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Cultura
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Sun, 21 Jul 2019 04:39:23 +0200

Pulsar para mostrar/ocultar texto. Muere en La Habana el poeta Roberto Fernández Retamar a los 89 años
[Cultura]   Sun, 21 Jul 2019 04:14:31 +0200 {(abc)}
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El reconocido poeta y ensayista cubano Roberto Fernández Retamar, Premio Nacional de Literatura y presidente de la prestigiosa Casa de las Américas, falleció este sábado en La Habana a los 89 años. "Perdimos a uno de los mayores poetas y pensadores de Nuestra América y del mundo: Roberto Fernández Retamar. Nos deja una obra excepcional, centrada en la descolonización y el antimperialismo", escribió en Twitter el exministro de Cultura de la isla, Abel Prieto. Periodista, poeta, ensayista, profesor universitario y diplomático, Fernández Retamar (1930-2019) comenzó a trabajar como reportero desde muy joven en la revista "Alba", para la que entrevistó al premio nobel estadounidense Ernest Hemingway. En la década de 1950 colaboró con la emblemática revista "Orígenes" y se involucró en la lucha clandestina contra el régimen de Fulgencio Batista. Tras el triunfo de la Revolución liderada por Fidel Castro en 1959 ocupó varios cargos en instituciones culturales, entre ellas la Casa de las Américas, donde primero dirigió la revista de la institución desde 1965 y luego asumió la presidencia desde 1986 hasta hoy. Fernández Retamar también fundó y editó hasta 1964 la revista "Unión" junto a los reconocidos intelectuales Nicolás Guillén, Alejo Carpentier y José Rodríguez Feo. Fue miembro de la Academia Cubana de la Lengua, la cual dirigió entre 2008 y 2012, y miembro correspondiente de la Real Academia Española. Autor de una vasta obra en prosa y verso, sus libros han sido traducidos a una docena de idiomas y su ensayo "Caliban. Apuntes sobre la cultura de Nuestra América" (1971) está considerado uno de los más importantes de la literatura latinoamericana del siglo XX. Fernández Retamar fue miembro del Consejo de Estado cubano - máximo órgano de gobierno del país- y diputado a la Asamblea Nacional entre 1998 y 2013. En 1989 se le concedió el Premio Nacional de Literatura, el galardón más importante de su tipo en la isla, y más tarde el Premio Nacional de Ciencias Sociales en 2012 y el Premio Internacional José Martí de la Unesco en enero pasado, entre otras distinciones. Los restos de Roberto Fernández Retamar serán incinerados y la semana próxima se prepara un homenaje a modo de despedida en la Casa de las Américas....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. «Arrivederci», Camilleri
[Abc Cultural]   Sun, 21 Jul 2019 01:18:13 +0200 {(abc)}
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No soy una gran lectora de novela negra, pero entrevisté una vez a Camilleri en su residencia privada de la ciudad eterna. Recuerdo aquel día de finales de marzo de 2011 con la nitidez de una luminosa tarde romana. El sol se colaba por las celosías que preservaban las sombras de la habitación donde me indicaron que debía esperar y donde se celebró, finalmente, la charla. La estancia estaba pegada a la puerta de la calle a modo de las salitas de espera de esos viejos médicos de cabecera. Ahora que lo pienso, Camilleri tenía algo en su porte de venerable dottore de pueblo. Ni por asomo pude cotillear el resto del amplio piso. Todo estaba pensado para que nadie ajeno a ese mundo de gran hombre de las letras italianas fisgara en su intimidad más de la cuenta. Estábamos solo los dos, y su paquete de tabaco. Más que una curiosidad friqui por sus historias capitaneadas por el comisario Montalbano y toda la retahíla de tópicos que suele recubrir el mundo noir y sus manidas lecturas, me movía el interés por preguntarle a un intelectual sin pelos en la lengua por esa Italia en la que entonces reinaba Berlusconi. Don Corleone redivivo a los mandos de la nave. Camilleri tenía 85 años, y sí, había inventado al gran personaje de su vida y para gloria eterna, Montalbano, pero también era el erudito que edificaba un lenguaje con el peso de los siglos y de las tramas históricas de su Sicilia natal. En pocas palabras: un autor barroco, complicado y, en absoluto, superventas, como llegó a ser con ese policía primo hermano de Vázquez Montalbán. «Me han traído ocho contratos coreanos para publicar allí a Montalbano. Que me perdonen: ¿pero qué le ven los coreanos?», me confesó. Socarrón. Incisivo, como el humo de uno de esos cigarrillos que encadenaba sin parar (conté más de diez en la hora de entrevista) y que se mete en los ojos hasta hacerte llorar. «Soy un empleado de la escritura». Así se definió y así lo recordaremos. Aún quedan muchos Camilleri por publicarse. No va a decepcionar a sus seguidores....



¿Qué hay de nuevo en la agenda cultural?
[Abc Cultural]   Sun, 21 Jul 2019 01:17:49 +0200 {(abc)}
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Pulsar para mostrar/ocultar texto. Margarita García Robayo: «Es muy loco que el realismo mágico siga siendo un referente tan fuerte»
[Abc Cultural]   Sun, 21 Jul 2019 01:17:22 +0200 {(abc)}
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Margarita García Robayo (Cartagena, Colombia, 1980) es un torrente de talento. Cuando escribe, y cuando habla. A este lado del charco tenemos la suerte de leerla a menudo, pero menos de escucharla. Por eso fue un lujo coincidir con ella la última vez que pasó por Madrid para presentar «Primera persona» (Editorial Tránsito), una colección de escritos formulados desde el yo, pero que en realidad hablan de nosotros. ¿Quién sería ese nosotros: su generación, las mujeres, Hispanoamérica, los autores? Todos ellos. Pero, si marcamos líneas más visibles, en primer lugar está el nosotras, la subjetividad de la mirada de una mujer sobre las mujeres, pero no es un libro feminista. Decir eso le restaría valor. Claro. Planteo una serie de contradicciones que encuentro dentro de esta cosa que está tan en boga que es las mujeres como conjunto. Como individuo, es muy difícil cuestionar todo un movimiento, pero en el libro me atreví a hacerlo. ¿Y qué contradicciones ve? Un montón. Una gran falla es la imposibilidad de ver los matices;ese blanco o negro no ayuda a complejizar la discusión, y las discusiones tienen que ser complejas, porque si no estamos redundando en lo mismo. Y hay una cosa que se deriva de lo anterior: la incapacidad de reconocer lo que se ha recorrido, como si antes no hubiésemos sido marginadas. Y esa especie de deber ser, de solidaridad ciega, como si las mujeres sólo por ser mujeres fuéramos santas. Dicho esto, entiendo la necesidad de extremar algunas cosas, porque del otro lado el hombre blanco de clase media ha vivido con privilegios incuestionables toda la vida, y si ahora se siente un poco incomodado, se la tiene que bancar. Su ficción está atravesada por la búsqueda de identidad. Sí, totalmente. Uno suele tener claro de dónde viene, el origen no suele ser una cuestión conflictiva. Lo que no está nunca claro, al menos en mi caso, es adónde pertenezco, de dónde termino siendo. Esa pertenencia es como el hueco que no consigo llenar de sentido. Ahora vive en Buenos Aires. Sí, porque tengo dos hijos y están allá, pero voy mucho a otros lados. La sociología dice que la patria es un hijo. ¿Su patria son sus hijos? Yo diría que sí. No sé si mi patria, pero es algo que le sumó algún sentido que me hacía falta. Nunca me dije: «Necesito tener hijos para completar no sé qué cosa»; pero, una vez existen, te ponen en cuestión un montón de cosas e intentas clarificar otras, no todo puede seguir siendo tan por definir. ¿Qué diferencias narrativas encuentra entre escribir desde el yo y hacerlo desde el otro? Si bien es válido que una historia, en la literatura, parta de la experiencia personal, no se puede agotar en ella, porque entonces no pasa de ser anécdota, y yo tengo la pretensión de hacer literatura. Si quisiera hablar de mí misma, escribiría un «post» en Facebook. Yo escribo desde la necesidad de decir cosas, las tramas cada vez me interesan menos. ¿Por qué? Una buena trama es una buena trama, pero se me acaba cuando termina el libro, mientras que un libro que te dice cosas, que te muestra una mirada que desconocías sobre algo que sí conoces… Para mí, la conmoción en los libros es fundamental, más allá de que los personajes cierren y sea una trama perfecta. Lo que más me importa es lo que yo pueda aportar en términos de mi mirada sobre un tema específico y que eso de algún modo toque al lector en su emotividad. Veo que como autora busca lo mismo que como lectora. Sí, es así. Antes no era tan así, pero ahora cada vez más busco eso que intento producir, esa conmoción. Es cuestión de madurez. Sí, porque eso se puede trasladar también a la vida. Yo lo que busco en la gente no es lo que hace, sino lo que a nivel humano me pueda transmitir. Por cierto, ya es hora de que desaparezca ese prejuicio de que los autores hispanoamericanos sólo escriben realismo mágico, ¿no cree? Tiendo a pensar, porque soy demasiado optimista, que la gente ya no piensa eso, pero es mentira. En Colombia, cuando a los escritores jóvenes nos hablan de García Márquez no sentimos que sin eso no nos podríamos haber formado. Es algo tan lejano en el tiempo, en las búsquedas y en las sensibilidades de las nuevas generaciones… Es muy loco que para el mundo siga siendo un referente tan fuerte, porque no es así. ¿Y desde dónde escribe? Hay un tema que siempre me jala y del que me veo obligada a hablar, y tiene que ver con nuestra realidad común, que es la desigualdad. La gran diferencia entre una crisis europea y una latinoamericana es que acá siempre empieza por un piso más alto. Yo no escribiría lo que escribo si no viviera en un lugar marginal, siempre miro desde la periferia, porque es lo que me ha tocado en la vida....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Juan Eslava Galán: «Los mismos que silenciaron y orillaron a los indios quieren ser ahora sus heraldos»
[Abc Cultural]   Sun, 21 Jul 2019 01:16:20 +0200 {(abc)}
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El escritor Miguel de Cervantes estuvo a punto de cruzar el Atlántico cuando su carrera como militar había terminado, su cargo de recaudador le había granjeado tantos enemigos como entradas en prisión y su aventura como comediógrafo en Madrid languidecía. América era la tabla de salvación para intrépidos como él, que buscaban empezar de cero y tocar de cerca leyendas que parecían propias de libros de caballerías o de la mitología griega. Soñadores, guerreros y emprendedores como ese Manco de Lepanto protagonizaron una epopeya que, más de cinco siglos después, sigue demasiado afilada para cogerla por los bordes. Contra la demagogia Juan Eslava Galán (Arjona, Jaén, 1948) no es un funambulista de circo, aunque lo de moverse al borde de lo políticamente correcto le suba la adrenalina literaria más que a Bartolomé de las Casas una buena controversia. El escritor, con una socarronería sin par, hace balancear peligrosamente las palabras entre la versión oficial y la visión más rosa en su último libro, La conquista de América contada para escépticos. Sin querer reparar en lo sensible del episodio, se atreve con perlas como «los invasores, perdón, evangelizadores», «la labor civilizadora de los españoles», a propósito de alguna batalla que acabó en baño de sangre, o «todo estaba dispuesto para el diálogo de culturas», cuando lo que estaba listo era el intercambio de mamporros. Y no es que este doctor en Letras y autor de decenas de obras históricas se haya pasado al lado oscuro de la leyenda o que se le haya secado la mollera, sino que, más bien, al jienense de mirada alegre le interesa incidir en la contradicción entre las buenas intenciones de la Corona en América y la dificultad de llevarlas a cabo sobre el terreno de la mano de un grupo de barbudos con cara de mal plan. «Hay que tener en cuenta que, desde el principio, la Reina Isabel no consintió que se esclavizara a los indios, sino que los consideró súbditos de Castilla con los mismos derechos que cualquiera de la península» Tras enfrentarse a escépticos de la Revolución rusa, del catolicismo, de la Guerra Civil y de la historia de España en general, Eslava Galán se adentra ahora en un episodio minado por lo que, tal vez, es la mayor concentración de cínicos, incrédulos y demagogos del mundo. Baste advertir que La conquista de América contada para escépticos no es libro para prejuicios. Ni rosas ni negros. -¿Es la más resistente concentración de escépticos a la que se ha enfrentado? -La conquista de América es un episodio que hemos sensibilizado en exceso de forma innecesaria por ignorancia. Todo proceso colonizador o de invasión de una potencia a otro conlleva abusos, pero en el caso de España, concretamente Castilla, actuó en consonancia con una mentalidad de la época que entendía que el Papa les había asignado unas tierras a cambio de evangelizarlas. Bajo su punto de vista, estaban haciendo lo correcto, lo que debía hacer un buen cristiano. Hay que tener en cuenta que, desde el principio, la Reina Isabel no consintió que se esclavizara a los indios, sino que los consideró súbditos de Castilla con los mismos derechos que cualquiera de la península. En la época de Carlos V, además, Bartolomé de las Casas publicó un libro denunciando abusos a indios en América que estaba repleto de muchos, muchísimos, datos exagerados pero que fue tomado muy en serio en la corte. Se abrió así un debate inédito, que ningún otro imperio se ha planteado, sobre si un reino tiene derecho de conquistar a otro. -¿Hay razones para considerar la forma de actuar de los españoles diferente a la de otras naciones europeas? -La primera gran diferencia es que nosotros nos mezclamos desde el principio con los indios, a los que no considerábamos gente inferior, sino en un estado más atrasado. Los españoles se casaron con ellas y tuvieron hijos con reconocimiento legal. Eso contrasta con otros tipos de colonialismo donde se abusó de los pueblos sin contrapartidas y estimándolos menos que el resto. Llevamos la civilización grecorromana y cristiana al otro lado del mundo, pero nosotros hemos tenido una leyenda negra que no han tenido otros países, dado que nuestros enemigos entonces tenían la imprenta de su lado y han sido quienes han escrito luego la historia. Por eso no hemos podido tomar contramedidas. Con un poco de información, todas estas posturas tendenciosas se disiparían. -También tiene que ver con lo feroces que somos los españoles con nuestra historia. -La autocrítica siempre es positiva, pero nosotros tenemos una cierta inclinación masoquista a hurgar en los aspectos más negativos de nuestra historia, mientras que nuestros compadres, el resto de países europeos, no dudan en ocultar los episodios más negativos y resaltan los más positivos, como es natural. Ha llegado la hora de revisar e informar debidamente de la verdad. Sacar los episodios negativos de España, sí, pero también los positivos y ponerlos todos en su contexto. -En el último año se han retirado estatuas y reconocimientos a Fray Junípero y Colón. ¿Qué está ocurriendo? -Estamos viviendo un auge del indigenismo de la mano de las naciones que verdaderamente arrasaron y desplazaron a las poblaciones locales. De forma cruel, los que se hicieron con el territorio español a lo largo del siglo XIX se quieren ahora alzar como los estandartes de las reivindicaciones indígenas. Los mismos que los silenciaron y orillaron ahora quieren ser sus heraldos. Muy rápido han olvidado lo que hicieron sus abuelos. «Los pueblos mexicas subyugados por los aztecas se unieron a Cortés para quitarse de encima la tiranía azteca. Luego serían los criollos, descendientes de los conquistadores y no de los indios, los que encabezaron la independencia contra España» -La idea que defiende el indigenismo es que los españoles acabaron con un paraíso. -El auge del indigenismo está provocado por el despertar de estos pueblos. Un nuevo nacionalismo que idealiza las culturas de sus ancestros como una arcadia feliz en la que no había sacrificios humanos, ni canibalismo y donde no se subyugaban unos pueblos a otros. Obviamente es falso. El dicho «la conquista la hicieron los indios y la independencia los españoles» desmonta con mucha inteligencia este mito. Cuando Hernán Cortés tuvo más soldados a su mando no pasaban de los 1.300, que debieron enfrentarse a miles y miles de enemigos. Resulta insostenible pensar que lo hicieron solos. Los pueblos mexicas subyugados por los aztecas se unieron a Cortés para quitarse de encima la tiranía azteca. Luego serían los criollos, descendientes de los conquistadores y no de los indios, los que encabezaron la independencia contra España para evitar pagar impuestos a la península. Consideraban que ya eran mayorcitos. -Muchos defienden los postulados de la leyenda negra en España. ¿Cómo hemos llegado a creernos la propaganda de nuestros enemigos? -Se debe a la demagogia. Hay ciertos grupos, casi siempre de la izquierda, que debido a su ignorancia toman partido por el indigenismo radical y por la leyenda negra. En clave de Hispanoamérica, ocurre que cuando algún caudillo de la zona tiene problemas internos saca del baúl el viejo tema de los malvados españoles, de la misma forma que nosotros en la época de Franco sacábamos el tema de Gibraltar para desviar la atención y que se olvidara que la gente se estaba rascando los bolsillos. -¿Es cierto aquello de que España se enriqueció con lo que obtuvo en América? -Al contrario. A nivel demográfico, sería una exageración decir que América desangró Castilla, porque ya estaba vacía por otras causas, aunque desde el punto de vista económico sí se puede afirmar que fue un pésimo negocio. Toda la plata y todo el oro que venían de América lo invertían los reyes de la dinastía de los Austrias directamente en sus compromisos militares. Lo expresó muy bien el poeta Quevedo cuando dijo aquello de que el oro nace en las Indias honrado, viene a morir en España y es en Génova enterrado. Los banqueros genoveses y alemanes fueron los grandes beneficiados de la conquista de América. Los que se forraron fueron ellos, y no los españoles. -¿Por qué apenas se han llevado estos personajes y episodios al cine? -Hay parte de desinterés de la industria, pero también es una cuestión económica. No es barato hacer cine histórico, pues no puedes hacer una película de la conquista en la Sierra de Guadarrama, sino que te tienes que ir a escenarios muy verdes. Una película de época requiere muchos medios... En cuanto a directores y actores estamos sobrados de talento, pero en cuanto al dinero está en otras manos. Los americanos, que hicieron una película tan fabulosa como Apocalypto, lo hacen muy bien pero están interesados en ensalzar otros periodos....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Noheda abre al público la villa romana digna de la «Pompeya española»
[Cultura]   Sun, 21 Jul 2019 01:14:43 +0200 {(abc)}
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En la mitología griega, el Juicio de Paris fue el desencadenante de la legendaria Guerra de Troya. El príncipe troyano debía juzgar quién era la más bella diosa –Hera, Atenea y Afrodita–. Y se inclinó por la última, que le había prometido el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, cuyo rapto cuasó la guerra cantada por Homero. Este episodio, junto con el mito de Pélope e Hipodamía, es el que se representa en uno de los mosaicos aparecidos en la villa romana de Noheda, pedanía del municipio de Villar de Domingo García localizada a 26 kilómetros al norte de la ciudad de Cuenca. Este complejo puede, desde este fin de semana, ser visitado por el público. El Tribunal Supremo, al igual que le tocara hacer a Paris, deberá decidir sobre el contencioso en relación con la expropiación forzosa que el Ayuntamiento de esta localidad conquense ejerció contra José Luis Lledó, el expropietario de la parcela donde se encuentra esta joya de finales del Imperio Romano. Lledó reclama una compensación mayor que los 7.500 euros que le pagaron. El hallazgo de los primeros restos se produjo en 1984, cuando, según cuenta a ABC Lledó, unos operarios instalaban drenajes. Al encontrar una cabeza de uno de los mosaicos, lo que decidieron fue dejar de labrar esos terrenos y lo taparon para evitar que se dañara o fuera expoliado. El expropietario tardó cerca de 20 años en notificar el descubrimiento asesorado por un experto, quien le dijo que «para que el mosaico se conservase bien, convenía abrirlo en unas condiciones óptimas y que no había prisa por darlo a conocer, ya que la mejora forma de protegerlo era teniéndolo tapado». La comarca donde se ubica el yacimiento, La Alcarria conquense, es una de las zonas más despobladas de España, «la Laponia del sur como se la llama», indica a ABC Javier Aguirre, alcalde de la localidad desde 1999. La apertura del yacimiento será una gran oportunidad de futuro para la gente joven de la zona, que incluso han trabajado en algunas de las campañas arqueológicas. En opinión de Aguirre, «va a ser un antes y un después». Lo más espectacular que se ha descubierto hasta la fecha son los mosaicos de finales del siglo IV d.C. en el salón de estar del señor de la villa, lo que se conoce como «triclinium», que además es el segundo más grande encontrado del Imperio Romano. Por las fechas, este «dominus» -como se denominaba a los señores de estas villas romanas- tendría que ser alguien muy influyente y con un poder económico altísimo en la época del emperador Teodosio (379-395 d.C.), que además era hispano. Lo que allí se ha encontrado responde a las características típicas de lo que era una villa romana, algo parecido a lo que son actualmente los cortijos o las haciendas en Andalucía, Extremadura y Castilla-La Mancha. Así lo explica a ABC el arqueólogo encargado de las excavaciones, Miguel Ángel Valero. Es decir, este conjunto estaría formado por la casa de recreo del dueño, las viviendas del resto de trabajadores que residen allí durante todo el año y, por último, un gran número de dependencias que dan servicio a este pequeño pueblo, como una fragua, unas caballerizas, una carpintería, un taller de textil, un lagar o un horno de pan. Después de 13 campañas conocemos 4.000 metros cuadrados que incluyen las termas privadas del señor y ese mosaico del «triclinium», el más grande de los figurativos existentes en el imperio. Y, por otro lado, una parte de la zona residencial de la «domus» -vivienda- del «dominus» o señor propietario de este conjunto de edificios, donde destaca, sobre todo, el «triclinium» -de 290,64 metros cuadrados-, en el que ha aparecido el gran mosaico en el que se representan escenas de la mitología clásica, como el Juicio de Paris o el mito de Pélope e Hipodamía, a lo que se suman dos pantomimas, un cortejo dionisiaco y un Thiasos marino. Teselas milimétricas Según subraya Miguel Ángel Valero, el «triclinium» de Noheda es el segundo más extenso del Imperio Romano y el mosaico figurativo es uno de los más grandes. Además, este mosaico es diferente a los demás por una serie de características: su estado de conservación es muy bueno, sus teselas son milimétricas, su grado de detalle, su composición o su estilo narrativo. Aparte de todo lo anterior, ha salido a la luz uno de los conjuntos escultóricos más abundantes de la Hispania romana, con más de 550 fragmentos, que se han podido contemplar hasta el 5 de junio en una exposición en el edificio Iberia de Cuenca. El arqueólogo encargado espera nuevos hallazgos porque sólo se ha desenterrado un 5% del total. Uno de los misterios a resolver es por qué la villa está allí. Valero cree que «esta zona es una gran desconocida», a la que él compara por su belleza con La Toscana. Además, se situába en un punto intermedio entre las tres ciudades más importantes de esta zona de Hispania, Complutum, Saguntum y Segóbriga....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Lucía Lacarra y Víctor Ullate sacan a bailar a la heroína clásica: Antígona
[Cultura]   Sun, 21 Jul 2019 01:14:11 +0200 {(abc)}
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Antígona ha vuelto a Mérida; en el escenario del sobrecogedor teatro romano la heroína clásica se ha suicidado decenas de veces. Esta vez, sin embargo, lo ha hecho de una manera inédita: con zapatillas de punta y bailando. El responsable, Víctor Ullate, que junto a su pareja y mano derecha Eduardo Lao firman la adaptación de la tragedia que Sófocles escribió alrededor del año 441 a.C. No podía tener Antígona, además, mejor encarnación que Lucía Lacarra –que cerrará en breve su segunda etapa en el Ballet de Víctor Ullate–. La bailarina donostiarra vuela con un baile dulce, magnético, asentado sobre una técnica poderosa y unos movimientos llenos de sutileza y de hermosura; en resumen, de una primerísima bailarina que confiemos en poder seguir disfrutando en nuestros escenarios. Jesús Cimarro, director del Festival de Mérida, lo decía al concluir el espectáculo: es muy difícil encontrar producciones basadas en los clásicos grecorromanos; mucho menos en el terreno de la danza, aunque en el repertorio de nuestra danza haya magníficos precedentes, como la «Medea» que Granero , Narros y Sanlúcar crearon hace más de tres décadas para el Ballet Nacional de España. Ullate y Lao han creado una versión que desarrolla la historia con mucha claridad, aunque, con toda lógica, han dejado de lado la parte política y han subrayado la historia de amor entre Antígona y Hemón (encarnado por Josué Ullate), apenas insinuada en el texto de Sofocles. Alguno de los momentos más bellos de la coreografía son, precisamente, los que tienen a estos dos personajes como protagonistas; también es conmovedora –Lucía Lacarra la convierte en conmovedora– la escena inicial en la que guía a su padre, Edipo, después de que éste se arrancara los ojos. Con un collage de músicas de ecos orientales –de Peter Gabriel a Lisa Gerrard–, Ullate y Lao desarrollan una coreografía eminentemente lírica, como es marca de la casa, con la belleza de las figuras y los movimientos por delante de su desarrollo dramático. El resultado es un espectáculo hermoso pero todavía tierno, que seguro que crecerá con el paso de las funciones –próximamente se presentará en los teatros del Canal de Madrid–; la inteligente escenografía de Curt Allen Wilmer (basada en bidones apilados), el sugerente vestuario de Iñaki Cobos y la acertada iluminación de Luis Perdiguero envuelven el espectáculo, en el que además de la pareja protagonista destacan el Creonte de Mariano Cardano y la Eurídice de Keiko Oishi....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. La «playlist» más literaria del verano
[Libros]   Sun, 21 Jul 2019 01:13:45 +0200 {(abc)}
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Fernando Aramburu Después de una larga racha de viajes, este verano por fin podré encerrarme por espacio de varias semanas en casa y recuperar ciertas rutinas, entre ellas la audición diaria de música. Leí recientemente una biografía de Georg Friedrich Händel que me ha animado a dedicar a su música atención prioritaria. Me regalaron tiempo atrás una caja con cuarenta CD’s, a la cual he añadido hace poco una versión magnífica de las «Cantatas italianas» a cargo de Emmanuelle Haïm. El elenco de cantantes es espectacular: la soprano francesa Sabine Devieilhe y la mezzo franco-italiana Lea Desandre, dos voces para las cuales cualquier adjetivo elogioso se queda corto. El disco reúne tres cantatas compuestas por Händel a edad temprana y un Trío Sonata en el que sobresalen los violines solistas. Félix de Azúa Para este verano recomiendo un disco recién editado del Belcea Quartet, un magnífico conjunto, quizás el mejor cuarteto de cuerda vivo, con un programa insuperable. Los dos cuartetos de Janácek y el primer cuarteto de Ligeti. Pura pasión centroeuropea. Andrés Barba El álbum «Full Moon Fever», de Tom Petty, y, en especial, «Free Falling», que aparte de ser un tema espectacular fue la canción con la que aprendí a tocar la guitarra. Me pasé un verano más que cantándola, gritándola. Milena Busquets La verdad es que no escucho música según la estaciones del año, sino según mis estados de ánimo (mucho más variables que el tiempo, incluso con lo del cambio climático), del mismo modo que no creo que haya lecturas para la playa y lecturas para el resto del año. Acabo de ver la encantadora «Yesterday» sobre qué ocurriría en un mundo donde no hubiesen existido los Beatles, así que tengo ganas de volver a escucharlos; creo que nunca los he escuchado en serio, porque siempre, desde mis primeras clases de inglés infantil, han estado ahí. Así que este verano, en un arranque de originalidad y de modernidad extrema, voy a descubrir a los Beatles. Javier Cercas A mí me educó musicalmente mi hermana Blanca, cinco años mayor que yo. Ella traía a casa discos de los Beatles, de los Rolling Stones, de Bob Dylan, de The Doors, de Lou Reed, de Van Morrison. Yo, que debía de tener doce o trece años, hacía esfuerzos hercúleos para disimular cuánto me gustaban, porque en aquella época remota yo era un dechado de virtudes y en mi casa los libros estaban muy bien vistos, pero el rock and roll no tanto. Un día mi hermana apareció con un disco titulado «Cosmo’s Factory», de un grupo llamado Creedence Clearwater Revival. Dios santo, ¡qué subidón! Los sabios dicen que es el mejor disco de los Creedence; puede ser. Lo cierto es que yo desde entonces no he dejado de escucharlo. Si ustedes no lo han hecho, no saben la suerte que tienen. Pongan ahora mismo «Fortunate Son», o «Who’ll stop the rain». Y luego sigan. Se van a enterar de lo que vale un peine. Ben Clark Me gustaría recomendar a Zahara, una artista espectacular que me deslumbró al principio del verano con su concierto en las Noches del Botánico. Me encanta su canción «Hoy la Bestia cena en casa» y también «Con las ganas». Es, además, una artista humilde y generosa y voy a seguir muy de cerca su carrera. José C. Vales No sé por qué, pero mis habituales invernales (Foo Fighters, REM, Traveling Wilburys, Trampling by Turtles y compañía) desaparecen cuando llega el verano. Entonces, en mis auriculares comienza lo que podría llamarse un maratón estival y particular de «Flor de pasión», con buenas vibraciones surferas, chicas yeyé cantando en francés, antiguallas sesenteras italianas y el sonido beat del «swinging London». El verano es más verano cuando suena «I Get Around» o «Surfin' USA», cuando Hardy o Gall cantan por la mañana o cuando los jóvenes bajan a la playa con los Shadows, los Zombies, los Hollies o los fabulosos Searchers: «Needles and Pins!». Agustín Fernández Mallo Pues, por ejemplo, el disco de Yo La Tengo, «Summer Sun», del año 2003. Tiene una alegría congénita, tranquilo pero rotundo como un día de relax veraniego. Es como cuando te despiertas un día de verano, que comienza lentamente y va ganando en acordes alegres y en una atmósfera luminosa y envolvente, muchas veces susurrada. Aunque, como todo verano, el disco contiene una inevitable melancolía: la de pensar que un día ese verano se terminará. Los títulos de la canciones se asocian perfectamente a situaciones de verano: «Today is the Day», «Little Eyes», «Beach Party Tonight», «Nothing but you and me»… Ignacio Martínez de Pisón «Los cinco sentidos», del grupo Los Especialistas, con sonidos muy africanos, muy de los años noventa. Pero entre mis canciones favoritas más recientes prefiero mencionar «Je veux», de Zaz, y «Mi tierra veracruzana», de Natalia Lafourcade. Tanto una como otra me ponen de muy buen humor. Es la magia que tiene la música. Luis Magrinyà Ahora no salgo mucho, pero aún alguna vez y, tanto en invierno como en verano, si al final de la noche nos reunimos unos cuantos en una casa sin vecinos enojosos, siempre acaban cayendo a todo volumen dos «dance hits» de los 90 a los que no me puedo resistir. Ambos son clásicos y de ellos se han seguido haciendo versiones y remixes hasta hoy: «Gypsy Woman», de Crystal Waters, una maravilla del disco house que es de hecho una canción protesta y que me sigue hechizando, y «Sing It Back», de Moloko, aunque desde hace un tiempo prefiero el remix de Todd Terry de casi nueve minutos que el grupo descartó (muy mal hecho), una versión extraña y sugestivamente nocturna. Luisgé Martín En los años 90 yo tuve bastante devoción por la música folk y sobre todo por aquella mestizada con el pop. Me gustaba mucho Amaya Uranga y me gustaba mucho desde sus orígenes Rosa León. Rosa León publicó a principios de los años 90 un disco que se titulaba, si no recuerdo mal, «Ay amor». Y en ese disco había una canción hermosísima que se titulaba «Fuiste un trozo de hielo en la escarcha», en la que se contaba la separación de una pareja de amantes y la incomprensión que le queda a uno de ellos cuando se da cuenta de que no queda nada, de que lo ha perdido todo. La canción es de José María Cano; la grabó por primera vez Rosa León, si no me falla la información, y luego la grabaron muchos otros artistas, incluso Chayanne. A mí me parece una canción muy hermosa, conmovedora, con imágenes quizá facilonas pero muy efectivas para lo que pretenden, y con una melodía sobresaliente y melancólica. Compré el disco y a los dos o tres meses me separé de mi pareja, que también amaba ese tipo de música y a Rosa León. En el período de duelo la escuché en bucle cientos de veces. Y repetía como un poseído esos versos que dicen: «Fuiste tantas cosas a la vez que me cuesta creer que hoy no seas nada. Sobre todo porque no es verdad: no consigo olvidar esa mirada que aún me hace estremecer». Sigue siendo, hoy, una canción magnífica. Elena Medel Uno de mis discos favoritos es «Un soplo en el corazón», de Family. En él hay una canción evidente, «El bello verano», pero yo prefiero «Viaje a los sueños polares» o «Dame estrellas o limones». Cuando las oigo se abre un paréntesis. Sospecho que este verano oiré bastante «Colección de canciones sencillas», de Lorena Álvarez. Me gusta mucho su delicadeza tan amarga, y me gusta mucho también que me despierte las ganas de escuchar a Vainica Doble. Y espero que el modo aleatorio de Spotify seleccione a menudo canciones de Serge Gainsbourg, claro. Sara Mesa Yo no distingo mucho entre música de invierno o de verano... Con todo, voy a recomendar «Riverboy», el primer disco en solitario de Charly Riverboy, el cantante de The Milkyway Express. Si ya conocíamos su fuerza como vocalista en el ámbito del rock'n'roll más potente, en este proyecto personal ofrece un buen puñado de temas introspectivos más en la onda de Donovan o Townes Van Zandt. Riverboy es un dios en el escenario, pero fuera de él, además, es un tipo estupendo. Luna Miguel Elijo, sin duda, a Angèle. Es una cantante belga que recientemente publicó «Brol», su primer disco. No sólo contiene canciones feministas -incluso trata el #MeToo- sino que se burla del rap francófono más machista, consigue llevar la poesía a ritmos de un pop muy suave, y se ha convertido en el icono de mujeres de todo el mundo por su manera desenfadada y burlona de cantar. Puedo haber escuchado su disco 2.000.000. Recomiendo especialmente «Flou», «Ta reine» y «Tout Oublier», donde además cita a Baudelaire. Rosa Montero Recomiendo apasionadamente al compositor, trompetista y pianista francolibanés Ibrahim Maalouf (que, por cierto, es sobrino del escritor Amin Maalouf). Me lo descubrió hace cuatro o cinco años mi querido y llorado Enrique de Hériz y caí enamorada de él inmediatamente. Toca una trompeta muy singular, de cuarto de tono, inventada por su padre, también trompetista, en los años sesenta. Ese instrumento permite interpretar la música árabe y tiene un sonido único que te pone los pelos de punta. Todo lo de Maalouf es buenísimo, pero si queréis empezar por algún lado, escuchad «Will soon be a woman», o «Paris», o «Beirut», o... Hace una especie de jazz-fusión poderosísimo. He tenido la suerte de verle dos veces en vivo. Inolvidable. Javier Montes Aquí es verano, pero Joao Gilberto se ha ido a morir, «caralho!», en pleno invierno austral. Nunca es justo morirse, ni hay un buen momento para que el mundo pierda un genio inmenso, pero da más rabia aún pensar que un artista tan solar, tan luminoso, tan delicado, se ha despedido justo cuando la lluvia, el viento, la resaca y las noches largas estarán obligando a hibernar a las playas de Río. Todos los gigantes de la siguiente generación de músicos brasileños, de Chico Buarque a Gal Costa, de Gilberto Gil a Bethánia o Tom Zé, recuerdan aún hoy, medio siglo más tarde, el lugar y el momento exacto en que apenas adolescentes oyeron por primera vez en las radios de sus pueblos soñolientos la primera verdadera canción de la bossanova, «Chega de Saudade»: cantada por su voz extrañamente dúctil y opaca e hipnótica y sus acordes sincopados como filigranas o fugas de Bach a la guitarra. Yo me sé de memoria todas las canciones de su «white album» de 1973, que lleva sólo su nombre por título y en el que solo suenan, mínimas pero al máximo de genialidad, esa voz y esa guitarra. Pero para despedirlo a lo grande, para poner a todo volumen este verano en el coche y al final de las fiestas, recomiendo la grabación en vivo del concierto a cuatro manos que dieron Joao Gilberto y Caetano Veloso en el Gran Rex de Buenos Aires en 1999: no es fácil escuchar nada que transmita mejor rollo y más química entre dos grandes, y resume por sí solo un siglo de veranos y genialidad en la música brasileña. Lara Moreno Mi canción es «This Mess We’re In», de Thom York y PJ Harvey. Porque da igual que sea verano o invierno, da igual Saturno que Plutón, da igual el alba que la noche negra: siempre este quejido dulce pero que viene del metal me grita, me arrastra hacia abajo, me impulsa hasta la orilla. Julia Navarro Me temo que van a pensar que soy un poco aburrida, pero no tengo «canción del verano», aunque cuando en alguna emisora de radio recuerdan las «canciones del verano» de hace algunos años no puedo dejar de sonreír al reconocer las que fueron las «canciones del verano» de mi adolescencia y juventud. Pero, más allá del verano, hay canciones que me acompañan siempre. Por ejemplo, siempre tengo a mano el CD de un concierto de Mikis Theodorakis y María Farantoúri. O un disco de Paco Ibáñez en el Olympia «cantando» a los grandes de nuestra poesía. También conservo un viejo disco que compré en París con las mejores canciones de Melína Merkoúri. No sé por qué, pero cuando escucho a Melina siempre me da un «subidón». Otro de mis clásicos es Leonard Cohen y su «Songs from the Road». También guardo como un tesoro un CD que me grabó mi amigo Mitxel Casas con un popurrí de canciones de los 70. ¡Ah! y suelo soñar mientras escucho a Bacarisse, su Romanza del Concertino para guitarra y orquesta; soy capaz de escucharla una y otra vez, sobre todo si voy conduciendo. Y siempre, siempre a Mozart, que me acompaña mientras escribo. Elvira Navarro Recomiendo con fervor «Colección de canciones sencillas», el nuevo disco de Lorena Álvarez. Tiene canciones buenísimas y emocionantes, y me encanta el uso refrescante que Álvarez hace de la música popular española. Por momentos me recuerda a las Vainica Doble. Aunque me gustan todos los temas del álbum, tengo debilidad por «La huerta de mi padre», que me recuerda al pequeño huerto que tenía mi abuelo, al tomate que abría en dos con su navaja y que yo me comía allí mismo, entre las plantas de pimientos y la albahaca, mientras jugaba. Miqui Otero Hay camisas, colores y canciones, también personas, que caen mejor en verano. Últimamente, es ponerme la primera camisa de manga corta y que entre en mis cascos la música brasileña. Refresco tropical y tropicálido. Especialmente «Gostava tanto de vocé», de Tim Maia. Durante mucho tiempo entraba en el verano a la carrera, como corriendo hacia el borde de la piscina para tirarme en bomba, descalzo y con manguitos en los bíceps, tartera de sandía o filetes empanados al lado de la toalla, gritando algún hit punk y pop sobre el verano de los Barracudas o los Undertones: ¡Here comes the summer! Pero cada vez tengo más claro cuál es mi canción sobre el verano favorita. La más profunda, sin perder ternura y encanto y ritmo, también. «That summer feeling», de Jonathan Richman. ¿Sobre qué va? Te lo pregunto yo a ti: ¿a veces has mitificado tanto tus veranos juveniles que al final eso se ha vuelto en tu contra? ¿Te has puesto a pensar tan intensamente en aquellas vacaciones de primer beso y casete en el coche y pulsera de hilo o cuero el último día antes del regreso que te has puesto triste? ¿Hasta qué punto no es tóxica una nostalgia demasiado fotogénica? Jonathan Richman le canta a eso: el césped, los estanques, los besos con sabor a Calippo lima-limón (bueno, esto último es mío). Pero en lugar de hacerlo de una forma acrítica y celebratoria, le da un giro precioso. Cómo ese sentimiento veraniego, esa sensación estival, de que todo era mejor antes, los prados más verdes, las piscinas de un mejor azul, los otros más guapos, los días más largos, te puede atacar a traición en cualquier momento cuando pasen los años. ¿Realmente te gustaba tanto esa persona o simplemente te echas de menos siendo con ella más joven? Bien, dice, ese sentimiento veraniego, esa sensación estival, te va a perseguir, se va a reír de ti, te va a raptar en cualquier momento. Que tu valle quizás no era tan verde, sino que era el tuyo cuando tenías todo por estrenar. Que hay que buscar otros valles y otros verdes, también más helados y más besos y más piscinas, también ahora. Carlos Pardo Este verano estoy volviendo a escuchar «The circle game», de Tom Rush, clásico olvidado del 68. Esa mezcla feliz de folk y rock con arreglos que van del country a lo sinfónico (de Paul Harris). Una combinación inspiradísima y sutil que no se puede describir de esta manera tan torpe. Y la voz grave y calmada de Rush. Un disco con un encanto especial, casi todo él de versiones magistrales (de Joni Mitchell, James Taylor y Jackson Browne), y con esa maravilla original del propio Rush, «No regrets», versioneada, entre muchos otros, por Scott Walker. Una obra maestra que puede leerse como la agridulce historia de una relación, con sus euforias y bajones, alegre en lo triste, y luminosa. Alejandro Palomas Un disco para acompañar la escritura en los anocheceres estivales: «John Dowland, Lute Music 1», interpretado por Nigel North (Laúd). Es como si la soledad estuviera habitada de respiración poco sólida, como si lo malo quedara fuera. Una canción para conducir por el campo al amanecer: «Hallelujah», de Leonard Cohen. Podría escucharla en bucle hasta ensordecer. Me da la vida, es como si me acunara y me empujara a seguir luchando por mis sueños. Un grupo para bailar solo en el bosque como si el resto del mundo hubiera desaparecido: Simply Red. Sigo fiel a la furia pelirroja, aunque ya no estén. Me renuevan la sangre y me vacían de agresividad. Con Simply Red siento que pertenezco, no sé a qué, pero pertenezco. Carmen Posadas Cada verano de mi vida tiene su banda sonora. Algunas son románticas, otras trepidantes, las hay nostálgicas e incluso pachangueras. Empezando por la prehistoria, en mis primeros veranos no había la música que yo elegía, sino la que escuchaban mis padres, mis abuelos o mis tíos, que eran muy jóvenes y a mí me parecían el colmo de lo «canchero», como se dice allá, en Uruguay. Haciendo un repaso rápido de aquellos veranos de mi infancia, su banda sonora sería un mix entre el jazz de Ella Fitzgerald y las canciones de Nat King Cole que les gustaba a mis abuelos, pasando por el adorado Gilbert Bécaud de mi madre, el «Oh, Carol!» de mis tíos y, mi música favorita de entonces, el calipso de Harry Belafonte de mi padre. Ya en la adolescencia, la banda sonora de mis veranos tiene que ver, cómo no, con el amor, de modo que ahí están para siempre en mi recuerdo «Je t'aime moi non plus», «Rain & Tears» y todas las canciones de Simon y Garfunkel. Ya casada, me dio por el flamenco y las rumbitas: Los Chichos, los Gipsy Kings, Romero San Juan… y , separada de mi primer marido, caí en los brazos de Stevie Wonder para proclamar que «I just called to say I love you». Mi segunda soltería duró poco, así que, aquí me tienen, de nuevo casada y entregada, esta vez, a la música francesa de los cincuenta, a los boleros, a los tangos. De este modo, mis veranos de entonces son recuerdos de Georges Brassens, Cuco Sánchez, Chavela Vargas y, por supuesto, de Gardel. Los más recientes, en cambio, son más eclécticos, por no decir contradictorios, así que tienen como banda sonora desde «La Macarena» y el «Aserejé», hasta Queen o Police y, por supuesto, toda la música latina del mundo, que me encanta. Lo que nunca hay en la banda sonora de mis veranos (ni de mis inviernos tampoco) es música clásica. Lo siento. Debe de ser deformación profesional, pero solo me gusta la música con palabras. Por eso adoro la ópera y sé que está muy mal decirlo. pero me temo que es la verdad: Mahler o Ravel, y no digamos Britten, Discepolo o Shostakovich me dejan más fría que un tinto de verano. Patricio Pron Vengo de un sitio que suele ser muy caluroso en verano, y sin embargo, en los últimos años he perdido el hábito de (y el entusiasmo por) las altas temperaturas. No me gustan las playas, odio las piscinas, tengo sospechas bien fundadas sobre las condiciones sanitarias de buena parte de los chiringuitos de este país, no me gustan los helados. Mi «canción del verano» es cualquiera que venga del frío y (en lo posible) lo provoque. Por ejemplo «Glósóli» de los islandeses Sigur Rós, que es lo más parecido que conozco al sonido del viento del norte. Marta Sanz Cada verano, y siempre que quiero que lo sea, escucho «La ley del desierto, la ley del mar», de Radio Futura. Porque me transmite alegría de vivir, energía y, en lugar de producirme la nostalgia de los dieciocho años y del tiempo que ya no volverá, sigue sorprendiéndome y movilizandome. Con esas fusiones perfectas de ritmo, palabra, melodía, cultura y cuerpo, me siento rejuvenecer. No, no me siento rejuvenecer: soy joven y con un suave balanceo voy por ahí a la hora que cierran los pubs, con un suave balanceo sin sonreír más de lo necesario... Fenomenal. Lorenzo Silva Recomiendo, a quienes no la conozcan, a la «crooner» argentina Karen Souza. En sus discos, cualquiera de ellos, hace versiones formidables de canciones perturbadoras, que vuelve aún más perturbadoras con la dulzura aterciopelada de su voz y su dicción impecable. Valgan como botón de muestra sus versiones de «Tainted Love», de Soft Cell, «Creep», de Radiohead, o «Shape Of My Heart», de Sting. Sin olvidarse de la que hizo de «Strawberry Fields», con el impagable refuerzo de Los Panchos. Gonzalo Torné Pues así, de buenas a primeras, recomendaría el grupo Hidrogenesse, que he escuchado mucho este año, primero con gran interés y después con admiración. Como tienen muchas canciones dirigiría al oyente a «Disfraz de Tigre», que es una especie de hechizo sonoro sobre la diferencia entre uso y mención; «Vuelve conmigo a Italia», que tiene un ritmillo muy agradable y habla (creo) de la conveniencia de olvidar para poder experimentar de nuevo; y sobre todo «Historia del mundo contada por las computadoras», esta canción aparece en un disco temático dedicado al matemático Alan Turing. En los seis minutos largos que dura (y que van acelerándose al ritmo que las computadoras toman el control del planeta) la letra muta del análisis histórico a la demografía, de la depredación capitalista al armamento nuclear, de la computación a la desintegración de la especie en la nada. Diría que es una obra maestra de la música popular contemporánea pero también podría escucharse en la sala de un museo. Berta Vías Mahou Hace años en casa de un amigo mexicano escuché un disco de La Sonora Tropicana. Desde entonces cada verano nos acompaña en nuestros trayectos a las playas de Cantabria. Mis padres, en cuanto subían al coche, pedían que pusiéramos la que da título al disco: «El Chuponcito». Me gusta recordar cómo disfrutaban del ritmo alegre y sensual de esta cumbia colombiana. De la letra pícara y a la vez ingenua. De la voz dulce de la cantante: «Todos mis amiguitos cuando me ven me piden un rico chuponcito. El chuponcito más sabroso y más riquito…». Enrique Vila-Matas La fiesta de los 50 años de la editorial Tusquets comenzó realmente cuando irrumpió la música en el jardín y sonó «Stand By Me» (cantada por Florence + The Machine) y regresó para mí el verano de 1962 cuando Ben E. King la popularizó. Es una pieza musical que cambia siempre automáticamente mi estado de ánimo. El secreto de su éxito a lo largo de tantos años parece estar en que es un ostinato (repetición constante de un fragmento musical) que hace reconocible de inmediato la canción, siendo bien curioso que, pese a la repetición, no resulte aburrida en ningún momento; al contrario el ostinato le confiere al conjunto una unidad homogénea. Manuel Vilas Escucho de manera obsesiva el Intermezzo de la ópera «Cavalleria rusticana», de Pietro Mascagni. Esta ópera se estrenó en Roma, en 1890, y se basa en un relato de Giovanni Verga. Pero yo solo soy adicto al Intermezzo, y allí no canta nadie. El resto de «Cavalleria rusticana» no me interesa. Es mi forma de escuchar música: elijo solo aquello que me conmueve. El Intermezzo dura tres minutos. Este Intermezzo es de una belleza infinita. Me rompe el corazón. Me eleva. Es de una delicadeza intemporal, tiene dentro de sí una idea de reconciliación con la vida. Carlos Zanón Mi disco favorito desde siempre es «Steve McQueen», de Prefab Sprout de 1985. Es una obra maestra de un genio llamado Paddy McAloon con una producción en su punto de Thomas Dolby. Grandes canciones, elegantes, directas al tiempo que sofisticadas, atemporales, cantadas con garra, voz costelliana. Pop anglosajón inteligente. Canción: «Morir o matar», de Nacho Vegas, me parece una absoluta barbaridad narrativa. O ésa o la versión de Bill Murray de «More than this», de Roxy Music, en «Lost in translation». Grupo: Vampire Weekend....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Macron recluta escritores de ciencia ficción para preparar las guerras del futuro
[Cultura]   Sat, 20 Jul 2019 17:05:26 +0200 {(abc)}
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Tras proponer con éxito la nueva mili francesa, reducida a quince días de «actividades recreativas y culturales», durante las vacaciones escolares, Emmanuel Macron ha ordenado a su Ministerio de los Ejércitos (ex Defensa) la contratación de media docena de escritores de ciencia ficción y futurólogos para «imaginar» los futuros «escenarios de conflicto», terrestres y espaciales. Con motivo de la reciente Fiesta Nacional del 14 de julio (aniversario de la toma de la Bastilla, el 1789), que culminó con un gran desfile militar con vocación europea, encabezado por tropas españolas, el presidente Macron dio a conocer las grandes líneas de su nuevo «Documento de Orientación e Innovación de la Defensa» (DOID), que resume, in extenso, las prioridades nacionales en materia de novedades y proyectos para el quinquenio 2019 - 2025. Al margen de los «juguetes», «gadgets» y reales innovaciones técnicas, militares, Macron invita a su Ministerio de los Ejércitos a contratar un equipo de media docena de escritores de ciencia ficción y futurólogos, que tendrán por misión «proponer escenarios disruptivos» para la seguridad nacional. «Disruptivo», «disrupción»: «Rotura o interrupción brusca». «Traducido» a la jerga «macroniana»: se pedirá a escritores de ciencia ficción y futurólogos que «imaginen» posibles escenarios amenazantes para la seguridad nacional… a partir de los escenarios «plausibles», que deberán estudiar con detenimiento los especialistas militares de los ejércitos de tierra, mar y aire. Zombis... ¿amenza inmediata? ¿Qué hacer si nos atacan los marcianos? ¿Cuándo pudiera ser amenaza real un ataque llegado de otra galaxia? ¿Son los zombies una amenaza inmediata? ¿Podremos utilizar la Luna como base de seguridad de nuestro planeta? ¿Son las patinetas eléctricas una amenaza militar inmediata? Julio Verne, Orson Welles e Isaac Asimov quizá sean, entre muchos otros, autores de referencia indispensables para comprender la nueva iniciativa de seguridad de Emmanuel Macron. Entre los autores de ciencia ficción, Verne ocupa un puesto eminente. Su imaginación pudiera permitirnos «avanzar» las guerras submarinas del futuro (siguiendo el modelo de «20.000 lenguas de viaje submarino»). ¿Cómo «contratar» el Verne del siglo XXI y conseguir que trabaje para la seguridad nacional? Ese es el desafío que Macron propone a su Ministerio de los Ejércitos. ¿Deben Francia y Europa prepararse a una «guerra de los mundos»? Las legendarias emisiones radiofónicas de Orson Wells hicieron realidad tal amenaza, a través de una adaptación de la legendaria novela de H. G. Wells. Emisiones que causaron una ola de pánico en los EE. UU., en 1938. Macron sugiere que grandes creadores audiovisuales, como Welles, pueden ser muy «útiles» para la seguridad nacional. ¿Qué sueldo pediría el director de «Ciudadano Kane» para embarcarse en ese proyecto? No menos eficaz fue la imaginación de Isaac Asimov, que «soñó» la defensa espacial mucho antes que los EE. UU. hiciesen realidad su sistema de misiles anti misiles, siempre actual, incluso en Europa. El Ministerio de los Ejércitos ha comenzado la «busca y captura» de media docena de «perlas» (hombres o mujeres), autores de ciencia ficción y futurólogos (futurólogas) dispuestos a integrarse en un reducido equipo que trabajará en estrecha colaboración con la Dirección general de las relaciones internacionales de la estrategia (DGRIE) y la Agencia de la innovación y la defensa (AID). Los escritores y futurólogos contratados tendrán un estatuto particular. Y sus trabajos no será considerados «obras de creación o imaginación»: serán clasificados como «secreto defensa». ¿Sueldos? Vaya usted a saber....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Los arqueólogos afirman que aquí está Betsaida, la ciudad perdida donde nació San Pedro
[Cultura]   Sat, 20 Jul 2019 15:14:25 +0200 {(abc)}
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Betsaida, en la región de Galilea, es una de las ciudades más mencionadas en los evangelios. Allí nacieron los apóstoles San Pedro y San Andrés y allí se cree que Jesús llevó a cabo el milagro de los panes y los peces. No obstante, no hay consenso científico acerca de su localización exacta. Ahora, un equipo de arqueólogos israelíes han realizado un descubrimiento clave para solucionar el misterio: los restos de un templo bizantino que piensan que se trata de la Iglesia de los Apóstoles. La tradición cristiana señala que fue erigido como homenaje sobre la casa de los hermanos discípulos de Jesús. Archaeologists claim to have found the Church of the Apostles by Sea of Galilee: A bishop trekking around the lake in 725 saw and described the Church of the Apostles — exactly where this one has been found, archaeologists say https://t.co/xvsMv0O6Y3 Haaretz pic.twitter.com/Kr7r7TXFa0— Jewish Community (@JComm_NewsFeeds) July 18, 2019 Los vestigios se encuentran en El Araj, entre los sitios bíblicos de Cafarnaún y Kursi, en los Altos del Golán. De acuerdo con Mordejai Aviam, que ha dirigido las excavaciones, la localización corresponde a la descripción del arzobispo bávaro Willibald de su viaje a Betsaida en 725, en la que afirmaba que se había construido una iglesia en el lugar donde habían vivido Pedro y Andrés y que ésta es la única que se ha encontrado. «Solo actualizamos un tercio, o un poco menos, pero es una iglesia, estamos seguros» ha afirmado Aviam a AFP. «La estructura es la de una iglesia, las fechas (de construcción) son del período bizantino y los mosaicos son típicos de la época», ha continuado en una entrevista a Haaretz. Durante las excavaciones, que comenzaron hace dos años, también han descubierto una aldea romana, con «cerámica, monedas, gres duro característico de las casas judías en el primer siglo», ha detallado el arqueólogo....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Muere a los 92 años el arquitecto César Pelli, diseñador de la «Torre Cristal» de Madrid y las torres Petronas
[Cultura]   Sat, 20 Jul 2019 01:51:15 +0200 {(abc)}
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El arquitecto argentino César Pelli, que diseñó la 'Torre de Cristal' en el Complejo Cuatro Torres de Madrid, ha fallecido este viernes a los 92 años, según ha informado el gobernador de la provincia argentina de Tucumán, Juan Manzur. «Con mucho pesar recibimos la triste noticia del fallecimiento del gran Arquitecto César Pelli. Quiero hacer llegar mis condolencias a toda su familia, sus amigos y a su equipo de trabajo», ha señalado en un mensaje en redes sociales lamentando el fallecimiento de su paisano. César Pelli (Tucumán, 1926) ha pilotado un centenar de proyectos arquitectónicos en todo el mundo que destacan por la elegancia y sobriedad de las líneas de sus edificios, así como por la forma en que combina materiales como el cristal, la piedra y el metal. En España ha dejado su impronta en España con varios edificios emblemáticos como la «Torre de Cristal», el rascacielos que Mutua Madrileña impulsó en el complejo Cuatro Torres de Madrid y que se terminó de construir en 2009. De 250 metros de altura y 50 plantas, está considerado el edificio de oficinas más alto de España y uno de los 100 inmuebles más altos del mundo. Especializado en la arquitectura vertical, el arquitecto argentino también es responsable del diseño de la «Torre Iberdrola» de Bilbao, de 165 metros y octavo rascacielos más alto de España, así como de «Torre Sevilla» en la capital andaluza, de 180 metros de altura. El argentino es socio fundador de Pelli Clarke Pelli, con sede central en Connecticut (Estados Unidos), uno de los estudios de arquitectura más reconocidos a nivel mundial en el desarrollo de construcciones en altura. Su obra más emblemática son las torres Petronas de Kuala Lumpur, de 452 metros de altura y que evocan motivos tradicionales del arte islámico. Desde su finalización en 1998 hasta 2003, estos edificios ubicados en la capital malasia fueron considerados los más altos del mundo En su obra también figuran importantes proyectos como World Financial Center (Nueva York), Two International Finance Centre (Hong Kong), Museo Nacional de Arte Contemporáneo (Osaka), Segerstrom Concert Hall and Samueli Theater (California), Torre de Cristal (Madrid), City Center (Las Vegas), Torre Repsol-YPF y Torre Bank Boston (Buenos Aires). Fue Decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Yale y miembro de la Academia Norteamericana de Artes y Letras, también de la de Diseño, y de la Internacional de Arquitectura y de la de Arquitectura de Francia. Entre otras distinciones, cuenta con la Medalla de Oro del American Architect Institute (1995), Premio Obras CEMEX de México (2006), Doctor en Artes de la Universidad de Yale (2008) y Premio Lynn S. Beedle a la Trayectoria (2008). Este despacho, con sede en New Haven (EE.UU.), ha sido premiado diversos galardones internacionales, incluida la concesión a César Pelli de la medalla de oro del American Institute of Architects por su trayectoria profesional....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Charles Manson y Sharon Tate: el crimen que cerró los sesenta
[Cultura]   Sat, 20 Jul 2019 01:08:44 +0200 {(abc)}
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Aquella noche, la del 9 de agosto de 1969, se acabaron de forma abrupta los años sesenta, escribió Joan Didion. Fue el cierre a una década alocada y lisérgica, que hizo despertar a muchos del sueño con un crimen espantoso, que conmovió al mundo. Sus principales protagonistas fueron Charles Manson, por parte de los perpetradores, y Sharon Tate, entre las víctimas. Él fue el líder de una secta profética que ordenó a varios de sus seguidores –conocidos como «la familia»– un asesinato múltiple, el de Tate –una conocida actriz y mujer del director Roman Polanski– y de sus acompañantes. Era una venganza contra un productor musical, Terry Merchel, que se negó a grabarle un disco a Manson. El escenario del crimen había sido la casa de Merchel, y no está claro si el objetivo de Manson era el productor musical y se encontró a Tate, que había alquilado la casa, y a su compañía por error, o si el criminal era consciente de que Merchel ya no estaba allí. De lo que no hay duda es de que instruyó a cuatro seguidores para que fueran «a la casa donde vivía Melchor» y acabaran con todo aquel que se encontrara allí «de la forma más horripilante», según contó años después en un libro Vincent Bugliosi, el que fue fiscal del caso. Los miembros de «la familia» eran Tex Watson y tres de las chicas jóvenes y atractivas de las que se rodeaba Manson: Susan Atkins, Patricia Krenwinkel y Linda Kasabian. En la casa estaban Wojciech Frykowski, un incipiente guionista; Abigail Folger, su novia y heredera de una fortuna de la industria del café; el estilista Jay Sebring y Tate, de 26 años y embarazada de ocho meses y medio. El trabajo del demonio Antes de entrar en la casa, Watson asesinó a un joven infortunado que había ido a visitar al encargado de mantenimiento de la casa y pasaba por allí. Era pasada la medianoche. Entraron en la casa y se encontraron con Frykowski, que dormitaba. Watson lo despertó de una patada en la cabeza y con un mensaje aterrador: «Soy el demonio y he venido a hacer el trabajo del demonio». Los atacantes encontraron después a Tate y a Sebring, los ataron del cuello con una cuerda. Sebring trató de oponerse ante el tratamiento que daban a una embarazada y le pegaron un tiro. Tanto Frykowski como Folger trataron de escapar y murieron en el intento. Watson disparó al guionista y lo apuñaló con sarna. Folger pudo zafarse en un momento de Krenwinkel, pero esta la alcanzó y la acuchilló. Él recibió 51 puñaladas; ella, 28. En medio del horror, Tate pidió clemencia, rogó que le dejaran con vida para que pudiera dar a luz y se ofreció como rehén. Pero corrió la misma suerte: la apuñalaron 16 veces. Los asesinos pintaron la palabra «pig» («cerdo») en la puerta de la casa con la sangre de las víctimas. La única que no participó de forma directa en los asesinatos fue Kasabian, que se quedó fuera de la casa, y al ver los primeros asesinatos mintió al resto del grupo diciendo que había escuchado que llegaba gente. Al día, siguiente, otro grupo de «la familia» asesinó a otras dos personas. A los dos días, Manson instruyó a Kasabian para que participara en otro crimen, el asesinato de un actor libanés. Kasabian lo frustró y huyó a su casa, a la otra punta del país, en Nuevo Hampshire. Meses después se convirtió en la principal cooperadora de las autoridades, a cambio de inmunidad. De su testimonio llegó gran parte de lo que se sabe sobre el asesinato y sobre la formación de «la familia». Lenguaje apocalíptico A finales de los años sesenta, Manson se había pegado media vida en prisión, condenado por violaciones, proxenetismo, fraude y otros delitos. Pero en la California pasada y subversiva de la época, su apariencia de gurú y su lenguaje apocalíptico caló entre un grupo de seguidores, la mayoría de ellas mujeres jóvenes de clase media, atraídas por la cultura «hippy». Formaron una comuna, que llegó a tener un centenar de miembros, en las inmediaciones del valle de Topanga, al norte de Los Ángeles. La deriva violenta de Manson llegó con una profecía sobre un enfrentamiento entre blancos y negros en EE.UU., azuzada con la obsesión que sintió por los Beatles y su «Álbum Blanco», el disco que publicaron a finales de 1968. Manson creyó que era un mensaje dedicado a él y a «la familia» sobre la llegada del «Helter Skelter», el caos masivo. Las profecías de Manson se mezclaron con la frustración de no poder desarrollar una carrera musical, como había previsto después de un encuentro casual con Dennis Wilson, uno de los fundadores de los Beach Boys, con el que trabó amistad (a cambio de compartir con él las chicas de «la familia»). El resultado fue la ola de violencia que desató y acabó con la detención de Manson y otros miembros de «la familia» en diciembre de 1969. Manson fue condenado a pena de muerte, conmutada a cadena perpetua. Falleció en 2016 en la cárcel estatal de California, convertido en símbolo de violencia y locura....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Banda sonora para un alunizaje: 14 canciones inolvidables sobre la Luna
[Música]   Sat, 20 Jul 2019 01:08:20 +0200 {(abc)}
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Banda sonora recomendada para un alunizaje. 1. Space Oddity / David Bowie El británico la escribió bajo el influjo de Kubrick, pero la BBC la utilizó para enmarcar el alunizaje y la sociedad la adoptó como emblema de sueños lunares y galácticos. 2. Eclipse / Pink Floyd Con esta canción de Rogers se cierra «The Dark Side Of The Moon», álbum en el que Pink Floyd exploraba los males de la sociedad. «There is no dark side in the moon really», se oye antes de fundir a negro. 3. Fly Me To The Moon / Frank Sinatra Con más de un centenar de versiones, la canción de Bart Howard llegó a Luna de la mano de Frank Sinatra y de la versión que grabó en 1964. 4. Rocket Man / Elton John La fiebre espacial contagió a Elton John y a su socio Bernie Taupin, quienes replicaron la historia de «Space Oditty» añadiendo un plus de almíbar melódico y también de fascinación por la incertidumbre del astronauta. 5. Mr. Blue Sky / E. L. O. Nada mejor para salir de órbita que subirse a lomos de este cohete pop ideado por Jeff Lyne y su Electric Light Orchestra. La Luna es el límite. 6. Walking On The Moon / Police Una década después de que el hombre llegase a la Luna, Sting y sus secuaces llegaron al Kennedy Space Center para grabar el videoclip de viaje lunar en clave reggae. 7. The Whole Of The Moon / The Waterboys «I saw the crescent / You saw the whole of the moon / The whole of the moon», cante Mike Scott en este clásico del rock épico de los los ochenta en el que la Luna, llena o mediada, es la protagonista absoluta. 8. Whitey On The Moon / Gil Scott-Heron Enclave de denuncia, el músico y poeta ironiza sobre la llegada del hombre a la Luna. «No puedo pagar al médico / Pero el blanquito está en la Luna», ironiza. 9. Ladies & Gentlemen We Are Floating On Space / Spiritualized Pocos artistas contemporáneos se han acercado tanto a la Luna como Jason Pierce, ideológo de este salmo galáctico de acabado tóxico. 10. Bad Moon Rising / Creedence Clearwater Revival Lanzada poco antes del alunizaje, la Luna ilumina aquí las tensiones de la década. 11. Man On The Moon / R.E.M Dedicada al cómico Andy Kaufman, ironiza con la posiblidad de que todo fuese gran montaje. 12. Moondance / Van Morrison «Hace una noche maravillosa para bailar con la luna», brama el León de Belfast en 1970. 13. Across The Universe / The Beatles Como la Luna debió saberles a poco, la NASA envío esta canción al espacio exterior en 2008. 14. The Killing Moon / Echo & The Bunnymen IanMcCulloch se sirve de una luna mortuoria para cantarle a la vida y la muerte....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. La Luna y la ciencia ficción: estos son los grandes viajes imaginarios al satélite
[Libros]   Sat, 20 Jul 2019 01:05:36 +0200 {(abc)}
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Hace cincuenta años el ser humano llegó a La Luna. Para los que lo presenciamos en directo es algo inolvidable. No sabíamos si sorprendernos más por la llegada a la Luna o por poder estar viéndola «en directo» (con los minutillos de retardo que los norteamericanos usaron para prevenir una mala imagen), aunque supiéramos que se trataba sólo de una operación de marketing político... En el mundillo de la ciencia ficción se cuenta siempre la paradoja de que cualquier autor de los años 40 o 50 podía imaginar que llegaríamos a la Luna, aunque nadie imaginó que, una vez llegados allí, abandonaríamos tan rápidamente el proyecto… Cien años antes, en «De la Tierra a la Luna» (1865), Julio Verne imaginó uno de los primeros viajes interplanetarios fruto del uso de la tecnología. Su error fue imaginar la nave como una bala lanzada por un gran cañón, garantizando la conversión en pulpa (una especie de hamburguesa de carne humana...) de los tripulantes sometidos a una aceleración insoportable fruto de un único impulso momentáneo. Aunque tuvo el acierto de imaginar la salida en Florida, cerca de Cabo Cañaveral, la necesidad de «fabricar» oxígeno para que respiraran los «astronautas» y no hacerles «alunizar» en nuestro satélite, ya que allí no cabía encontrar otro gran cañón como el Columbiad que les devolviera a la Tierra. Herbert G. Wells fue más prudente e imaginó una sustancia especial, la «cavorita», con un comportamiento antigravitatorio. Con ella explicó el viaje de sus héroes a la Luna en «Los primeros hombres en la Luna» (1901). La sorpresa en este caso es que la idea parece proceder de Alejandro Dumas, famoso autor de las aventuras de D’Artagnan, quien en «Un viaje a la Luna» (1857) también usa una materia que es rechazada por la Tierra para elevar su nave. Se puede perdonar tanto a Dumas como a Wells esa absurda idea de un posible «apantallamiento» de la gravedad, al igual que los dieléctricos hacen con la electricidad. Al fin y al cabo eso ocurría bastante antes de Einstein y su aportación que nos llevó a ver la gravedad como la manifestación de la masa que deforma la geometría implícita del universo... Incluso Cyrano de Bergerac hizo viajar sus protagonistas a la Luna para analizar satíricamente ciertas organizaciones políticas en su «Historia Cómica de los Estados e Imperios de la Luna» (1657). También en «Aventures extraordinaires d’un savant russe» (1889-1896) del francés Raoul Marquis, los héroes viajan a la Luna, esta vez utilizando la presión de la luz solar sobre una gran pantalla fijada a la nave. La idea, embrión de los veleros solares de la moderna ciencia ficción, ha tenido diversos continuadores pasando por «El viento del Sol» (1962) de Arthur C. Clarke con su exótica regata de veleros solares, hasta llegar a las naves interestelares de «La paja en el ojo de Dios» (1974) de Larry Niven y Jerry Pournelle. En el cómic es famosa la serie de dos álbumes en que Tintín viaja a la Luna «(Objetivo: La Luna», de 1950, y «Aterrizaje en La Luna», de 1952), aunque también, por ejemplo, Flash Gordon viaja a la cara oculta de la Luna en las tiras diarias del 6 de febrero al 14 de marzo de 1958. La llegada de Armstrong a la Luna hizo que ése ya no fuera un destino «importante», al menos en la ficción. Fue substituida por Marte, Europa (el satélite de Júpiter) y otros objetivos más lejanos. Miquel Barceló es Ingeniero aeronáutico, nuclear y aeroespacial; doctor en Informática y autor y especialista en ciencia ficción...



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Del cohete de Tintín al módulo lunar de Snoopy: los personajes de cómic que han estado en órbita
[Libros]   Sat, 20 Jul 2019 01:04:40 +0200 {(abc)}
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Al igual que pasa en la literatura y el cine, la Luna ha llamado la atención de los cómics. Desde sus mismos comienzos ha habido personajes que han querido viajar a nuestro satélite. Así, uno de los sueños del Pequeño Nemo de Winsor McCay le llevaba a la Luna, en un viaje fantástico en el que se nota la inspiración de George Méliès. Otros intentaban ser menos fantásticos y más creíbles, menos Méliès y más Julio Verne. Hergé, que solía documentarse a fondo para sus tebeos, echó mano de la especulación científica de la época para poner en órbita a Tintín en «Objetivo: la Luna» y «Aterrizaje en la Luna». El resultado es una historia sin selenitas ni monstruos, en la que la tensión la ponen sabotajes, fallos mecánicos y escasez de oxígeno; un enfoque casi visionario, teniendo en cuenta que estas historias se publicaron antes del lanzamiento del Sputnik 1. Además de científicamente acertados, estos dos álbumes son tan entretenidos como cualquier otro protagonizado por el célebre reportero. Seguramente por ello el cohete rojo con cuadros blancos creado por el profesor Tornasol es uno de los elementos más reconocibles de la iconografía tintinesca. Un detective en el espacio Una vez empezada la carrera espacial se desató la fiebre y las historias de ciencia-ficción se extendieron a los tebeos más inesperados. Hasta Dick Tracy acabó viajando al espacio y teniendo de nuera a una «Doncella Lunar», que fue víctima de un criminal cuando se vio que aquello no pegaba ni con cola en las aventuras de un duro policía de Chicago. Y resulta curioso cuál fue el primer personaje de cómic que estuvo cerca de llegar realmente a la Luna, al menos en nombre: Snoopy. Charles M. Schulz era un gran admirador del programa espacial, colaboró con dibujos promocionales y dio permiso a la NASA para usar gratis la imagen de sus personajes, así que su famoso perro dio nombre al módulo lunar del Apolo 10 (que hizo un descenso a pocos kilómetros su superficie), cuyo módulo de mando se llamaba Charlie Brown. Aún hoy en día el módulo Snoopy sigue en algún lugar del espacio, orbitando el Sol, y la NASA continúa entregando los premios «Snoopy de Plata» a quienes contribuyan a mejorar la seguridad o el éxito de una misión. Cuando Armstrong y Aldrin pisaron finalmente nuestro satélite, era inevitable que algún personaje de cómic les siguiera de cerca. Stan Lee hizo que los Cuatro Fantásticos evitasen un ataque de los alienígenas kree al Apolo 11 en el número 98 de su serie, publicado en mayo de 1970. Y no eran los únicos superhéroes que estaban allí, ya que años más tarde una historia de viajes en el tiempo puso a Hulk ante las mismas narices de Neil Armstrong. La Luna ha estado muy concurrida en los cómics de Marvel. En ella habitan los Inhumanos (más conocidos ahora por el batacazo de su adaptación en Netflix) y también Uatu, el Vigilante, un ser encargado de levantar acta de todo lo que sucede en la Tierra. Además, sobre su superficie se desarrolló –al menos en los cómics, no así en la reciente adaptación cinematográfica– la batalla que condujo al desenlace de una de las historias más importantes de los X-Men, «La saga de Fénix Oscura». Firmado, Clark Kent En comparación, DC ha prestado menos atención a la Luna, si bien la Liga de la Justicia tuvo allí su base durante algunos años, para gran fastidio de Batman , que nunca tuvo muy claro qué murciélagos pintaba él allí arriba, tan lejos de los oscuros callejones de Gotham. Sí que ha servido para ser deformada cuando alguien quería dejar un mensaje bien visible. Por ejemplo, el Joker –siempre dispuesto a montar un buen número– usó los inmensos poderes que obtuvo durante la serie «Emperador Joker» para poner su cara en la superficie lunar. Y hasta al mismísimo Superman no se le ocurrió mejor idea que grabar en ella un mensaje de despedida a la humanidad cuando creyó haber contraído un virus mortal durante una historia publicada en 1962; firmando, para colmo, como Clark Kent, lo que hizo que tuviera que borrarlo a toda prisa cuando todo resultó ser un mero catarro con extra de kriptonita. Como ven, la Luna ha dado mucho juego en los cómics, hasta haciendo las veces de «post-it» sideral....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Las mil caras culturales de la Luna
[Cultura]   Sat, 20 Jul 2019 01:04:12 +0200 {(abc)}
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Cuando Neil Armstrong puso pie en la Luna, pisaba territorio mitológico. El reino de la diosa Selene, de la que el pastor Endimión se quedó prendado. El de la cruel Diana de los romanos. El de la esquiva Máni, en el imaginario nórdico. Hollaba una tierra que, como antorcha en la noche, ha alumbrado desde el principio de los tiempos los mitos y los credos de todas las civilizaciones que poblaron la Tierra. Esa masa rocosa que ha acunado desvelos y pesares desde que el hombre es hombre, se retorcía a cada paso de Armstrong. Musa para unos, bruja para otros. Son muchos los ruegos que ha escuchado, que si hablara, callarían tantos... Testigo privilegiado de la memoria de los tiempos. Con distinto nombre, pero la misma cara, no hay cultura que no haya buscado una explicación a veces científica, otras metafísica, la mayoría de las veces mitológica, al astro que faena cuando el sol termina su jornada. Los aztecas, con la desmembrada Coyolxauhqui. Los egipcios y su dios marinero Jonsu. Los japoneses venerando a Tsukiyomi cuando elevaban sus plegarias al dios de los cielos nocturnos. Ese mismo que mató a la diosa de la comida para esparcir sus alimentos por la tierra. Los indios buscando en la Luna la inmortalidad terrenal del dios Soma... Símbolo de la fecundidad, también de la fragilidad; de la caducidad, otras veces de la resurrección; de la melancolía y la infinitud del alma romántica; consuelo de los tristes y mal de los venturosos… la Luna siempre ha estado en boca de todos. Desde filósofos como Anaxágoras, que en el siglo V a.C. le negó al satélite su condición de diosa al sugerir que se trataba de un cuerpo rocoso, hecho que le costó el exilio y rompió con la tradición mitológica. O desde los alquimistas medievales, que creían que la piedra lunar o feldespato era una gota de luz de la Luna solidificada con poderes curativos. Debussy, en su homónimo «Claro de Luna», se inspiró en un poema del poeta francés Paul Verlaine Para la música clásica también la Luna fue razón de trinchera. Un ejemplo es la sonata «Claro de Luna» de Beethoven, de la que cuentan que está inspirada en una conversación en la que el compositor le insinúa a una amiga ciega la idea de suicidarse que le ronda el pensamiento. Ella, para animarle, le responde que daría la vida por ver una noche más la Luna. Beethoven, conmovido por sus palabras, decide así componer su famosa melodía para que, ya que no puede verla, al menos pueda oírla. Debussy, en su homónimo «Claro de Luna», se inspiró en un poema del poeta francés Paul Verlaine: «Siempre cantando en el tono menor, / el amor triunfal y la vida oportuna / parecen no creer en su felicidad / y sus canciones se unen al claro de la luna». A Chopin pertenece otra de las obras que rinde tributo al corazón humano bajo el influjo de la Luna: «Los nocturnos». El que movía dese pastor Endimión a ese toro enamorado de la Luna (del compositor Carlos Castellano) que cada noche se escapaba de la manada para verla «peinarse en los espejos del río» entre la jara y la sombras. Como en las metamorfosis de Ovidio, en esta versión renovada del mito, el pastor se convirtió en ganado. Lloraba Federico García Lorca en la muerte de Ignacio Sánchez Mejías: «En la plaza redonda de la luna / que finge cuando niña doliente res inmóvil». El poeta a veces la describía en la frente del amado, las más la pintaba como la diosa macabra de la muerte: «La luna vino a la fragua / (...) En el aire conmovido / mueve la luna sus brazos. / Niño, déjame que baile». Fue, sin embargo, el poeta chino Li Po (701 d.C.) el primero en degustarla como en una cata en verso: «Bebo solo, ningún amigo está cerca. / Levanto mi copa, invito a la luna». De tanto invitarla a beber, murió ahogado en un río cuando intentaba alcanzarla. «Y Li Po también murió borracho; / trató de abrazar a la luna / en el Río Amarillo», escribió el poeta Ezra Pound (Estados Unidos, 1885) como epitafio. No tuvo piedad la Luna, en la voz de José Ángel Valente, que le rogaba en sus «Fragmentos de un libro futuro»: «Ahora que tu disco resplandece / con plenitud solar en el cielo del estío / ten piedad de nosotros / la luna, en esta noche». De los últimos poemas que del astro se recuerda. La factura de nuestro culto a la Luna: la religión de la licantropía que inspiró la ciencia ficción de nuestro tiempo, el lunatismo del Quijote o la eclosión de organizaciones como Greenpeace. Pues no fue hasta la llegada del hombre a la Luna cuando los humanos tomamos conciencia desde la distancia de la belleza de un planeta llamado Tierra. Un frágil punto azul perdido en la inmensidad del cosmos. «Bebiendo solo a la luz de la luna» (poema completo de Li Bai) Entre las flores, un tazón de vino bebo solo, ningún amigo está cerca. Levanto mi copa, invito a la luna y a mi sombra, y ahora somos tres. Mas la luna nada sabe de bebidas y mi sombra se limita a imitarme, pero así y todo, luna y sombra serán mi compañía. La primavera es época propicia para el goce. Canto y la luna prolonga su presencia, bailo y mi sombra se enreda. Mientras me mantengo sobrio, nos alegramos juntos, cuando me embriago, cada uno marcha por su lado jurando encontrarnos en el Río de Plata de los cielos....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. A juicio Jaime Botín, acusado de contrabando de un cuadro de Picasso
[Arte]   Fri, 19 Jul 2019 16:12:10 +0200 {(abc)}
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Un juzgado de lo penal de Madrid ha señalado para el próximo lunes el juicio al expresidente de Bankinter Jaime Botín por sacar de España e intentar vender la obra del pintor Pablo Picasso «Cabeza de mujer joven», y en el que se enfrenta a una petición fiscal de cuatro años de prisión. Pese a que el juicio está fijado para el día 22, la Fiscalía de Madrid advierte que tanto el Ministerio público como la defensa del acusado han solicitado el aplazamiento. El fiscal imputa a Botín la supuesta comisión de un delito de contrabando de bienes culturales, por el que además pide que se le imponga una multa de cien millones de euros, que en caso de impago deberá saldar con seis meses de privación de libertad. En su escrito de acusación, el fiscal relata que Botín, que era propietario de la obra original de Picasso «Cabeza de Mujer Joven», creada en 1906, se puso en contacto con la empresa especializada en la subasta de obras de arte Christie's, con el fin de vender la obra en una subasta programada para febrero de 2013 en Londres. El personal de la casa de subastas le informó de que debía pedir autorización al Ministerio de Cultura español para su exportación al tratarse de un bien perteneciente al Patrimonio Histórico «dado su evidente interés histórico-artístico y tener una antigüedad superior a cien años», destaca la Fiscalía. Jaime Botín autorizó a Christie's el 5 de diciembre de 2012 a presentar y gestionar la licencia de exportación con posibilidad de venta ante el Ministerio de Cultura. El fiscal explica que ese mismo día la firma solicitó al Ministerio permiso de exportación definitiva del cuadro, valorado en 26.200.000 euros, para su subasta en Reino Unido. Solicitud denegada La Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes de Patrimonio Histórico Español, organismo consultivo del Ministerio de Cultura, propuso por unanimidad el 13 de diciembre de 2012 la denegación de la solicitud. También planteó que se declarara que no se pudiera exportar la obra por no existir otra semejante en territorio español al ser una de las pocas de Picasso del período «Gosol», etapa en la que el artista se vio influenciado por la plástica del arte ibérico, lo que incidió de forma decisiva en el cubismo y en la evolución posterior de la pintura del siglo XX. Siguiendo este dictamen el director general de Bellas Artes denegó el 19 de diciembre de 2012 la solicitud y el Ministerio de Cultura acordó, nueve días después, que la obra no se podía exportar como medida cautelar hasta su declaración como Bien de Interés Cultural. La Fiscalía destaca que, «pese a ser plenamente consciente de la prohibición, el acusado trasladó el cuadro a un yate de su propiedad atracado en el puerto de Valencia para sacarlo de España y dio instrucciones a su capitán para que lo ocultara». El Servicio Fiscal de la Guardia Civil realizó el 10 de junio de 2015 una inspección en el yate y requirió al capitán una declaración de los bienes que estaban a bordo y, «siguiendo las instrucciones de su patrón, no incluyó en el listado la obra de arte, aunque sí otras». En julio de ese año el barco atracó en el puerto de Calvi (Córcega, Francia) con el cuadro a bordo mientras Jaime Botín contrató con una empresa de transporte aéreo la reserva de un vuelo para el día 31 de dicho mes para trasladarse con el cuadro a Ginebra (Suiza). Los servicios aduaneros franceses localizaron la obra embalada en la cabina del comandante de ese barco sin la preceptiva autorización para su salida de España, por lo que el cuadro fue intervenido y posteriormente trasladado a España. Desde agosto de 2015 el cuadro de Picasso está depositado en el Museo Nacional Reina Sofía....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. San Fermín 2019: Trasladan a Rafael Rubio «Rafaelillo» a planta tras pasar cinco días en la UCI
[Toros]   Fri, 19 Jul 2019 15:45:53 +0200 {(abc)}
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El torero Rafael Rubio «Rafaelillo» se encuentra ya en un habitación de planta del Complejo Hospitalario de Navarra tras pasar cinco días en la UCI. Según la información ofrecida este viernes por el Gobierno foral, el diestro ha sido traslado a la planta de hospitalización convencional de Traumatología. El torero sufrió una violenta cogida el día 14, en el cuarto toro de la última corrida de los sanfermines, con reses de Miura. Atendido en la enfermería de la propia plaza, el parte médico indicó que su pronóstico era grave tras sufrir «una cornada envainada en el hemitórax izquierdo y múltiples fracturas costales»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. Así es la desconcertante canción que tiene el mismo efecto que tomar un ansiolítico
[Música]   Fri, 19 Jul 2019 15:41:33 +0200 {(abc)}
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Las conclusiones de un estudio realizado por investigadores estadounidenses ha demostrado que escuchar la que los neurocientíficos consideran «canción más relajante del mundo» antes de una operación tiene el mismo efecto calmante que tomar un ansiolítico. Los pacientes sometidos a la investigación de la Universidad de Pensilvania se dividieron en dos. Mientras estaban recibiendo la anestesia para dormir una parte de su cuerpo antes de la cirugía, a uno de los grupos se les suministró midazolam (una benzodiazepina usada como ansiolítico, mientras que el otro escuchaba tres minutos el tema «Weightless», de Marconi Union. La canción es tan efectiva que hasta se considera peligroso escucharla mientras se está conduciendo. De acuerdo con Mindlab International, el grupo que ha realizado la investigación, el poder del single del grupo británico es mucho mayor que todas las canciones que se han probado hasta el momento. El estudio, que se ha publicado en el BMJ Journal, muestra que reduce la ansiedad en un 65 por ciento y los niveles fisiológicos habituales en reposo, un 53 por ciento. Unos porcentajes muy similares a los obtenidos por el ansiolítico. El citado grupo británico escribió el tema en 2012 específicamente para reducir la ansiedad, la presión arterial y el ritmo cardíaco. Para completar la misión de crear este tema con éxito, incorporaron varias teorías científicas y trabajaron con terapeutas durante su proceso de grabación. En «Weightless» aparecen suaves melodías creadas por sintetizador, así como partes instrumentales compuestas con piano, guitarra y muestras electrónicas de paisajes sonoros naturales. El periódico británico The Intependent recoge que Richard Talbot, de Marconi Union, declaraba cuando se publicaba la canción: «Ha sido fascinante trabajar con terapeutas para saber cómo y porqué ciertos sonidos afectan al estado de ánimo de la gente. Siempre creí en el poder de la música»....



Pulsar para mostrar/ocultar texto. El final del comisario Montalbano y todos los libros inéditos que deja tras de sí Andrea Camilleri
[Libros]   Fri, 19 Jul 2019 12:44:16 +0200 {(abc)}
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Andrea Camilleri dejó escrito el final del comisario Montalbano para que se publicara tras su muerte, pero aparte de esta novela póstuma hay otras historias del famoso personaje que aún deben ver la luz en español. Un consuelo para sus incondicionales lectores. El fallecimiento de Camilleri, el pasado miércoles en Roma a los 93 años de edad, abre el camino a la publicación de «Riccardino», el título que el escritor siciliano entregó hace tiempo a su editorial de siempre, la palermitana Sellerio, para concluir la saga de Montalbano. No teman: el comisario no muere en esta última entrega, según anticipó en su día su creador, quien no dio muchos más detalles de la novela, celosamente custodiada desde hace años y que prácticamente nadie ha leído. «Riccardino» se convirtió desde su anuncio en la novela que los lectores de Camilleri desearían no leer nunca. Pero la novela final de Montalbano no es la única de las protagonizadas por el célebre comisario que permanece aún inédita en español. Hay otros cuatro títulos publicados en Italia que esperan ser traducidos, un proceso que durará unos cuantos años, según los planes de la editorial Salamandra, encargada de publicar la saga en castellano. La última novela de Montalbano editada en español hasta la fecha es la aclamada «El carrusel de las confusiones», entrega número 22 de la serie. Fue publicada en abril pasado y había aparecido en su idioma original en 2015, lo que da una idea del desfase entre los títulos en italiano y en español. La siguiente novela de la serie, que se titulará en español «Tirar del hilo» y en la que Camilleri reflejó el drama de las migraciones, no se publicará hasta abril del próximo año. Pero antes de disfrutar de una nueva aventura del comisario de Vigàta, los lectores podrán degustar en español una de las obras más personales de Camilleri, «Carta a Matilda», que el autor siciliano escribió con 92 años a su bisnieta, que por entonces tenía seis años. Su publicación está prevista para octubre próximo. Hay otros tres títulos del comisario Montalbano pendientes de publicación en español. «La rete di protezioni», que apareció en Italia en 2016, devuelve a Vigàta a los años cincuenta a través del rodaje de una película. Un año más tarde fue editada «Il metodo Catalanotti», en la que Camilleri recuperaba el mundo del teatro en el que él mismo trabajó antes de triunfar como escritor. La última novela de Montalbano publicada hasta la fecha es «Il cuoco dell'Alcyon», que llegó a las librerías italianas el pasado 30 de mayo. Es la número 27 de una serie que comenzó en 1994 con «La forma del agua» y que ha sumado millones de lectores no solo en Italia, sino en el resto de Europa y América Latina. Además de estas obras pendientes hay que contar con la intensa actividad que mantuvo Andra Camilleri como escritor hasta los últimos años de su vida. Se da por seguro que el autor siciliano habrá dejado a sus lectores un número aún indeterminado de manuscritos para que no les abandone el placer de seguir disfrutando de su inmensa compañía literaria...



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