan con ventaja: todos ellos comparten una misma visión del arte, y entre sus trabajos, que se nutren de lo político y lo social, es fácil encontrar vasos comunicantes. Por otro lado, también se sitúa a su favor el contexto: el nuevo taller se ubica en Carabanchel, el barrio de moda de los artistas en Madrid, en un edificio además, el situado en los números 38-40 en la calle Nicolás Morales en el que son vecinos de otros interesantes espacios autogestionados, como 4.7 de Patricia Mateo y José Luis López de Moral, dos plantas más arriba, o la galería La Gran, entre los últimos en aterrizar, una más abajo. Esto por poner solo dos ejemplos. Fue Elena Lavellés la que primero llegó a este lugar –una antigua empresa de gráficas, cuyo cartel aún luce en el portal– y la piedra angular sobre la que poco a poco fueron pivotando todos los demás: «Desde mi vuelta a Madrid hace dos años –relata– echaba de menos un espacio en el que trabajar con gente y hacerlo en comunidad, compartiendo. Comparando con lo que tenía en mente, encontré esto y entonces les llamé a ellos, que sabía que buscaban también un ámbito para trabajar». Delirio Espacio luce hoy con pocas diferencias a como lo encontraron sus actuales inquilinos. Sí que es cierto que hubo que deshacerse de la maquinaria que habían dejado sus antiguos propietarios (y todavía queda por ahí algún luminoso que de una vez nos retrotrae a su pasado), pintar y adecentrar un poco, pero sin convertir aquello en un cubo blanco impoluto o algo que se pareciera demasiado a una galería: «Queremos que este sea un sitio donde se pueda manchar o golpear, sin miedo a tener mucho cuidado con lo que haces», apunta Julio Galeote. Él ha sido el último en mudarse. Lo ha hecho hoy mismo. Su mesa, enfrentada a la de Lavellés, luce pelada, con tan solo un catálogo de una exposición pasada. El nuevo estudio es amplio, luminoso, y los integrantes de este improvisado colectivo se han ido situando en él de forma natural, buscando el sol, situándose de dos en dos en las grandes habitaciones más lejanas a la entrada, las que gozan de grandes ventanales por los que se filtra la luz. «En realidad, no hay espacio dedicados a casi nada en concreto, salvo las habitaciones más pequeñas de la entrada, que se destinarán a almacenes. Pero la idea –explica García, que lleva ya allí dos semanas– es que cada uno vaya haciendo acopio del espacio en función de sus necesidades, plegándose y replegándose en función de sus ritmos y los de los demás». El nuevo estudio es un taller peculiar. Le diferencia de otros, por ejemplo, que allí trabajan cuatro artistas «titulares» (llamemos así a los ya mencionados), junto a los que irán sumándose, entrando y saliendo, otros tres autores con los que mantienen una «colaboración continuada». Ellos son Bárbara Fluxá, Chus García Fraile y Nicolás Laiz. Con ellos y con otros amigos y colegas (los canarios Luna Bengoechea y Acaymo S. Cuesta; Eugenio Merino, que ha sido el «casero» de Avelino desde su llegada a Madrid; Olalla Goméz, Pelayo Varela e Isidro López Aparicio, cuya pieza, la de este último, es una colaboración con Antonio Murado), se ha conformado estos días en estos territorios una exposición. «Este proyecto nos ha servido para inaugurar el espacio, pero es, ante todo, una presentación, nuestra manera de decirle “hola” al barrio», considera Jorge García. Es su manera de darse a conocer y de ofrecerse a los demás, con una muestra con otros artistas muy cercanos, de los que ya poseían obra o con los que querían trabajar, y que fueron invitados por los integrantes del estudio. Porque la idea es que en Delirio pasen cosas: «En un mes, aquí se desarrollará un proyecto cinematográfico. Queremos fomentar en nuestros espacios el ir y el venir, que esto siempre esté lleno, que si por lo que sea, una residencia, alguno lo abandona, pueda entrar otro creador», detalla Sala. Por eso consideran que cuatro integrantes es un número ideal: «Para sostener nuestra labor y para compartirla con otros, convirtiendo de repente esto en un plató de fotografía improvisado, un ámbito para charlas, para presentaciones, o para trabajar de manera fluida y compartida». Porque si una cosa tienen clara los integrantes del estudio, es que Delirio es «un» proyecto que se ha de desarrollar de forma orgánica y sosegada, que de ninguna manera puede convertirse en «el» proyecto: «Eso creo que fue lo que ocurrió con Mala Fama –relata García–, razón por la que ahora lo he abandonado. Pero sin malos rollos, sino simplemente porque veía que necesitaba centrarme más en “mi” proyecto, en mi trabajo personal. Tengo un gran respeto por sus integrantes, que además son vecinos cercanos, los quiero mucho, pero me apetecía un cambio de rumbo». Allí, en Mala Fama, Jorge aprendió a trabajar compartiendo el espacio, y allí tuvo grandes charlas con Carlos Aires o Alejandro Botubol. «Sin embargo, nuestros trabajos no estaban en los mismos intereses, cosa que sí que me pasaba con Avelino, con el que hablaba mucho a diario. Es casi como de la familia». Ahora, ese intercambio de pareceres se va aproducir de forma natural. Avelino Sala, por su parte, llegó a Madrid consciente de que «este es el lugar en el que hay que estar: primero porque es donde pasan todas las cosas en nuestro país, y segundo, porque la situación política y social el Barcelona y Cataluña ahora mismo es la que es»: «Hablé con Jorge para compartir algo aquí y en nuestro camino se cruzó Elena. Vimos una oportunidad maravillosa que no podíamos rechazar». Él es el alma máter de la revista «Sublime» e, inevitablemente, Delirio se convertirá en extensión de la misma. Igual que a Jorge lo veremos allí todos los días –y desde bien prontito, porque a él no le importa madrugar–, Avelino es mucho de trabajar desde casa. En la habitación contigua se han situado Elena y Julio. Este último, también llega de un espacio vecino (Estudio Lisboa, en el que compartía con Davinia Reina, Fernando Guijar, Fernando Torres y María Platero), pero el sitio se le quedó pequeño. Sus fotos de instalaciones han pasado a ser «más instalativas» (y algún ejemplo vemos en esta visita): «Yo soy más de tarde, noche, desde los tiempos de la facultad. La luz me molesta para hacer fotos, no me gusta mucho el ruido y cuando estoy muy metido en una obra, prefiero estar solo». Poco molestará de esta forma a Lavellés, que también es novata en el arte de compartir estudio, fuera de una residencia, de una manera tan orgánica: «Pero lo necesitaba, necesitaba de un diálogo activo». Ella es la que más alaba el contexto en el que se enclava Delirio Estudio: «Vivo en el centro y eso está muy bien para salir, para ver exposiciones. Pero para trabajar, este es un entorno más amable, por ser más de barrio, en la que todo lo tienes a mano, con tiendas para conseguir lo que precises, a lo que se suma los dos montacargas del edificio que permiten subir y bajar las obras sin necesidad de estar a pie de calle». En Delirio Estudio se podrá disfrutar (al menos ellos lo harán) de algo en lo que repara Jorge García: «Le damos mucha importancia a la obra final, compartir esas conclusiones, pero poco compartimos los procesos de creación que es algo casi más importante y enriquecedor». Con esa intención lo ponen en marcha sus cuatro integrantes. Sin presiones, disfrutando de las pausas, sin obsesionarse. Para que no haya que gritar: «¡Qué delirio este Delirio!»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Cuando el río suena, arte lleva
[Abc Cultural]   Fri, 15 Nov 2019 01:41:26 +0100 {(abc)}
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La Fundación Miró nos plantea una cuestión, que puede parecer superada, como es la sonoridad en el arte como categoría propia y, al tiempo, como posibilidad estética. Ahora que nadie se cuestiona la compartimentación entre las diferentes artes, viene a llamarnos la atención sobre la cuestión sonora más allá del mismo medio. ¿Arte sonoro? demuestra su capacidad estética y plástica a través de una amplia selección de obras por parte de Arnau Horta, comisario y especialista en la materia. Y nos lleva a un viaje temporal por el espacio y el sonido de la mano de muchos de los grandes autores desde las vanguardias hasta nuestros días. Ruido, música y la ausencia del mismo -el silencio- tienen una presencia protagonista en una cita de 70 piezas de las que tan solo 16 fueron producidas para ser oídas. El sonido visto mediante pintura, dibujo, grabado, escultura e instalación permite experimentar más allá del oído, principalmente con los ojos. Hacia esta representación apunta la primera sala, con obras de Miró, Sonia Delaunay o James McNeill Whistler, en las que la presencia del sonido se vive como poética visión. La música, a su ritmo La música esboza su propia representación en forma de partituras que se reinterpretan en el papel, como las piezas de Pablo Palazuelo, Herman Meier o Katalin Ladik. La repetición y el ritmo se presentan en este soporte y desarrollan un lenguaje propio en el segundo ámbito de la muestra. Más adelante, la presencia del sonido busca la interactividad en obras de Nam June Paik, Laurie Anderson y Michaela Melián, en la que es el espectador quien activa el medio y experimenta la obra en sus propios oídos. En este ámbito se desarrolla la mayoría de piezas más puramente sonoras, relegando el resto de salas a un sonido más bien tenue que puede pasar incluso desapercibido. Este aspecto sutil es remarcable en la obra de Alvin Lucier, Sound on paper, donde unos altavoces escondidos por un papel enmarcado fuerzan al visitante a acercarse a la pieza para poder disfrutarla más allá de su aspecto, que la hace casi imperceptible. Los dos últimos ámbitos nos devuelven a través del ready made a la referencialidad del sonido. Duchamp y su À bruit secret, encerrado en una vitrina, deja con las ganas de experimentar su interior. Es un gran paradigma de lo que esta cita cuestiona y no soluciona. Dejar al espectador con la gran duda de cómo suena ese elemento secreto de su interior es parte del juego, porque toda la reflexión aparece y desaparece ante el visitante. Nos introduce en la última estancia el icónico Beethoven's Trumpet (With Ear), de Baldessari, un ejemplo más de la autoreferencialidad de las obras sonoras que pueblan la cita, para acabar con la confrontación entre lo sonoro, cinético y visual en la aparatosa instalación de Haroon Mirza Sitting in a Chamber (2013) en la que, bajo una estética tosca y rudimentaria, despliega una serie de tocadiscos, amplificadores, bombillas y discos. Lo más cercano a la actualidad se deja para el final. Salpican la muestra en todas sus salas las obras de Rolf Julius, a quien se hace un homenaje que queda diluido en el recorrido, reafirmando la importancia del sonido en la producción artística, dentro y fuera del medio. ¿Arte sonoro? Colectiva. Fundación Joan Miró. Barcelona. Parc de Montjuïc, s/n. Comosario: Arnau Horta. Patrocina: Fundación BBVA. Hasta el 20 de febrero...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. El muro que cambió el arte contemporáneo
[Abc Cultural]   Fri, 15 Nov 2019 01:41:12 +0100 {(abc)}
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La división del mundo provocada por la Guerra Fría tuvo una de sus manifestaciones más dramáticas en el muro de seguridad que, entre 1961 y 1989, aisló la zona occidental de Berlín del resto de Alemania Oriental. Fue un periodo de máxima tensión entre dos Estados antagónicos y donde entraron en juego las demandas políticas impuestas por las grandes potencias mundiales. La situación afectó profundamente a todos los ámbitos sociales, incluido el desarrollo de las prácticas artísticas. En el oeste, la República Federal Alemana asumió los códigos estéticos occidentales, cuyo canon estaba determinado por la supremacía internacional de la abstracción norteamericana. En el este, la República Democrática planteó el debate sobre la función del arte en total sintonía con la Unión Soviética: la estética oficial se formuló desde lo figurativo y su potencial para comunicarse ideológicamente con los ciudadanos. Pero las imposiciones de ambos Estados chocaron con olas contraculturales y disidencias internas. La figura más polémica del periodo de reconstrucción del arte germano-occidental de posguerra fue Joseph Beuys, quien desde los años sesenta elaboró un trabajo crítico con el poder, fundamentado en el compromiso social y alejado del formalismo. Los procesos de desmaterialización de la obra de arte también encontrarán diversas voces en la RFA; de hecho, el arte conceptual será reconocido institucionalmente en Europa a partir de la exposición Documenta 5, celebrada en 1972 en la ciudad de Kassel. Las imposiciones de ambos Estados chocaron con olas contraculturales y disidencias internas Pero en aquella República Federal también había comenzado a forjarse un nuevo expresionismo pictórico que, frente a las formas dominantes de la abstracción, reivindicaba lo figurativo y buscaba hermanarse con la vanguardia alemana de principios de siglo, a la que Hitler había proscrito y acusado de «degenerada». Localizados en Berlín, Düsseldorf, Hamburgo y Colonia, estos neoexpresionistas —denominación que agrupa nombres tan heterogéneos como Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Jörg Immendorf o Anselm Kiefer— entendieron la pintura como el medio más eficaz para reencontrarse con una tradición cultural nacional. En la década de los ochenta, esta nueva figuración salió de sus fronteras a través de exposiciones colectivas que cimentaron su aceptación en el mercado internacional. El legado del Este La caída del muro provocó una reorganización social, política y económica que afectó sustancialmente al arte producido en la RDA, cuyo legado será objeto de encendidos debates. En el año 1999 se celebró en la ciudad de Weimar la exposición Auge y caída de la modernidad, donde se mostraba el arte de Alemania Oriental como el propio de un Estado totalitario, similar al creado en la época nazi. Aquellos planteamientos pusieron de relieve las dificultades de la Alemania unificada para alcanzar una memoria colectiva que integrara la producción cultural del Este. El debate sigue vigente en nuestros días, si bien con términos más moderados. El pasado mes de julio se inauguraba en el Museo de las Artes de Lepizig la muestra Punto Sin Retorno, en la que se reivindica el valor de varias generaciones de artistas activos en tiempos de la RDA, y que fueron capaces de desarrollar un arte autónomo respecto a las exigencias gubernamentales. Punto Sin Retorno recupera nombres poco atendidos por la historiografía occidental, como Doris Ziegler, Norbert Wagenbrett o Cornelia Schleime. Más reconocidos son los integrantes de la Escuela de Leipizig que encabezó Bernhard Heisig, quienes alternaron una posición crítica con la aceptación de galardones y encargos procedentes del régimen socialista. Además, en una estrategia similar a la desarrollada por la diplomacia cultural franquista con la abstracción, llegaron a convertirse en representantes del arte de la RDA en el exterior. Las autoridades entendieron que aquellos pintores de Leipzig podían otorgar una imagen de apertura y modernidad al gobierno; además, la difusión internacional de sus obras fue evaluada como un posible activo en el proceso de reconocimiento del país como Estado independiente, lo que sucederá en 1973 con su inclusión en la ONU. El núcleo pictórico de Leipzig retomará el impulso después de la caída del muro. A finales de la década de los noventa surgen en esta ciudad un grupo de jóvenes artistas figurativos (Neo Rauch, Tilo Baumgärtel o Matthias Weischer, entre otros) que incluyen en sus obras códigos extraídos del realismo socialista. Roto ya el aislamiento cultural y político, estos pintores de Leipzig han podido negociar su interés por un país desparecido con las exigencias de un mercado internacional que los ha acogido con entusiasmo. El derrumbe del muro supuso la absorción de la Alemania del Este por la del Oeste. El final de la URSS, acontecido apenas dos años más tarde, significó la victoria absoluta del sistema capitalista. Hoy, detrás de la promesa de globalización del mercado del arte, sigue siendo prioritaria la actividad económica que se negocia en unas pocas capitales; y Berlín, junto a Londres y Nueva York, se ha consolidado como uno de los núcleos hegemónicos del actual sistema artístico....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Travellin’ Brothers: «El rock ocupará el lugar que decida el público»
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 01:40:19 +0100 {(abc)}
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En Travellin’ Brothers confluyen las mejores esencias blues, swing, jazz, funk y rhythm’n’blues, recogidas por seis bilbaínos que saben cómo desplegarlas sobre el escenario como auténticos guerreros. «Cuando estábamos grabando nuestro disco en directo, Jon, nuestro cantante, sufrió un esguince de rodilla en mitad de una de las canciones», cuenta el guitarrista Aitor Cañibano . «Fue un momento complicado, pero gracias a nuestra experiencia no pasó a mayores». Cañibano se refiere a «1001 Nights», álbum que recoge una actuación en el Teatro Arriaga Antzokia que, según cuentan las crónicas, fue realmente explosiva. «La verdad es que tocamos muy bien», dice con orgullo el guitarrista. «Al grabar la actuación, lo que tratamos de hacer fue registrar nuestro sonido de directo lo más fielmente posible para que, al escucharlo, el oyente sienta que realmente está en un directo». Ellos se definen como «una banda clásica», que no se hace excesivas preguntas acerca de la vigencia de la música que practica. «Al final, cada época es diferente y lo que hay que hacer es adaptarse a los nuevos tiempos, y hacer cada uno su trabajo lo mejor posible. El público es soberano, y el rock ocupara el lugar que el publico decida, ni más ni menos», sentencia Cañibano, un músico que se mantiene fiel a las costumbres sencillas de la vieja escuela. «Lo siguiente será ir preparando el próximo disco, y de nuevo a la carretera a presentarlo. Y así una y otra vez. Nos gusta componer, grabar y tocar en directo y es lo que vamos a intentar hacer, sin más»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. «Ecos», dos realidades separadas por dos siglos
[Teatros]   Fri, 15 Nov 2019 01:40:01 +0100 {(abc)}
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Henry Naylor trabajaba hace años como guionista para la radio y la televisión británicas -es uno de los creadores del programa satírico Spitting Image-, en los que eran frecuentes las bromas sobre la guerra de Afganistán. Un día vio como un reportero británico estallaba literalmente y como su cámara se acercaba para tratar de socorrerle; ese cámara era un amigo suyo, y todo cambió. Se empezó a cuestionar el hecho de escribir chistes sobre un asunto como la guerra. Habló con su amigo y éste le invitó a que viajara a Afganistán. Era el año 2003. «Allí descubrí la realidad», asegura Naylor. Aquel viaje transformó a Henry Naylor y también su escritura. Nació en él la necesidad de escribir sobre aquello que había visto, especialmente sobre las razones que llevan a una mujer occidental a casarse con un yihadista y marcharse tras él; algo similar, descubrió, a lo que sucedía en el siglo XIX en el Imperio Británico con las mujeres que se casaban con los militares y dejaban sus casas para viajar a la India. «A finales del siglo XIX la East India Company -cuenta Naylor-garantizaba pasajes gratis a la India a aquellas mujeres británicas deseosas de convertirse en las esposas de los oficiales del ejército británico desplegados desde Oriente Medio hasta la India. Más de un siglo y medio después, el Estado Islámico provee de pasaje al Califato Sirio a jóvenes mujeres británicas deseosas de contribuir a la causa islámica, ignorando que terminarán convirtiéndose en una fusión de prostitutas, criadas y yeguas de cría al servicio de un imperio ideológico y religioso». El resultado de aquella necesidad, que le llevó a un intenso trabajo de investigación fue la trilogía «Arabian Nightmares» («Pesadillas árabes»), compuesta por las obras «The Collector», «Echoes» y «Angel». La segunda pieza llega ahora al Teatro Español, con traducción de Gonzalo de Santiago (también productor e impulsor del proyecto), dirección de Livia Pandur e interpretación de Silvia Abascal y Nur Levi. «Ecos» -estrenada en el Fringe del Festival de Edimburgo en 2015- presenta a dos mujeres, Samira y Tillie, separadas por casi dos siglos. «La primera es una joven y brillante estudiante de origen islámico de hoy en día; la segunda es una ionera colonizadora de la época victoriana. Samira contruirá un califato, Tillie un Imperio», dice Livia Pandur. El «maltrato histórico», dice Naylor, al que los hombres han sometido a las mujeres es uno de los motores que llevó al autor británico a escribir esta obra. «Era importante destacar que necesitamos tratarnos con amor y dignidad. Los hombres tenemos que responder por ese maltrato, que hoy en día se mantiene. Y quienes no lo hacen deben levantarse y enfrentarse a los maltratadores. Es responsabilidad de la sociedad denunciar esas situaciones». «El teatro -dice Livia Pandur- es el último oasis en el que podemos encontrar la belleza, pero no entendida como una estilización... Hay un final posible para el horror». Un limbo, una piscina abandonada, «donde los rastros de agua y de vida han desaparecido prácticamente por completo», es el paisaje donde la directora -hermana y colaboradora del añorado director esloveno Tomaz Pandur, fallecido en 2016 a los 53 años-, ha situado esta historia de dos mujeres en la que se cuenta «la poesía de su resistencia» y donde coexisten, asegura, «el mal, el dolor, el horror pero, por otra parte, la amistad, el amor y la solidaridad, la esperanza y la belleza». «Golpe en el estómago» Silvia Abascal leyó «Ecos» y decidió enseguida que quería interpretar esta obra, aunque no sabía bien cómo se podía llevar a escena. «Es un texto de infinitas posibilidades, con muchísimas capas: pero en cualquier caso es teatro absolutamente necesario». También Nur Levi lo cree así. «Se habla de derechos humanos, se habla de la comunidad humana, más allá de hombres y mujeres. Me siento afortunada de poder contar esta historia». «Lo importante de esta historia -concluye Livia Pandur- es la realidad de sus historias. Esa verdad nos llega a los espectadores como un golpe en el estómago»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. La M.O.D.A.: «No tenemos mucha esperanza en los políticos»
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 01:39:50 +0100 {(abc)}
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La Maravillosa Orquesta del Alcohol afronta el fin de una larguísima gira de 135 conciertos, repartidos entre España, México, Colombia, EE.UU., Irlanda e Inglaterra. «Vivimos este final con menos presión, más relajados después de dos años increíbles. Tenemos la suerte de contar con un equipo de trabajo que antes no nos podíamos permitir, lo que hace más fácil la vida en la carretera», cuenta su líder David Ruiz. Durante este tiempo, el septeto ha tenido tiempo para grabar un EP con Steve Albini y dos canciones con Raül Refree, y ha realizado un ciclo de conciertos por pueblos burgaleses para llamar la atención sobre la «España vaciada». «No tenemos mucha esperanza en los políticos», dice Ruiz. Y añade: «Ni la seguridad de que quieran trabajar por los intereses de la gente. Da la sensación de que responden a otro tipo de intereses. Nosotros seguiremos aportando lo que podamos a la causa»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Javier Camarena, entre lo popular y lo culto
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 01:39:02 +0100 {(abc)}
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En el Madrid de Galdós, los ciudadanos acudían al teatro según su condición. Una viñeta en «La Ilustración Española y Americana» de 1883 explica que los más refinos de la sociedad preferían el teatro Apolo, la Zarzuela y el Real frente al Variedades o el de la Comedia dedicado a «todo un poco». La diferencia entre los primeros era, no obstante, palpable: el aire «militar» de algunos visitantes del Apolo se compensaba con el chiste atrevido de los divertidos espectadores de la Zarzuela, muy distintos a los presuntuosos «dilettantes» que acudían al Real, escenario colocado a la cabeza de la clasificación. Pasado el tiempo la mezcla de ciudadanos se ha hecho más homogénea y hoy requiere cierta ciencia dilucidar cuál es el público y cuáles sus intereses escénicos. Pero la cuestión es importante. El propio Teatro Real, desde su posición de privilegio, renovado como cabecera del espacio teatral madrileño, se ha propuesto entre sus objetivos captar aficionados… y hacerlo sin discriminación. En ese contexto saludablemente inclusivo asoma anacrónicamente la celebración de la Gran Gala 2019 del Teatro Real, acto de naturaleza fundamentalmente social que ha tomado como eje y aparente justificación el recital del tenor Javier Camarena. El teatro deja de ser de todos para pasar a pertenecer a unos pocos que abogan, según se explica desde el Real, por sostener el programa social del que forma parte «El Real junior», gracias al cual muchos jóvenes se introducen en la ópera, y el aula social que atiende a más de cien menores procedentes de diversas fundaciones y asociaciones sin ánimo de lucro. La frontera entre la patrocinio y la filantropía puede ser muy estrecha, aunque visto el acontecimiento de cerca con la gran mayoría de las entradas a precios astronómicos, la parefernalia del acto incluyendo la posibilidad de una cena elegante en el mismo escenario del teatro, la sofisticada decoración de los espacios comunes y el protocolo con esmóquines y vestidos largos por doquier, sea fácil volver la vista atrás y recordar al antiguo y encorsetado «dilettante» antes que al moderno contribuyente. No es tampoco despreciable el hecho de que la gala comenzara quince minutos tarde, que se permitiera la entrada de espectadores en medio de recital, incluso cuando éste estaba ya muy avanzado. Javier Camarena tiene tras de sí una bonita historia de éxitos en el Teatro Real. Acaba de interpretar, en una única función, el papel de Nemorino en las últimas representaciones de «L’elisir d’amore». De inmediato, protagonizará «Il pirata», de Vincenzo Bellini. Atrás quedan «La fille du régiment» y «Lucia di Lammermoor» con bises incluidos. Camarena es uno de los grandes y así lo demostró en el recital que hace dos años ofreció en el Teatro de la Zarzuela con el apoyo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid dirigida por Iván López Reynoso con un programa dedicado exclusivamente a la zarzuela. En el Real ha contado con la colaboración del pianista Ángel Rodríguez ofreciendo lo que el tenor llamó en la presentación previa un recorrido «por parte de mi propia historia» con canciones, arias italianas y zarzuela «española». Un programa disímil y en progresión saltando desde Carissimi y su muy anquilosada interpretación a Vincenzo Bellini y Jacinto Guerrero convertidos en verdaderas creaciones. Efectivamente, Carissimi, Giordani y Bononcini sonaron faltos de refinamiento si es que en la memoria se tiene al mejor Camarena. La voz fría, todavía tropezaba en momentos cruciales mientras la interpretación se acogía a cánones hoy muy trasnochados y poco representativos. Hubo que esperar a Donizetti y su «L'ora troviso» para descubrir otra perspectiva y con ella una más evidente implicación de los espectadores. Estupenda «La danza» de Rossini; rápida, virtuosística, y todo un alarde de facultades el ejemplo de «Ricciardo e Zoraide», «Qual sarà mai la gioia», poniendo de manifiesto, también, la notable calidad instrumental de Ángel Rodríguez. Pero puestos a considerar la exacta posición de Camarena como intérprete, es decir como creador, hay que valorar la altura que adquirió el recital con «Una furtiva lagrima», cantada de manera muy expresiva, balanceada y con un punto de dramatismo. Los bravos se hicieron habituales tras el aria de «Il pirata» «Nel furor delle tempeste», redondeando una «cabaletta» plagada de peligros. Más allá, Camarena transitó, una vez más, entre lo culto y lo popular con una facilidad asombrosa. En su voz se comprueba que la zarzuela puede ser algo grande y que el problema que arrastra es la llana vulgaridad de la inmensa mayoría de las interpretaciones. En el programa oficial apenas había un fragmento: «Mujer de los ojos negros» de «El huésped del Sevillano», de Guerrero. Se prologó con la interpretación perfectamente prescindible del «Intermezzo» (sic) de «Las bodas de Luis Alonso» que Rodríguez resolvió con demasiadas faltas. Camarena aporta tal grado de personalidad, la interpretación es tan cálida y minuciosa que músicas aparentemente fuera de un programa de postín como este acabaron siendo una referencia que levantó a los espectadores de la butaca. Pero, sobre todo, a Camarena hay que agradecerle la cercanía y la cordialidad. Enormemente simpático, habló al principio del recital, como hace con frecuencia; convirtió el escenario en un espacio que olvidó el perifollo llegando a ser un lugar inmediato; negó la altivez del acto en favor de una amabilidad capaz de abrazar a cualquiera sin distingos. Tras el programa oficial vinieron un buen puñado de propinas. Fueron músicas próximas como «Flor roja», «No puede ser», la jota de «El trust de los tenorios», la «Malagueña» de Aceves Mejía, «Siboney» de Lecuona… Una impresionante sucesión de hitos capaz de explicar de una manera diáfana que, si en verdad se quiere construir algo que pueda compartirse por todos, la mejor receta es huir de lo artificial....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Hombres G: «Culturalmente, estamos retrocediendo»
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 01:38:50 +0100 {(abc)}
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David Summers y compañía llegan esta noche al Wizink Center de Madrid, tras una nueva gira americana que ha servido para seguir agrandando la leyenda de Hombres G al otro lado del océano. «Nos ha ido increíblemente bien, no sabemos cuál es el techo del grupo en Estados Unidos», dice el cantante y bajista. «Después de hacer sold out en el Hollywood bowl, en el Staples Center en Los Angeles y en el Radio City hall en Nueva York, no sabemos dónde puede estar ese techo. Desde luego que lo hemos puesto muy alto». Hoy se reencontrarán con su ciudad, «lo cual es siempre especial» continúa Summers, «y más después de una larga gira por muchos países. Haremos un repaso de nuestras canciones más significativas, incluyendo algunas nuevas de “Resurrección”, y contaremos con la colaboración de algunos amigos en momentos destacados del concierto. Va a ser un concierto muy Hombres G, divertido y emotivo». Alguno de esos invitados quizá pertenezca a la nueva generación de músicos madrileños, de la que los Hombres G no están ni mucho menos desconectados. «Nos gusta apoyar lo que está pasando con la gente joven, no solo en Madrid», dice Summers. «Nos interesa más el futuro que el pasado, y nos encantan los grupos que salen con actitud positiva y con ganas de divertirse en un escenario». Lo que no genera tanta ilusión a estos veteranos es la situación política tras las elecciones del pasado domingo: «Parece que en lugar de mejorar hemos ido para atrás. Nuestros representantes políticos han suspendido y no se hacen responsables del desastre en el que nos han metido a los ciudadanos. Nosotros hemos hecho nuestro trabajo pero ellos son incapaces de llegar a una solución. Pocas propuestas culturales han hecho durante la campaña. Ha sido lamentable. Es como si hablar de cultura no les diera votos. Es muy triste el panorama político actual, y culturalmente hablando seguimos retrocediendo»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. El ministro de Cultura de Francia, sobre Polanski: «El genio no es una garantía de impunidad»
[Cultura]   Fri, 15 Nov 2019 01:38:27 +0100 {(abc)}
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Franck Riester, ministro de Cultura de Francia, ha clavado un puñal no del todo imaginario en la espalda cívica de Roman Polanski, declarando ante la élite del cine francés, reunido en «cónclave» en el Centro Nacional del Cine (CNC): «El talento no es una circunstancia atenuante. El genio no es una garantía de impunidad». La semana pasada, la actriz y fotógrafa Valentine Monnier declaró que Polanski la había violado en 1975. Y justificó de este modo su tardía denuncia, cuarenta y cuatro años después: «Familiares, amigos, mi esposo, un antiguo guionista y colaborador de Polanski, conocían la historia, que les conté yo misma. Durante muchos años intenté olvidar. La historia volvía a ser un problema, con mi esposo, cada vez que se estrenaba una nueva película de Polanski. Su última obra ha sido, para mí, la gota que desborda un vaso de agua sucia. Su nueva película se llama “Yo acuso”. Y cuenta la historia del más célebre de los errores judiciales de la historia de Francia. El caso del capitán Alfred Dreyfus, a finales del siglo XIX. Émile Zola, el padre de la novela naturalista francesa, se hizo célebre publicado una carta dirigida al presidente Félix Faure, que se titulaba simplemente “Yo acuso”… Un siglo más tarde, Polanski tiene la desfachatez de utilizar ese mismo título para su nueva película, presentándose por todas partes como una víctima perseguida, como lo fue Dreyfus… Ha sido algo insufrible, para mí: contemplar el espectáculo del hombre que me violó, cuando tenía quince años, presentándose como una “víctima perseguida”… de ahí mi determinación en la denuncia, apoyada por mi familia». Monnier ha escrito a Brigitte y Emmanuel Macron contando su historia. El presidente y su esposa guardan silencio. Pero, la semana pasada, Marlène Schiappa, secretaria de Estado, responsable de las cuestiones de igualdad entre hombres y mujeres, saludó el «coraje» y apoyó personalmente a la actriz. La tarde del jueves, Franck Riester participó en los trabajos del CNC consagrados a la «diversidad y paridad» entre hombres y mujeres en la industria del cine. Tras defender «a quienes nos recuerdan las violencias que se ejercen a diario contra las mujeres», el ministro de Cultura dejó caer esta «sentencia»: «Debemos guardarnos de los juicios sumarísimos del tribunal de la opinión pública. Solo la Justicia puede y debe sancionar. Dicho esto, el talento no es una circunstancia atenuante; y el genio no es una garantía de impunidad». Esas frases cayeron como una puñalada política clavada en la espalda simbólica de Roman Polanski, cuya última película, «Yo acuso», corre el riesgo de ser la primera «víctima» de las nuevas acusaciones contra el director. Jurídicamente, las acusaciones de Valentine Monnier contra Polanski han prescrito. Pero la élite gubernamental de la cultura francesa está tomando posición contra el director, planteando con crudeza las muy ambiguas relaciones entre «belleza» y «moral», convertidas en armas políticas arrojadizas....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Veinte años sin Enrique Urquijo, el escultor de canciones eternas
[Música]   Fri, 15 Nov 2019 01:37:38 +0100 {(abc)}
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En las fiestas de San Isidro de 1986, el Ayuntamiento de Madrid organizó una serie de conciertos en la Casa de Campo con La Orquesta Mondragón, Ramoncín, Gabinete Caligari, El Último de la Fila y otros grupos de moda entre los que, en principio, no estaban Los Secretos. La banda de los hermanos Urquijo aún se lamía las heridas de una primera etapa que tuvo un final confuso en lo profesional, decepcionante en lo económico y trágico en lo personal. Su discográfica los había despedido porque su «olor a vaca» no encajaba en La Movida; Hacienda les había dado un buen palo tras la cruzada de Miguel Boyer contra los famosos; la droga les había dado ya un par de bofetones en toda la cara, y sus dos bateristas habían fallecido en sendos accidentes de tráfico («Canito», en 1979, cuando aún se llamaban Tos, y Pedro A. Díaz, en 1984). «El mazazo fue físico, moral, estructural, emocional y musical, y gracias a los “royalties” y a que vivíamos en casa de nuestros padres pudimos aguantar el tirón», recuerda Álvaro Urquijo, que ahora reconoce que tuvo dudas cuando el azar intervino para ponerlos de nuevo en circulación. «Un grupo de aquellos conciertos de San Isidro del 86 se cayó del cartel en el último momento, y nos llamaron de urgencia para sustituirlo. Aceptamos, pero no sabíamos cómo nos iba a recibir el público». Cuando llegó su turno la noche del concierto, los hermanos y compañía subieron al escenario dominados por la incertidumbre y los nervios. Pero entonces la música obró su milagro. «Empezamos a tocar y, para nuestro asombro, todo el público nos ovacionó y comenzó a corear todas las letras», cuenta Álvaro. «Todavía recuerdo la emoción en los ojos de Enrique cuando se giró y me miró al terminar la primera canción. Quizá sea el momento más brutal que he vivido sobre un escenario». Concierto benéfico Los Urquijo tocaron juntos desde los días de Tos hasta la muerte de Enrique (foto de 1994)Ese día fue el pistoletazo de salida para la etapa más fructífera de Los Secretos, que terminaría trece años después con otra despiadada intervención de la parca: el 17 de noviembre de 1999, un día antes del lanzamiento del segundo volumen de «Grandes Éxitos» del grupo, Enrique fue hallado sin vida en un portal de la calle Espíritu Santo de Madrid. «Gracias al cielo, los del sello fueron respetuosos y se canceló la promoción», afirma Álvaro, líder incombustible de Los Secretos desde entonces y organizador del gran concierto benéfico (la recaudación irá destinada a las ONG Cirugía en Turkana y Cris Contra el Cáncer) que rendirá homenaje a su hermano el próximo domingo, día en que se cumplirán veinte años de su muerte. El espectáculo, titulado «Desde que no nos vemos», tendrá lugar en el Wizink Center de Madrid (con 6.000 localidades con asiento) y contará con la participación de Manolo García, Rozalén, Miguel Ríos, Amaral, Coque Malla, Mikel Erentxun, Andrés Suárez, Dani Flaco, Rafa Higueras, Rebeca Jiménez, Alejo Stivel, Txetxu Altube, Vicky Gastelo, Jorge Marazu y San Damián, además de Los Secretos, claro está. Una estrella cercana Antonio Vega y Enrique Urquijo«Le conocí un día que tocamos en un garito muy pequeño de Madrid, antes de hacernos famosos», relata Juan Aguirre de Amaral. «Fue muy cercano, muy cariñoso. Después habló con muchísimo cariño de nuestro primer disco, en el que su hermano Álvaro colaboró tocando doce cuerdas. Solo tengo un recuerdo maravilloso de su música y de haberle conocido. Fue un cantante muy expresivo, con una manera de cantar muy personal, que ha servido como referencia para artistas que han llegado después. Aunaba influencias anglosajonas al principio de la nueva ola, con música fronteriza mexicana y estadounidense de una forma muy natural. Era un grandísimo cantante y, por supuesto, un grandísimo escritor de canciones». Uno de los coetáneos de Los Secretos que estará en la cita del domingo, Manolo García, dice sentirse «hermanado en el tiempo y en la música» con los Urquijo. «Enrique aportó al pop español un sabor limpio, de pop-rock americano cristalino, con unas letras dignísimas, sencillas pero escritas a pie de calle, de las que siempre tocan el corazón», asevera el artista barcelonés, uno de los últimos en sumarse a este impresionante cartel. «Todos aspiramos a poder alcanzar, aunque sea mínimamente, la obra de Urquijo», opina Andrés Suárez. «“Quiero beber”, “Déjame”, “Vidrio mojado”, “Buena chica”, “No digas que no”, podría seguir una hora. Su legado es eterno, Enrique ha hecho canciones que son para siempre», sentencia el cantautor gallego. Txetxu Altube, otro discípulo secretista que estará en el Wizink Center el domingo, está convencido de que «nadie ha conseguido escribir de una manera tan sencilla y directa como Enrique. Antonio Vega y él son referentes que están al mismo nivel. Componían de una forma distinta, pero los dos te arañaban el alma con la misma fuerza». En la escena pop española nadie pone en duda que Enrique nació con algo especial, con «un don», como dice Álvaro. «Cuando empezamos era el que peor tocaba la guitarra, pero con dos acordes componía canciones inalcanzables. Era un genio. Y demostró que la juventud del momento podía hacer canciones de calidad, que perduraran y que formaran parte de los recuerdos de toda una generación»....



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